JOANNE LAWS ИНТЕРВЮИ НИК МИЛЪР ЗА НЕГОВАТА ЖИВОПИСНА ПРАКТИКА И СЕГАШНАТА СИ ИЗЛОЖБА В ЛОНДОН.
Джоан Лоуз: Терминът „Среща с живопис“ често се свързва с вашата работа. Предполагам, че това е свързано с нещата, които се случват във вашето ежедневие и как реагирате на тях?
Ник Милър: Всъщност не, по-официално е от това. Още през 1988 г., все още в края на двадесетте си години, имах някакъв момент на еврика за това какво изкуство може да бъде за мен, докато бях в резиденция в зоологическата градина в Дъблин. Отново започнах да черпя от живота, изправен пред другостта на животните в плен. Стана въпрос за среща и провеждане на съдържаща енергия чрез акта на рисуване. Това съвпадна с четенето ми на необикновената книга на Мартин Бубер, Аз и Ти 1. Това помогна да оформя интереса ми да се опитам да задържа живота, който срещнах в материалната форма на изкуството. Оттогава моята практика бавно се превърна в създаването на необходимите условия (в студиото или отвън) за среща с неща - човек, пейзаж или предмет - в практическа среда, където има и най-добрата възможност за правене на картина .
JL: Спомням си един вид източно влияние, проявяващо се в работата ви в средата на 90-те. Това беше ли чрез ангажимента ви с Тай Чи?
НМ: Да. Той последва директно от започването да дефинира това чувство за „практика“, но беше паралелна учебна система. През 90-те имах късмета да уча в Америка при приятел на Алън Уотс, Чунлианг Ал Хуанг.2 Един аспект на неговото учение беше много визуален, използвайки калиграфията като въплътено физическо движение. Това ми даде път в този свят на интегриране на източната мисъл в една много западна вкоренена практика на изкуството. Може би си спомняте от преподаването ми в жилищната стая по онова време, че навремето карах хората да извършват физически движения и да дишат, да се опитват и да се събудят. Рисуването от живота е най-буквалната дейност „ум-тяло“ - поглъщане на информация отвън, вътрешна обработка и освобождаване в материала на боята. Даоистката мисъл предлага нелинеен, сферичен вид подход, при който резултатът е почти щастлив „останал“ от вашия ангажимент да практикувате.
JL: В ангажирането си с архетипите на живописта - пейзаж, портретиране и натюрморт - борите ли се със средата, за да направите тази територия своя собствена?
НМ: Да, предполагам, че съм. Всички гледаме да влезем в изкуството и да се надяваме да намерим нещо автентично. Голяма част от времето - и аз знам, тъй като съм преподавал в колеж по изкуства - образованието има тенденция да изглажда „грешката“, така че художниците да могат да се представят в професионален „свят на изкуството“. Никога не съм се изглаждал, затова използвах моята „грешка“, за да накарам работа. Бих могъл просто да кажа, че съм старомоден художник на „живот“ и да го оставя, но това не би било напълно вярно. В някои отношения не се интересувам толкова от изкуство. Интересувам се - от необходимостта от „изкуството да живееш“ - с проблемите да си художник. Противоречи на себе си, всъщност имам трайна любов към всички тези жанрове в историята на западното изкуство. Намира потвърждение в творбите на съвсем различни художници, в картини, които за мен са портали във времето - хранилища на съдържаща се енергия - които напълно ме поглъщат и зареждат.
JL: Вашите седящи често са колеги артисти и приятели, като Алис Махер или Джанет Мъларни, а след това някои от тях за съжаление починаха - включително Бари Кук, Антъни Кронин Шан Максуини и Джон Макгахърн. Когато това се случи, откривате ли, че техните портрети почти поемат архивна функция? Това произведение за потомството ли е?
НМ: Не наистина, или не отначало. Започнах с рисуването на семейството и приятелите си - никой с обществен живот. Портретът е първата ми любов и непрекъснато се връщам към него като корен на цялата си работа. Най-вълнуващата среща е на един човек с друг и в личната ми траектория обичам да държа нещо от хората, които съм срещал. Тъй като се вкорених в Ирландия и сравнително достъпната артистична общност тук, отдаването на уважение на тези художници, писатели или някой, който в крайна сметка седи за мен, е нещо, което обичам да правя. Всъщност се чувствам най-истински, когато рисувам - това е най-доброто от мен - свързвайки се с тях. Докато хората умират, както и всички ние, предполагам, че картините могат да се превърнат в исторически запис, но не мога да имам за цел това - това пречи. Не съм архивист.
JL: Където „Vessels: Nature Morte“ отразява пълния крах на смисъла, който се случва, когато някой умре, най-новата ви поредица „Без корени“ изглежда надхвърля индивидуалната загуба, за да се съсредоточи повече върху колективното и политическото. Можете ли да обсъдите еволюцията на тази нова работа?
НМ: Последната ми поредица от натюрморти „Vessels: Nature Morte“ имаше дълбоко лично енергийно ядро от дълъг съвместен проект в Северозападния хоспис и паралелното преминаване на собствените ми родители. За мен те бяха обратното на „колапса на смисъла“. Те бяха за задържане на последните моменти от живота и смисъла, преди той да си отиде. След тази работа бях донякъде изгубен в студиото, исках диалог, но не можах да намеря хората или разговорите, които трябваше да водя. Подобно на много от нас, аз се опитвах да обработя този луд свят, с който всички трябва да живеем - политическия хаос, който изглежда създаваме на планетата, климатичния хаос, миграционните страдания - всички тези неща, с които се сблъскваме . В един доста интензивен период през 2017-2018 г. започнах да обработвам тази липса на диалог по мой собствен начин, в мащабните платна, превърнали се в картините „Без корени“. Те поеха свой собствен живот, утвърждавайки спешността на природата. Проучвах разстройството и възможностите за интеграция в по-сложни композиции, някои от които показах в галерията Oliver Sears в Дъблин миналата година, но в момента се показват по-пълно в Art Space Gallery в Лондон.
JL: Спомням си и твоите „Truckscapes“ с голяма обич. В кой момент решихте да включите „устройството за гледане“ на вратата в тези композиции?
НМ: Първите няколко години в мобилното студио не можах да намеря начин да рисувам. Бях наистина високо, наслаждавах се на безумната свобода да бъда в пейзажа, да се срещам със селския свят, в който живеех, но в мен имаше недоволство - те просто изглеждаха като „снимки“, които не трябваше да съществуват. Бях изстъргвал боята, коригирах нещата и тя започваше да се разпръсква около касата на камиона. И тогава през 2001 г., докато работех върху картина на дърво Уитхорн в полето на съсед, аз радикално преработих картината, за да включа интериора на камиона и изпръсканата с боя врата, гледаща към дървото, като изправен портрет.3 Опитът ми се определи от защитата на камиона като студио, на култура с относително тясна врата към безкрайния свят на сложността навън - като костенурка в черупката ми. Разбрах, че това не са пейзажи, а „Truckscapes“. Започнах да приспособявам практиката си да ги правя в контекста на гледката на камиона и така те се превърнаха в нещо истинско за мен, като картини на земя, дървета или каквото и да било.
JL: Много хора разпознават вашата заглушена и органична цветова палитра като специфична за вашата работа. Идва ли от живота в западната част на Ирландия?
НМ: По принцип да ... Той се заглушава по настроен начин, започвайки с много широка палитра (противно на всеки съвет, който някога бих дал на някого). Опитвате се да обедините нещо, но цветът идва от природата. Тук има нещо общо със светлината. Моето студио е склад с мръсна, естествена, външна светлина. Опитвам се да запазя живота - не да го чествам, а да го държа в настоящето - чрез един вид алхимия. Чрез тренировки работя с интензивно и изненадващо бързо темпо, което отговаря на темперамента ми. Научих се да го свързвам с фокуса в спорта.
JL: Пиете ли Lucozade Sport, докато рисувате ?!
НМ: Опитвам се да намаля приема на захар! След като започна да играе тенис като първи спорт на 48 години след живот на бездействие, сега той го превзема. След 10 години игра съм се състезавал за Connacht в Inter-Provincials и на това ниво най-вече губя с определен стил. Необходимата концентрация е подобна на рисуването - продължително внимание, но върху жълта топка. Сега също плувам всяка сутрин в морето - подреждане на природата през студена вода. Станах наркоман. Моят партньор Норийн го описва като ежедневното ми лечение с токов удар, което не е далеч от истината. Възстановява ума и тялото, докато се върна към нормалното си зомби подобно на себе си до края на деня, наваксвайки с Netflix или Brexit. Шоуто ми в Лондон приключва на 29 март. Тъй като съм роден там и след 34 години най-накрая станах ирландски гражданин, ми се струва болезнено символично, че шоуто ми приключва в деня на Брекзит.
Ник Милър е художник със седалище в окръг Слайго. Изложбата му „Без корени“ продължава в галерия Art Space, Лондон, до 29 март.
nickmiller.ie
artspacegallery.co.uk
бележки
1 Мартин Бубер, Аз и Ти, публикуван за пръв път на немски през 1923г.
2 Вижте: Алън Уотс и Чунлианг Ал Хуанг, Тао: Пътят на водотока (Пантеон: 1975).
3 Whitethorn, изглед на камион (2000-01), масло върху лен. Колекция на Ирландския музей за модерно изкуство.
Изображение на характеристиката:
Джанет Мъларни, седнала за Ник Милър в студиото му през 2017 г .; снимка с любезното съдействие на художника
