JOANNE TÖRVÉNYEI HUTCHINSONNAL SZÓLIK A DOUGLAS HYDE GALÉRIA 25 ÉVES IGAZGATÓSÁGÁRÓL.
Joanne Laws: Az ír vizuális művészetekhez való hatalmas hozzájárulásodat szeretettel közvetítik művészek, kollégák és barátok gondolatai, reflexiói és tisztelgései . Mit gondolsz ezekről a megjegyzésekről?
John Hutchinson: Nagyon furcsa élménynek találtam. Kicsit olyan érzés volt, mintha a saját gyászjelentésemet olvastam volna. De nagyjából kedvesek és nagyon nagylelkűek voltak. Michael [Hill] és Rachel [McIntyre] rengeteg munkával állították össze őket, és nagyon megható vagyok, és hálás vagyok minden erőfeszítésükért.
JL: Ezen megjegyzések között Alice Maher 1994-es „Familiar” című egyéni kiállítását kulcsfontosságúnak nevezte, nemcsak karrierje elindításában, hanem abban is, hogy elkezdte magát „teljes munkaidőben gyakorló művészként – nincs visszaút” tekinteni. Mennyire fontos Önnek a feltörekvő művészek támogatása?
JH: A vicces az volt, hogy abban az időben én sem voltam ott sokáig. Tanultam a szakmámat, míg Alice az övét. Azt mondta, hogy további hat hónapot adtam neki, hogy extra munkát fejlesszen ki, és ezt csak homályosan emlékszem - biztos vagyok benne, hogy ez csak ösztönös vagy természetes válasz volt. Viszont ritkán bajnok senkit. Mindemellett mindig arra törekedtem, hogy egyensúlyban legyek a feltörekvő és kialakult, írek, nem írek, nők, férfiak, kisebbségek és így tovább - ez az alapvető struktúra annak elkerülése érdekében, hogy túl sok ilyen vagy túl kevés kritika érje magam annak.
A másik dolog, amit szem előtt kellett tartanom, az a különböző médiumok elterjedése volt. Ennek ellenére, ha visszatekint, állandó érdeklődést tapasztal a festészet és a fotózás iránt. Az 1990-es évek elején nagy hangsúlyt fektettek az installációra, amikor ez nagyon divatos volt, de ahogy más galériák elkezdtek több installációt vagy konceptuális munkát végezni, én ettől elálltam. Próbáltam a szükségesség, a szükségesség tudatával dolgozni, olyasvalamivel, amit látni akartam. Egyre jobban eljátszottam azon a meggyőződésen, hogy ha érdekesnek találom, akkor más emberek is vannak odakinn.
JL: A kurátori megközelítésedben a dualizmus filozófiája úgy tűnik, hogy lehetővé teszi a bináris ellentétek egymás mellett élését, hangsúlyozva az expanzív és az intim, az ismerős vagy furcsa, még a tisztelt művészeti tárgy és az eldobott műtárgy vagy ereklye közötti küszöböket is. Tud mondani valamit a dualizmusról?
JH: A dualizmus önmagában engem egyáltalán nem érdekel. Sokkal jobban érdekel - metafizikai kifejezéssel élve - az „egység”. A kérdés az, hogyan tapasztalhatja meg, hogyan fedezheti fel, fejezheti ki vagy oszthatja meg az egység érzését? Ennek számos módja van. Például - és természetesen leegyszerűsítem - a hegeli dialektikában összeállítja az ellentéteket, és az eredmény valami, ami egyesíti a kettőt. Ez az egyik út, és ezt a kontrasztot írja le. A másik az az ötlet, hogy az egységgel kezded és ezzel fejezed be. Ha ezt megteszi, akkor a kapcsolatok úgy alakulnak ki, mint a hálózatok, egyfajta kibontakozásban, ami kevésbé bináris ellentétek összessége, mint a nagy és kicsi, kívül és belül, a hiány és a jelenlét közötti összefüggések vizsgálata vagy feltárása. Ez a kölcsönös kapcsolatok gazdagsága érdekel.
JL: Úgy tűnik, a kurátori megközelítésed az identitás és a spiritualitás kérdéseiből fakad . Esetleg beszélhetnél néhány inspirációról?
JH: Amikor először kezdtem a galériában 1991-ben, írtam egy rövid darabot a Circa-nak, amelyben azt mondtam, hogy a program az identitás és a távolmaradás témáira épül. Ezek az elképzelések kezdetben célt szolgáltak, de a megközelítésem fokozatosan intuitívabb, mintsem racionális lett. A kurálás gyakorlati gyakorlata meglehetősen egyértelmű; a többi a tapasztalatod mélységéig, az emberekig, akikkel együtt lógsz, az elolvasott könyvektől, a hallgatott zenétől és így tovább. A kérdés, hogy mi a kurátor, és mit csinál, különös, mivel nagyon sok megközelítés követhető. Kicsit olyan, mint az írás: szinte bárki írhat könyvet, de a kérdés az, hogy írhat-e érdekeset?
JL: Jelenleg számos ír művészeti szervezetben rendezők és kurátorok megrendülése miatt szembesülünk azzal a (gyakran szorongó) felismeréssel, hogy különböző mértékben a kurátor az intézmény. Van valami gondolata erről?
JH: Néha, amikor radikális elmozdulások történnek, a kontraszt az előzőekkel nagyon nyilvánvaló. Nem lennék meglepve, ha drámai változásokat látnék a Douglas Hyde-nél, és sokan talán jobban kedvelik őket. Másoknak hiányozhat a megközelítésem - de ez az élet. Általánosságban a művészeti rendszer nagyon antipatikus azzal szemben, hogy az emberek sokáig tartózkodnak egy helyen. A kurátorok karrierje egyre inkább globalizálódik és kíméletlen - a kurátor gyakran olyan intézménybe kerül, aki már azon gondolkodik, hogy egy-két éven belül más munkára álljon.
25 évig dolgoztam a Douglas Hyde Galériában, ahol valószínűleg mintegy 250 kiállítást rendeztem. Az egyik legjobban látogatott műsor, amelyben részt vettem, a Kalachakra Sand Mandala volt a tibeti szerzetesekkel. Voltak fenomenális számaink erre. Az utolsó napon adományokat gyűjtöttünk a kolostor számára, és olyan gyorsan bejöttek, hogy a pénzládák túlcsordultak. Mindez szájról szájra történt. Ha egy kiállítás megérinti az embereket és érdeklődnek, akkor ez fantasztikus, de gyakran nem fog megtörténni. Ez számomra rendben van.
JL: Beprogramozott néhány dolgot a Douglas Hyde-re 2017-re?
JH: Három egyéni kiállítást hagyományoztam: Sean Lynchet (február 17. - április 5.) és Isobel Nolan (június - augusztus), amelyeket megfelelőnek éreztem a galéria számára, és amelyekkel minden beérkező rendező jól érezheti magát. Dennis Dineen jelenlegi kiállítása (április 21. - május 21.) kissé vad kártya. Dineen amatőr fotós volt, aki egy kocsmát vezetett Cork előtt. Az ötvenes és hatvanas években fényképeket készített a hátsó helyiségben tartózkodókról útlevelek, elsőáldozások és egyéb események céljából. Most nem minden kurátornak tetszenek ezek a fényképek, mert furcsa dolgok, de szerintem csodálatosak. Nem akartam olyan műsorokat programozni, amelyeket nem magam csinálnék, de ugyanígy nem akartam elhagyni a túl nyilvánvalóan „én” műsorokat. Talán a Dineen show a kivétel.
JL: Igazgatósága alatt a Douglas Hyde híres lett a kiadói elkötelezettségéről is. Mikor és hogyan alakult ki ez a gyakorlat?
JH: Három szakasz volt. Amikor egy 17,000-es galériánál kezdtem, 4 1991 font költségvetést örököltem egy egyszerű A5-es katalógus számára. Azokban a napokban hatalmas összegeket költöttek katalógusokra. Elkezdtem dolgozni pár tervezővel, és végül Peter Maybury-vel, akivel nagyon érdekes és produktív kapcsolatom volt. Ebben az időben minden katalógust egyedi igényeknek, költségvetésnek és esztétikai követelményeknek megfelelően alakítottunk ki. A második szakasz egy olyan formátum megtalálása volt, amely minden művész számára alkalmazható, megfizethető, demokratikus és identitást biztosító a galéria számára. Eszembe jutott a kis, kötött A5-ös kötetek ötlete, és elkezdtünk nyomtatni külföldön. A művész megkapta a külső formátumot, és elmondta neki, hogy többé-kevésbé bármit megtehetnek benne. Úgy működött, mint egy álom. Ez a gazdasági összeomlásig tartott, aztán még ezeket sem engedhettük meg magamnak, ezért más formátumot találtam ki, digitálisan nyomtattam és házon belül terveztem. Általában a kis könyvek szövegét írtam, és anyagilag hihetetlenül hatékonyak voltak. 250 euróért el tudtuk adni őket. Az elmúlt években általában 300 vagy XNUMX példányt nyomtattunk; gyakran eladnák, mi pedig szerény nyereséget hoznánk.
Joanne: Úgy érzi, hogy a nyomtatvány többet tesz, mint digitális megfelelője?
JH: Igen, még sok más. Másképp néz ki és érez, ha egy tárgy van a kezedben. A kis kiadványok skálájának egyik gondolata az volt, hogy tudat alatt egy kicsit olyan imakönyvnek szánják őket - valami meghittet, amelyet a zsebedbe ragaszthatsz. Volt bennük valami kissé értékes dolog, viszont ha valaki költött 5 eurót, és nem tetszett neki, eldobhatta. Szeretem ezeket a kétértelműségeket és ellentmondásokat. De ez általában csak egy fizikai objektummal találkozik.
JL: A 2009-es Questions of Travel (Utazási kérdések ) című kiadvány előszavában a művészetről úgy elmélkedik, mint ami a „csendre és az ismerősségre” épül . Milyen mértékben szerepel a művészet a jövőbeli terveiben? El fog még járni megnyitókra? Szeret utazni? Mi fog hiányozni?
JH: Nem, nem szerettem a nyitásokat, még akkor sem, amikor nekem kellett otthont adnom nekik. Egy darabig nem akarom újból betenni a lábát a galériába, így az új rendezőnek ideje és tere van a letelepedésre, és új személyiséget alakíthatok ki. De szívesen tartom a kapcsolatot művészekkel, kollégákkal és barátokkal. Érdekes látni, hogy mennyire átmeneti a befolyásod. Maradtál azokkal az emberekkel, akiket látni szeretnél, és akik látni akarnak téged.
Bizonyos szempontból hosszabb ideig tart a rendezése, mint gondoltam. Hiányozni fognak a művészekkel folytatott párbeszédek és a függő műsorok. Olyan dolgok, amelyek nélkül nem szívesen csinálnám, de nem tudom, hogyan lehet fenntartani őket. Nem fog hiányozni a növekvő bürokrácia vagy a művészeti világ politikája, de hiányozni fog egy művész mellett állni a Douglas Hyde nagy betontermében, vagy akár a kicsiben, és gondolkodni: „Jól van, rendben, hova tesszük ez?" Imádtam ezt. Mentálisan utazom; Fizikailag már nem sokat utazom. Nagy olvasó vagyok. A házam tele van cuccokkal. Gyűjtök dolgokat. Valószínűleg most kell abbahagynom, hogy kevesebb pénzem lesz, de könyveket, CD-ket, filmeket és tárgyakat gyűjtögetek a világ minden tájáról. Etetnek. Kertészkedek, sétálok, zenét hallgatok, és az eget bámulom - és ez engem tesz, látja.
John Hutchinson 1991 és 2016 között a dublini Douglas Hyde Galéria igazgatója volt.
Képek: Alfred Jensen, installációs nézet, a Douglas Hyde Galéria, Galéria 1, 2010. március; „Türkmén és üzbég gyermekruházat”, a Douglas Hyde Galéria, Galéria 2, 2016. május.
