JOANNE LAWS INTERJÚJ ELIZABETH MAGILLEL A FESTŐI GYAKORLATÁRÓL.
Joanne Laws: Leírnád a stúdiódat és a festési rutinodat?
Elizabeth Magill: A stúdióm a kelet-londoni ACME szervezet által működtetett művészekkel egy komplexumban található. Ez egy 700 négyzetméteres fehér kocka, amelyen délről jön be a fény, és a Mill Row-ra néz, egy keskeny egyirányú utcára, amelyet egy négyemeletes barna téglából és szürke betonból álló, az 1970-es években épült tanácsi panellakások árnyékolnak be. Régóta vagyok itt, így megszoktam ezt a nézetet. Tetszik az alacsony szintű vizuális interferencia. Van egy kisebb munkaterületem is az Antrim parton, de amikor ott vagyok, úgy tűnik, csak bámulom a tengerre néző gyönyörű kilátást. A rutinom szaggatott, mivel gyakran mászkálok. Korábban voltak sűrítettebb stúdióidőszakaim, amikor hetente legalább hat napot dolgoztam, néha egész nap és éjjel is, de ez már nem én vagyok.
JL: Valahol azt olvastam, hogy nem feltétlenül tájfestőként emlegeti magát, de a táj iránti életre szóló elkötelezettség nyilvánvaló a munkáiban. Milyen nemzeti tájakra szoktál rajzolni, ha van ilyen?
EM: A tájkép műfaja foglalkoztat, mint a művészet nyelvének, a festészet lehetőségeinek és a személyes életrajzzal kapcsolatos gondolatok felfedezésének módja. Számomra úgy tűnik, teret kínál arra, hogy megpróbáljak a nagyobb képről gondolkodni, és arról, hogy mit jelent ennek a világnak a részének lenni. A munkáimban megjelenő tájképek többnyire az Antrim-völgyek körüli földrajzi adottságokból származnak, ahol felnőttem. Úgy tűnik, ez valamiféle vizuális hátteret biztosított számomra. Írországnak ez a szeglete festői szempontból meglehetősen gyönyörű, de a történelem gyakran ellentmondásban vagy konfliktusban áll ezzel a természeti szépséggel. A néhai, nagyszerű John Berger legutóbbi publikációjában, a Landscapes: John Berger on Art címűben ezt írta: „Néha egy tájkép kevésbé tűnik lakói életének helyszínének, mint inkább egy függönynek, amely mögött küzdelmeik, eredményeik és baleseteik történnek... a tereptárgyak már nemcsak földrajziak, hanem életrajziak és személyesek is”.
JL: A hagyományos tájfestészeti kánon mely vonatkozásai érdeklik leginkább?
EM: Sok olyan művészt csodálok, aki kifejezetten a tájfestészet ebbe a „hagyományosabb” kategóriájába tartozik. Hogy csak néhányat említsek, ide sorolnám Van Goghot, Cezanne-t, Turnert, Courbet-t, Munch-ot, Balkát, Constable-t, Whistlert, Corot-t és sok tizenkilencedik századi orosz művészt, különösen Levitant. Nagyon szeretem Kurt Schwitters tájképeit is, amikor Norvégiában élt, miután elmenekült a náci Németországból. Az általam kedvelt kortárs művészek, akiknek festményei a tájképet is megtestesítik: Per Kirkeby, Gerhard Richter, Ed Ruscha, Richard Long, Peter Doig és Chris Ofili, talán Keifer korai munkái, Mamma Andersson és Neo Rauch. De ugyanúgy érdekelnek a fotósok, különösen Annelies Strba, Thomas Struth és néhány viktoriánus, mint Henry Peach Robinson, Oscar Gustave Rejlander és Clementina Hawarden.
JL: Az irodalom, különösen az ír irodalom, olyan művészeti forma, amely az idők során megbirkózott a táj bonyolultságával. Befolyásolja ez egyáltalán a munkáját?
EM: Fényképészeti és nyomdai érdeklődési köremmel, valamint többféle médium használatával igyekszem a hibriditás érzetét kelteni munkámban, így azt nem lehet könnyen egy diskurzusba foglalni. A kísérletező modernista ír írók, Beckett és Joyce óriási hatással voltak a gondolkodásomra azzal a hihetetlen tehetségükkel, hogy ragaszkodnak történeteik szerkezetéhez, miközben látszólag a levegőbe dobták őket. Ezt a nyelvvel való magabiztosságot, egészséges figyelmen kívül hagyással és a médium iránti szeretettel vegyítve próbálom utánozni. Más könyvek, amelyek gazdagították a gondolkodásomat, különösen a tájjal kapcsolatban, félig vándorlásnak vagy újságírói megfigyeléseknek nevezhetők.
Louis MacNeice Átkeltem a Minch szigetein című útikönyvét megbízásból írta, melyet 1937 tavaszán és nyarán írt, amikor Skócia nyugati szigetein járt. Egyfajta tiszteletlen kiruccanásnak bizonyult. MacNeice azonban szembeállítva a fizikai és érzelmi nehézségekkel, egy hihetetlenül megható verssel, az Azokon a szigeteken cíművel zárja könyvét , amely a megtapasztalt zordságot egy nép és szinte eltűnt kultúrájuk mély ábrázolásává alakítja a víz szélén. Simon Schama Tájkép és emlékezet , Roger Deakin Vaderdő: Utazás a fák között című műve és WG Sebald A Szaturnusz gyűrűi című művei is az utazáshoz kapcsolódnak, mind a földrajzi, mind az elme utazásához. Élveztem Joseph Conrad Sötétség szíve , Truman Capotes Hidegvérrel , J. M. Coetzee Az ország szívében , Flannery O'Connor Bölcs vér és Adam Nicholson Tengeri szoba című műveit is . Tetszik, ahogy ezek az írók erős helyérzetet teremtenek, érzékletesen, de határozottan egy másik világba ültetve az olvasót.
JL: Számomra a tájképei gyakran tartalmaznak megdöbbentő, természetellenes vagy akár természetfeletti elemeket: baljóslatú ragyogást, burkolt robbanást vagy olyan kósza összetevőket, mint például egy szintetikus színű fa. Van olyan érzése, hogy megpróbálja felforgatni vagy elszakadni a lelkipásztori jelenet nyugalmától (és történelmi poggyászától)?
EM: A megdöbbentő vagy természetfeletti elemek, amelyekre hivatkozol, csak a temperamentum jelei lehetnek. Nem vagyok benne biztos. Azt hiszem, vonzódom a kontrasztos elemekhez és a sarkalatos napszakokhoz, mint például a hajnal vagy az alkonyat, ahol az egyik könnyen átbillenhet a másikba; a sötétség, amely azzal fenyeget, hogy felemészti a fényt, vagy fordítva. Számomra ez egyfajta vizuális súrlódást vagy az események kibontakozásának lehetőségét teremti meg. Úgy tűnik számomra, hogy amikor leszáll az éj, az ég gyakran olyan fényesnek tűnik, ami éles ellentétben áll a föld sötétjével. Mindig nagy küzdelem számomra, hogy a munkámat olyan helyre vigyem, amely teljes mértékben összecseng azzal, ahogyan érzek, gondolkodom és értelmezem a világot. Igyekszem ütős hangszert létrehozni különböző, egymás mellett létező elemekből. Szeretem, ha a kész mű valahogy nyitottnak tűnik a lehetőségekre, de egyben végesnek is.
JL: Néhány friss festménye szinte batikolt, felületük repedt viaszra emlékeztet, míg más művek nyomatkészítési eljárásokat alkalmaznak. Festőként hogyan közelíted meg a felületet?
EM: A mű felülete olyan dolog, ami képes megtartani a vizuális figyelmet és talán jelentést. A textúra teljesen integrált része a festménynek, és mégis önálló dolog. Hígított olajfesték felhalmozódásával és jelölésekkel érhető el, gyakran több hónapon keresztül, néha éveken keresztül, amíg el nem érem a hely érzését vagy valami félig hihető dolgot, amivel folytathatom a munkát. A vászon soha nem érződik teljesnek, amíg ez a felületminőség önmagában nem válik vizuális entitássá. A legutóbbi munkáim során a festett vászon tetejére szitanyomással másfajta felületet készítettem. Ezzel a bevezetéssel közvetlen módokat találtam arra, hogy fényképeimet beépítsem a festett területre. Ez pedig párbeszédet hoz létre a festészet és a fotográfia között, vagy elmossa a határt a két műfaj között.
JL: Az építészetet és a figurákat ritkán ábrázolják a tájaikon. Vajon ez szándékos összpontosítás a természet félelmetes hatalmasságára egy humanizáltabb léptéken túl?
EM: Bár a munkáimat lakatlannak érzékelik, gyakran megjelennek alakok és épületek. Igyekszem úgy dolgozni ezekkel az elemekkel, hogy ne váljanak túlságosan dominánssá. Azt tapasztalom, hogy ha egy ember alkotta építmény vagy figura áll a figyelem középpontjában, az összkép veszélybe kerülhet, a táj másodlagossá vagy valamilyen burkolt narratíva hátterévé válhat. Néhány évvel ezelőtt azonban meglátogattam Henry Moore műtermeit az angliai Hertfordshire-ben található Much Hadham faluban, amelyet a helyiek „Hogsland”-ként ismernek. Úgy találom, hogy a műtermek olyan központok, ahol a gondolatok és a művészet belsőleg formálódhat. Talán egy művész fejében folyamatosan egy gondolatokból álló „műterem” zajlik. 2016-ban fejeztem be egy Hogsland című festményt , amelyen Moore műtermének szerkezetét a vásznam középpontjába helyeztem, mint egy ötletközpontot. Ez a gondolatmenet hatással volt a közelgő „Headland” című vándorkiállításom címére is. A Headland egy földrajzi nevezetesség (gyakran távolról látható), amely számomra az elménkben zajló mentális folyamatokat is jelképezi.
Elizabeth Magill Kanadában született, Észak-Írországban nőtt fel és Londonban él. A londoni Anthony Wilkinson és a dublini Kerlin Gallery képviseli.
Magill „Headland” című egyéni kiállítását a Limerick City Gallery of Art (LCGA) kurátora és körbejárja a dublini RHA és a belfasti Ulster Múzeum együttműködésében. A projektet a Művészeti Tanács Touring and Dissemination of Work programja támogatta. A kiállítás 8. szeptember 2017-án indul az LCGA-ban, Dr. Barbara Dawson, a dublini Hugh Lane Gallery igazgatója bevezetőjével. A kiállítást ezt követően 18. január 2018-tól az RHA-ban, 2018. májustól pedig az Ulsteri Múzeumban mutatják be. A művész Stephen Snoddyval beszélget szeptember 9-én, szombaton 12 órakor az LCGA-ban.
Felhasznált képek: Elizabeth Magill, Headland , 2016–17, olaj és szitanyomás vászonra; a kép Hugo Glendinning és a művész jóvoltából. Elizabeth Magill, Along , 2016–17; a kép a Wilkinson Galéria és a művész jóvoltából.
