С НОВО ВЪВ ВРЪЗКА С РАБОТА ЗА EVA INTERNATIONAL 2018 НА ХОРИЗОНТА, МАТ ПАКЕР СЕ СДАВА ДЖОН РЕЙНИ, ЗА ДА ОБСЪЖДА ТРАЕКТОРИЯТА НА НЕГОВАТА СКУЛПТУРНА ПРАКТИКА.
Мат Пакър: Можете ли да опишете как вашият опит в керамичната среда продължава да информира вашата работа?
Джон Рейни: Производството и имитацията са аспекти на керамичната дисциплина, които продължават да бъдат особено важни в моята работа. Любопитството ми към това как се правят нещата и стремежът ми физически да произвеждам неща обаче предшестват обучението ми по керамика. За мен процесите и уменията ми се струват много даващи възможност. Имам нужда постоянно да изследвам и усъвършенствам този технически капацитет, което ме тласка напред. Интересът ми към материалите винаги е бил широк, но виждам опита си в керамиката като добра опорна точка, от която мога да се отклонявам и към която да се връщам. Подобно на начина, по който хората описват процеса на изучаване на езици, мисля, че разбирането ми за този материал ми позволява лесно да усвоявам нови материали.
Много е трудно да се отдели керамиката от тежестта на нейната социална, културна и индустриална история. Това богатство на контекста води до материален език, с който хората обикновено са много запознати. Радвам се да използвам илюзорния потенциал на керамиката, за да дестабилизирам това познаване. Осъществяването на работата да изглежда сякаш е друг материал, вероятно мрамор, създава чувство на материално объркване и несигурност, които намирам за полезни. Работата ми с 3D печат - или при създаването на крайни резултати, или като част от моя керамичен процес - добави към тази игра с материални асоциации и очаквания.
MP: Да, опитът от работата ви често е неопределен. Често е трудно да се разбере дали разглеждаме изкуствен материал или такъв, който има естествена основа; повърхност, която е ръчно изработена или дигитално изобразена. Въпросът за физичност изглежда се простира от процеса на производство до срещата с зрителя. Колко внимание обръщате на зрителите?
JR: Все още се опитвам да се примиря с ефекта върху зрителите. Колкото повече отзиви получавам и колкото повече се опитвам да ги рационализирам, толкова по-информирано става моето разсъждение за ефекта. Има тенденция произведението да провокира чувство на смущение, което, когато се доведе до крайност, може да бъде възприето от някои като отвращение. Мисля, че това произтича от по-широките ми интереси към подриването на традицията, отвращението и зловещото („unheimlich“ на Фройд – преживяването на странност в познатото). За мен обаче е важно реакциите на зрителите да са по-скоро към безпокойство.
Неопределеността, която споменавате, е умишлена, може би като вид функция за кондициониране, която задава тона на срещите на зрителите с произведението на изкуството. Опитът от дигиталната култура и комуникацията е нещо, което ми влияе. Тези територии са все още сравнително неизследвани и пълни със сиви зони, многозначения и погрешно представяне. Искам чувството за това да комуникира чрез моите скулптури, затова опаковам формата и съдържанието на произведението с противоречиви теми - красота и грозота, привличане и отблъскване, традиция и прогресия. Докато моето третиране на материалите цели да постави под съмнение утвърдените вярвания за материалния свят, има и качество на самите форми, които, макар и донякъде референтни, се опитват да устоят на класификацията.
MP: В цялата ви скулптурна практика има портретни бюстове, съставени с малки ръце; има това, което изглежда е човешка коса, идваща от очите. Характерът на тялото във вашата работа изглежда много плавен, не само в технологичен смисъл, но и в преносен смисъл, което добавя към безпокойството. Как смятате връзката си с идеите за изобразеното тяло и историческите традиции на фигуративната скулптура?
JR: Често се фокусирам върху части от тялото, които не се считат за „основни“. Тези неосновни части – като коса, очи и ръце – са едни от най-изразителните и имат очевидни връзки с идентичността и идентификацията. Ръцете редовно присъстват в работата ми, защото те са основната ни точка на контакт, когато взаимодействаме с машини. Те ме интересуват и като части от тялото, изобразени в исторически скулптури, които често не оцеляват с течение на времето. Косата, в традицията на скулптурата в областта на историята на изкуството, обикновено е била къса, забулена или вързана. Винаги съм предполагал, че това е така, защото по-дългата коса е податлива на увреждане, но като цяло прическите могат да бъдат наистина показателни за времевия и обществения контекст.
Използването на истинска коса и стъклени очи в работата ми я отдалечава от хомогенизирането на тялото в един-единствен материал, което е показателно за традициите в историята на изкуството. „ Малката танцьорка на четиринадесет години “ (1881) на Едгар Дега е важна скулптура за мен. В първите си представяния Дега се е отклонил твърде много от съвременните вкусове за материали (използвайки восък, истинска коса и плат) и произведението на изкуството не е било добре прието. Тези материали често се свързват повече с восъчните фигури, диорамите, аниматрониката и народното изкуство. За мен това задълбочава напрежението между реалността и изкуственото по начин, който оттогава се използва от скулптори като Ханс Белмер, както и от Ед и Нанси Киенхолц, за да изразят социални тревоги.
MP: Понастоящем работата ви се показва в груповата изложба „Разтваряне на истории“ в Golden Thread, Белфаст (30 ноември 2017 г. - 20 януари 2018 г.), а също така ще продуцирате нова работа за EVA 2018. Може би бихте могли да обсъдите плановете си за тази нова работа?
JR: Мисля, че най-очевидното развитие и в двете презентации е промяната в мащаба и амбицията по отношение на производството. За „Разтваряне на истории“ създадох нова творба, наречена „ Варианти“ , която представя серия от скулптурни вариации на често срещана статуарна форма, издигната над нивото на очите върху голяма дървена конструкция. Структурата разполага с централно стълбище, водещо към наблюдателна площадка, където зрителят е обграден от серията скулптури и може да изследва вариациите между формите в по-интимна близост. Творбата оспорва целта за повторение, която е централна за процесите на леене по шликер, често използвани в моята работа, създавайки серия без последователност или формални йерархии, която цени сингулярността и отклонението от константа. Размишлявайки върху преживяването на зрителя от група скулптури, в известен смисъл чувствам, че съм бил повлиян от деветчастната бронзова серия на Барбара Хепуърт, „ Семейството на човека “ (1970). Докато интересът на Хепуърт обаче е бил към връзката между човека и природата, „Варианти“ се фокусира върху връзката между човека и производството.
За EVA 2018 произвеждам интервенция върху архитектурна фасада. Проектът се отнася до озеленяващата традиция от осемнадесети век за имитиране на гръцки и римски руини в богати имения и провинциални градини. В тази традиция символиката на руините за паднал световен ред се вижда в рамките на аристократичната привилегия от осемнадесети век. Руината се превърна в глупост и маркер на вкуса, изтънчеността и развитието на цивилизацията. Проектът ще изследва тези идеи и техния съвременен статус.
MP: Имате ли дългосрочни планове за бъдеща работа?
JR: Ще прекарам първите шест месеца на 2018 г. в Италия, като участвам в стипендията на Съвета по изкуствата на Северна Ирландия в Британското училище в Рим. Мисля, че предвид значението на тази обстановка за настоящата ми работа, този период ще окаже голямо влияние върху това, което следва. Вече имам чувството, че последните развития в работата ми – като използването на силикон, гума и стомана – ще стават все по-значими. Друг развиващ се фокус в по-големите ми презентации през последните години е дизайнът на преживяването на зрителя, където третирането на пространството и използването на мебели по поръчка за изложби доведоха до интеграция на скулптурата и нейното показване. Виждам този подход да ескалира в бъдещи изложби. Едно от любимите ми занимания е разработването на самостоятелни презентации, защото те ми позволяват да създавам тези капсулирани среди за взаимосвързани произведения. Чувствам, че те са били катализатор за няколко големи напредъка в работата ми до момента, така че се надявам следващите няколко години да предоставят повече възможности от този характер.
Джон Рейни е скулптор със седалище в Белфаст.
Мат Пакър е директор / главен изпълнителен директор на EVA International - биеналето на съвременното изкуство в Ирландия.
Изображение кредити:
Джон Рейни, Любов по времето на изкуството # 3, 2013; изображение от Матю Бут фотография.
Джон Рейни, Театърът на прожектирания Аз, 2013; снимка от Филип Сайер, с любезното съдействие на галерия Marsden Woo, Лондон.
Джон Рейни, Варианти (подробно) 2017; изображение с любезното съдействие галерия Golden Thread, Белфаст.
