ДЖЕНИФЪР ТРУТЪН И СИАН КОСТЕЛО ОБСЪЖДАТ ПОДХОДИТЕ СИ КЪМ ЖИВОПИСА И СЪОТВЕТНИТЕ ИМ ИЗЛОЖБИ В ОРМСТЪН ХАУС.
Дженифър Трутън: Моята живописна практика е информирана от интереса ми към историческото обезценяване на жените художници и жанровете, които те, поради липса на достъп, бяха принудени да приемат. Преди много години прочетох цитат от член-основател на Кралската академия по изкуствата, сър Джошуа Рейнолдс: „Нека мъжете се занимават с всичко, което е свързано с голямото изкуство... нека жените се занимават с... рисуването на цветя.“1 Това ме тласна към жени художници като Ванеса Бел, Анджелика Кауфман и Рейчъл Руиш. Това от своя страна доведе до създаването ми на кодирани съвременни натюрмортни картини, които разказват историята на преживяванията на жените чрез предметите и пространствата, свидетелстващи за живота им. Вярвам, че нашите практики имат феминистки грижи в основата си, но там, където аз изследвам пространства и обекти, вие изследвате женската форма, преформулирайки нейната роля в историята на изкуството.
Сиан Костело: Обичам как използването на натюрморта отразява едновременно отсъствието и постоянното присъствие на жените в историята на изкуството и съвременното общество. Често използвам картини от периодите на барока и рококо като референтен материал и съм очарован от ролята на модела на художника като широко некредитиран сътрудник в създаването на тези всепризнати и влиятелни произведения на изкуството. Виждам това като продължение на по-широкото тривиализиране на женския труд. В моите картини използвам собственото си тяло като модел, за да преоценя физическата работа, свързана с поддържането на поза и обръщането на установената динамика на силата между художник, модел и зрител.
JT: Прекарвам месеци, дори години, изследвайки и развивайки образите си, преди да се доближа до платно. За мен започването на рисуването се чувства като последна стъпка, тъй като по-голямата част от вземането на решения вече е направено. Но гледам работата ви и получавам истинско усещане за енергия и игривост, което ме кара да мисля, че физическият акт на рисуване е много по-близо до началото на вашия творчески процес. Вашите мазки с четка предполагат по-интуитивен подход.
SC: Винаги се опитвам да рисувам от червата. Обикновено не съм сигурен как ще изглежда картината в края, но по-скоро се наслаждавам на процеса на измисляне как да реагирам на всяка нова поставена оценка. Изграждам картините си на слоеве, от пастел под рисунка върху необработено платно, до гесо, след което маслената боя трябва да бъде стратегически поставена върху по-грундираните зони. Това е моят начин да задържа този импулс да рисувам през всеки етап от създаването, но това също може да доведе до куп разочарования и загубено време. Понякога ми се иска да имам по-надежден процес, но честно казано, мисля, че ще започна да се откъсвам от него веднага щом го установя!
JT: Заглавията са нещо, за което и двамата сме съгласни, че са важни при представянето на нашата работа. Намирам произведения без заглавие за разочароващи и дори разочароващи. За мен заглавията са първият пътепоказател при разчитането на изображението. Мисля за картините си като за карти, а заглавията са улики, които трябва да бъдат декодирани. Прекарвам много време в обмисляне на тях. Понякога те идват в началото, в средата или в края на процеса, но никога не са прибързани или закъснели.
SC: Дойдох да използвам заглавията като начин да сигнализирам за нещо абстрактно в образите си. Харесва ми да използвам звуците на думите като още един щрих с четка, слой, който ангажира езика на зрителя и задейства спомен, пренасяйки ги някъде другаде, освен пред моята картина. Още по-добре, ако ефектът е хумористичен; например, моята поредица от картини от 2023 г. „Le Gubbeen“ се основава на картината на Жан-Оноре Фрагонар от късното рококо, La Gimblette (1770). Има нещо много смешно и неделикатно в сиренето.
JT: Какво мислите за ролята на красотата във вашата работа? Често наричам работата си естетически издържана, но рядко красива. Боря се с красотата, тъй като тя твърде често се свързва с женствеността и затова не се възприема като сериозна артистична грижа. Позоваването на нещо като красиво може потенциално да намали силата му и да го сведе до декоративен занаят, от който феминистката в мен се отвращава. Умишлено създавам атрактивни натюрморти и използвам цветови палитри, които предизвикват чувство на носталгия. Това е, за да привлека аудиторията си, преди да ги помоля да обмислят и неудобните реалности, съдържащи се в тях. Ударът се съдържа в красотата.
SC: Темата, с която се занимавам, е пряко свързана с преследването на красотата в историята на фигуративното изкуство. Интересува ме кой печели от изграждането на красота и какво се случва, когато обществото се обърне към това, което някога е считало за уважаван „добър вкус“. Особено съм доволен от картина, когато усетя, че се люлее на границата между нещо красиво и нещо отвратително, като блясъка върху лъскава коса, която при по-внимателно вглеждане изглежда мазна и неизмита.
JT: Като художник на 50-те си години, аз съм наясно, че моето образование и ранна кариера бяха електронно различни от вашите. Не бях обременен от изобилието от информация, изображения и възможности, които днешният свръхбърз интернет носи. И не съм сигурен дали щях да намеря своя собствен стил или глас в контекста на целия този външен шум. Като художник от Gen Z, как интернет и социалните медии повлияха на вашата практика, за добро или лошо?
SC: Завърших в началото на пандемията и затова се почувствах особено уязвим от натиска да угодя на публиката и да създам последователна марка отрано. Като се има предвид това, социалните медии бяха много мили към мен и ми отвориха възможности, до които никога не бих могъл да получа достъп без големи връзки със света на изкуството в големите градове. Сега нещата изглеждат по-демократични, но знам, че е важно да останем свързани с общностите от реалния свят. Мисля, че това е от ключово значение за поддържането на всякакъв вид дълголетие в изкуствата след колежа.
Дженифър Трутън е художник, базиран в Queen Street Studios в Белфаст. Предстоящата й изложба „In Plain Sight“ ще се проведе в RHA от 5 септември до 5 октомври 2024 г.
jennifertrouton.com
Сиан Костело е художник, който работи от James Street Artists' Studios в Лимерик. Скорошната й самостоятелна изложба „Горещо дете“ беше представена в Ormston House от 26 юли до 31 август 2024 г.
@siancostelloart
1 Норман Брайсън, Поглед към пренебрегнатото: Четири есета върху рисуването на натюрморт (Лондон: Reaktion Books, 1990)
