Музей Ълстър, Белфаст, 10 февруари - 3 септември 2017 г.
Има имплицитно разбиране на крайните ресурси на музея и натоварената задача при гледане на шоу с постоянна колекция. Ограниченият басейн, от който се подготвят тези изложби, често води до хлабав кръг около творбите, чието съдържание се използва едновременно за демонстрация и обучение. Това се превръща в баланс на обозначаване и илюстриране, където отделни произведения на изкуството са натоварени със значимост, обозначавайки развитието на пълната кариера на художника или дори на техните връстници. Когато се виждат многократно в различни конфигурации, парчетата могат лесно да бъдат преживени като исторически артефакти, а не като произведения на изкуството.
Спектърът на контактите, които публиката ще има с постоянна колекция, е огромен, но повишеното излагане на произведения не прави благосклонност към широкото изложение. Влиянието на международното изкуство и модернизма върху ирландското творчество е толкова всеобхватна предпоставка, че се борих да изживея тази изложба отчетливо от минали и дори околни представления. Ако преди това не е било виждано от зрител, все още ще бъде трудно за 31 творби да „изпълнят“ широкия обхват на заглавието на изложбата. Вместо това те стават като неподвижни представители на неизвестен, пълнометражен филм: не демонстративен, а сигнализиращ за нещо, което може да бъде проучено по-задълбочено, ако сте толкова склонни.
Изложбата е организирана свободно както хронологично, така и тематично, като всяка творба е контекстуализирана от кратък текст. Този формат често свързва картините с художествени влияния, може би колега художник, който е по-широко известен от представения. Някои разяснения се повтарят в повече от едно произведение на изкуството, други не; други имат любопитни факти, които са без значение. Опитвайки се да постигне баланс между оправдаването на поставянето на произведения и подчертаването на важни връзки за непосветените, ефектът е фокусиран за някои ясно ключови художници, но на места е безразличен. Той изоставя приемствеността - може би с основание - и поставя много от творбите в краищата на различни исторически художествени движения.
Първото пространство демонстрира художествени отклонения от фигурацията и пейзажа към кубизма, импресионизма и фовизма, най-видно от Mainie Jellett в Седнала женска гола и абстрактнаи Родерик О'Конър в Изглед към Понт-Авен намлява Царевично поле, Понт-Авен. Тази селекция е прекъсната от някои от по-абстрактните картини на Джелет, като обемът на работата позволява някои кръстосани сравнения в рамките на нейната по-широка практика и, в по-малка степен, тази на О'Конър. Кубистко влияние влияе още повече върху влиянието на Патрик Суифт Постиано, Мери Суонзи Самоанска сцена и на Уилям Скот алое, където свободата на модернизма от строго представяне показва радостта и извънземната яркост на ботаническите сцени.
От другата страна на галерията, на Уилям Скот кафяв Натюрморт и Антони Тапис Зелена боя противовес на експлозивните форми и цветове на тези тропически произведения. И все пак те се отразяват визуално в Патрик Скот Жълто устройство - рисуван през 1962 г. в знак на протест при тестването на ядрени бомби - където боята се капе върху сурово платно в традицията на цветното поле. Тази картина е пример за това как ограничена постоянна колекция може да намери съвременна актуалност чрез собствения си историографски процес на настаняване в музейна среда. Това е творба, която чрез своята политическа основа показва по-мощно преминаване през хронологията на тази колекция и „дефаниране“, което се случва при изобразяването. Самата картина (и сега нейното съдържание) се нормализира - маркер за това къде историята се повтаря. Този процес е отразен в този на Майкъл Фарел Преса серия със сметана. Цветовете на палестинските знамена се поставят през сокоизстисквачка в странна глюкоза, подобна на поп абстракция, което води до намаляване на сегашната (и повтаряща се) политика.
Жълто устройство маркира изоставянето на мини-демонстрации на кариерни дъги и лични взаимоотношения между художници, и в уникално американско цветно поле и след това базирана на място работа. Последното се вижда в картината на Шон Скъли Четвърти слой, улица Tooley, GL Gabriel's S-Bahnhof Friendichstrasse и на Уили Дохърти Апарат. За съжаление това не е изписано с главни букви, особено фотографските произведения на Дохърти, като смразяват отчуждението в тях. Морис Луис Златни години и на Кенет Ноланд кристал покажете процес на изработване на обект, който асимилира боя и платно. Те също така предлагат цветни полеви връзки с William McKeown's Неозаглавен (2005), която се основава на сутрешната светлина, привидно пресечната точка на тези теми. Абстрахираната и непозната прохлада на тази картина е сръчен контрапункт на топлината, която лежи в основата на чуждите сцени в първата стая.
И все пак, докато изложбата започва с представянето на прогресивна колекция от изкуства в средата на ХХ век, тя постепенно отминава. Завършва с неотдавнашното придобиване на Проспах до вечерта от Макико Кудо. Според темата на изложбата тази работа на японски художник може да се възприеме като апосиопеза на бъдещите влияния на ирландското изкуство или като общо разхлабване на влиянието, за да обхване самоанализа и алтернативните пътища на поп културата. Като цяло „Международна Ирландия“ прави това, което си поставя за цел: „демонстрира“, но нейните широки параметри изглеждат поразителни. Въпреки това, някои произведения на изкуството дават представа как едно по-откровено използване на историческата функция на музейното колекциониране може да предложи повишено чувство за спешност както за нови, така и за познати произведения на изкуството - както и за посетителите.
Дороти Хънтър е художник и писател, базиран в Белфаст.
Изображение: „International Ireland: Irish & International Art from the Ulster Museum Collection 1890 - 2016“, изглед на инсталацията; изображението е предоставено от музея на Ълстър
