Aengus Woods recenzuje nedávnou výstavu v Solstice Arts Centre.
Nekonečno je jeden z těch vzácných konceptů, které západním myšlením tolik neprostupují, jako spíše ho pronásledují. Od výpočtů Dedekinda, Gödela a Cantora máme tendenci vnímat nekonečno primárně jako záležitost matematiků. Přesto, počínaje Zenónovými paradoxy a jdoucí až k Hegelovu rozlišení mezi dvěma formami nekonečna, vidíme, že jeho schopnost vytvářet aporie a úběžníky uvnitř i vně struktury reality přivádí filozofy a umělce k šílenství po tisíciletí.
„O Perasovi a Apeirónovi: konce a nekonečno“, vynikající skupinová výstava v Solstice Arts Centre v Navanu (6. září – 25. října 2025), odvozuje svůj název od starověké řecké terminologie. Aristoteles notoricky odsoudil nekonečno do sféry potenciálu (spíše než aktuálního), což odpovídalo všeobecnému strachu klasického světa z nekonečna. Starověký řecký světonázor si cenil řádu, proporcí a jasných vymezení. Nekonečno naopak slibovalo chaos a nepořádek s zejícími propastmi číhajícími v struktuře času. Nekonečno a jeho důsledky se v dějinách umění a filozofie vracejí a vracejí. Perspektivní pokroky raně renesanční kresby a složité výpočty kolem moderní kvantové fyziky by byly nemyslitelné bez Cantorových mnohočetných nekonečn.
Nicméně, i přes plné přijetí moderní matematikou, něco z řecké úzkosti ohledně nekonečna s námi přetrvává. Descartes tvrdil, že je to jediný koncept, který si lidé nemohou vytvořit a musí být do našich myslí zasetý Bohem. Hegel naopak tvrdil, že právě mysl je nekonečná. My sami bychom pak byli samotným zdrojem toho, co nás tak destabilizuje.
Toto zvláštní napětí mezi konceptem a myslí, mezi systémem a jedincem, prostupuje celou výstavou. Díla Raye Johnstona, Geralda Carise, Ronnieho Hughese a Neila Clementse se na první pohled zdají být součástí odkazu minimalismu a op-artu. Tyto prezentace jsou však úžasně prohloubeny a obohaceny zařazením značného počtu děl Channy Horwitzové, rozmístěných po celé výstavě. Horwitzová, pozoruhodná konceptuální umělkyně, která dosáhla patřičného uznání až v posledních letech svého života, vytvořila díla založená na komplexních numerických a prostorových systémech, které sama vymyslela. Její díla Rhythm of Line , nádherné kresby na mylaru s využitím zlatých listů, připomínají Sol Lewittovou, ale jsou provedena s jemností a smyslem pro barvu, který je zcela povyšuje do jejich vlastní sféry. K tomu připočtěte její kompozice Sonakinatography z let 1969 až 1996, rozsáhlé ručně psané systémy čísel na milimetrovém papíře. Jsou tajemné a sugestivní, odrážejí zároveň soustředěnou energii vědce i obsesivní úvahy outsidera umělce.
Sonakinatography díla jsou v podstatě partitury; notové systémy , které si ostatní mohou libovolně interpretovat. Toto důvěrné spojení mezi systémem a praktikem, mezi konceptem a myslí, která ho zvažuje, je klíčové pro Horwitzovy díla a zároveň poskytuje spojovací tkáň mezi ostatními umělci na výstavě. V prezentovaných dílech lidský dotek uzemňuje abstraktní složitosti nebo poskytuje základní vstup pro systémy, které by jinak mohly být odděleny od čehokoli, co je mimo ně samotné. Šestnáct rotovaných forem (i), (ii), (iii), (iv) (1975) od Roye Johnstona je toho příkladem. Každá ze 16 jednotek jednotlivých děl je složena z šedé malované látky, napnuté přes trojrozměrné konstrukce, uspořádané do proměnlivých vzorů. Strohý a programový jazyk díla je však zjemněn jeho malířskou citlivostí a hmatatelností umělcova doteku.
Stejně tak se obrazy Ronnieho Hughese na první pohled zdají představovat složité geometrické útvary barev a tvarů. Bližší zkoumání však odhaluje stopy ruky. Tah barvy nese stopy tahů štětcem; shluky trojúhelníků a diamantů v jejich různých vlnách naznačují dlouhé hodiny kreslení a kreslení čar a tvarů. Čisté a těsné obrazy Neila Clementse jsou příjemně důkladné, ale jeho volba nášlapné desky jako malířské plochy také poukazuje na lidský život a práci, která je základem jejich provedení, a na uměleckohistorický intelektualismus, který vyzařují.
Práce umělkyně se v dílech Grace McMurray prolíná s otázkami práce obecněji. Pletené předměty, látky a tkané materiály vytvářejí paralely mezi estetickými systémy a systémy sociální organizace a hierarchií práce. Dílo We are't on the same waveline (2022), vyrobené z malovaných a tkaných saténových stuh, svým náhle fragmentárním vzhledem poukazuje na systém, který je, alespoň v principu, prostorově i časově nekonečný.
Díla Dannielle Tegederové a Suzanne Triesterové sdílejí s Horwitzovou ten sklon k obsesivnosti, kterou lze nejoptimističtěji chápat jako lidskou mysl, která se snaží pochopit naprosté množství reality. Tegederiny díla působí bohatě symbolicky. Kouzlující žebřík s příručkou jednoho tvaru má význam a zejména Standardní linie s Pevným prvkem (2024) se zdá být totemická ve své prezentaci jemně vytvořených vzorů v malovaném dřevě, zavěšených a přitahujících pohled vzhůru. Treisteriny tisky ve svých vzýváních kabaly a šamanismu rezonují s oním dalším trvalým spojením s nekonečnem: mysticismem a přesnými mechanismy toho, jak se jedinec může, nebo možná ani nemůže, udržet ve velkém proudu bytí a času.
Celkově výstava poutavě osvětluje lákadla a výzvy systémového myšlení, zatímco dvojí pojetí nekonečna prostupuje vším jako stvoření a rozpad. Nicméně z mnoha minimalistických, konceptuálních nebo systematických umělců, kteří se vznášejí v pozadí této výstavy, se nikdo nezdá být relevantnější než Agnes Martin. Její mřížky, čáry a tečky neustále zdůrazňují atraktivitu systémů, kterými jsou vystavující umělci evidentně podrobeni. A i když tyto systémy mohou překročit a vymknout se naší kontrole a rozšiřovat se do nekonečna , někdy je lze zkrotit a tvarovat, alespoň na okamžik, rukou a myslí.
Aengus Woods je spisovatel a kritik žijící v hrabství Louth.
@aengus_woods
