JOANNE LAWS INTERJÚJ ELIZABETH MAGILLEL A FESTŐI GYAKORLATÁRÓL.
Joanne Laws: Leírnád a stúdiódat és a festési rutinodat?
Elizabeth Magill: A stúdióm a kelet-londoni ACME szervezet által működtetett művészekkel egy komplexumban található. Ez egy 700 négyzetméteres fehér kocka, amelyen délről jön be a fény, és a Mill Row-ra néz, egy keskeny egyirányú utcára, amelyet egy négyemeletes barna téglából és szürke betonból álló, az 1970-es években épült tanácsi panellakások árnyékolnak be. Régóta vagyok itt, így megszoktam ezt a nézetet. Tetszik az alacsony szintű vizuális interferencia. Van egy kisebb munkaterületem is az Antrim parton, de amikor ott vagyok, úgy tűnik, csak bámulom a tengerre néző gyönyörű kilátást. A rutinom szaggatott, mivel gyakran mászkálok. Korábban voltak sűrítettebb stúdióidőszakaim, amikor hetente legalább hat napot dolgoztam, néha egész nap és éjjel is, de ez már nem én vagyok.
JL: Valahol azt olvastam, hogy nem feltétlenül tájfestőként emlegeti magát, de a táj iránti életre szóló elkötelezettség nyilvánvaló a munkáiban. Milyen nemzeti tájakra szoktál rajzolni, ha van ilyen?
EM: Engem a táj műfaja foglalkoztat, mint a művészet nyelvének, a festészet lehetőségei és a személyes életrajz körüli ötletek felfedezésének módja. Számomra úgy tűnik, teret ad arra, hogy megpróbáljak elgondolkodni a nagyobb képen, és hogy mit jelent ennek a világnak a részévé válni. A táj, amely bekerül a munkámba, többnyire a Glens of Antrim környékének földrajzi adottságaiból származik, ahol felnőttem. Úgy tűnik, ez valamiféle vizuális hátteret biztosított számomra. Írországnak ez a különleges szeglete festőileg nagyon szép, de az ottani történelem gyakran ellentétesnek vagy konfliktusnak tűnik ezzel a természeti szépséggel. A néhai, nagy John Berger utolsó kiadványában Tájképek: John Berger a művészetről, ezt írta: „Néha egy táj kevésbé tűnik lakói életének díszletének, mint függönynek, amely mögött küzdelmeik, eredményeik és baleseteik zajlanak… a tereptárgyak már nemcsak földrajziak, hanem életrajzi és személyesek is”.
JL: A hagyományos tájfestészeti kánon mely vonatkozásai érdeklik leginkább?
EM: Sok olyan művészt csodálok, aki kifejezetten a tájfestészet ebbe a „hagyományosabb” kategóriájába tartozik. Hogy csak néhányat említsek, ide sorolnám Van Goghot, Cezanne-t, Turnert, Courbet-t, Munch-ot, Balkát, Constable-t, Whistlert, Corot-t és sok tizenkilencedik századi orosz művészt, különösen Levitant. Nagyon szeretem Kurt Schwitters tájképeit is, amikor Norvégiában élt, miután elmenekült a náci Németországból. Az általam kedvelt kortárs művészek, akiknek festményei a tájképet is megtestesítik: Per Kirkeby, Gerhard Richter, Ed Ruscha, Richard Long, Peter Doig és Chris Ofili, talán Keifer korai munkái, Mamma Andersson és Neo Rauch. De ugyanúgy érdekelnek a fotósok, különösen Annelies Strba, Thomas Struth és néhány viktoriánus, mint Henry Peach Robinson, Oscar Gustave Rejlander és Clementina Hawarden.
JL: Az irodalom, különösen az ír irodalom, olyan művészeti forma, amely az idők során megbirkózott a táj bonyolultságával. Befolyásolja ez egyáltalán a munkáját?
EM: Fényképészeti és nyomdai érdeklődési köremmel, valamint többféle médium használatával igyekszem a hibriditás érzetét kelteni munkámban, így azt nem lehet könnyen egy diskurzusba foglalni. A kísérletező modernista ír írók, Beckett és Joyce óriási hatással voltak a gondolkodásomra azzal a hihetetlen tehetségükkel, hogy ragaszkodnak történeteik szerkezetéhez, miközben látszólag a levegőbe dobták őket. Ezt a nyelvvel való magabiztosságot, egészséges figyelmen kívül hagyással és a médium iránti szeretettel vegyítve próbálom utánozni. Más könyvek, amelyek gazdagították a gondolkodásomat, különösen a tájjal kapcsolatban, félig vándorlásnak vagy újságírói megfigyeléseknek nevezhetők.
Átléptem a Minch-en Louis MacNeice egy megrendelésre készült utazási könyv volt, amelyet 1937 tavaszán és nyarán írt, amikor Skócia nyugati szigeteire látogatott. Egyfajta tiszteletlen kirándulásnak bizonyult. Azonban, szembeállítva MacNeice fizikai és érzelmi nehézségeivel, könyvét egy hihetetlenül megindító verssel zárja, Azokon a szigeteken, amely az általa átélt keménységet egy nép és annak teljesen eltűnt kultúrájának mélyreható ábrázolásává változtatja a vízparton. Simon Schamáé Táj és a memória, Roger Deakin Wildwood: Utazás fákon át és a A Szaturnusz gyűrűi WG Sebald írásai is vonatkoznak az utazásra, mind a földrajzi, mind az elméire. Joseph Conrad-ét is élveztem A sötétség szíve, Truman Capotes Hidegvérrel, JM Coetzee's Az Ország Szívében, Flannery O'Connor's, Bölcs Vér és Adam Nicholsoné, Tengeri szoba. Tetszik, ahogy ezek az írók erős helyérzést keltenek, idézően, de határozottan egy másik világba gyökerezve az olvasót.
JL: Számomra a tájképei gyakran tartalmaznak megdöbbentő, természetellenes vagy akár természetfeletti elemeket: baljóslatú ragyogást, burkolt robbanást vagy olyan kósza összetevőket, mint például egy szintetikus színű fa. Van olyan érzése, hogy megpróbálja felforgatni vagy elszakadni a lelkipásztori jelenet nyugalmától (és történelmi poggyászától)?
EM: A megdöbbentő vagy természetfeletti elemek, amelyekre hivatkozol, csak a temperamentum jelei lehetnek. Nem vagyok benne biztos. Azt hiszem, vonzódom a kontrasztos elemekhez és a sarkalatos napszakokhoz, mint például a hajnal vagy az alkonyat, ahol az egyik könnyen átbillenhet a másikba; a sötétség, amely azzal fenyeget, hogy felemészti a fényt, vagy fordítva. Számomra ez egyfajta vizuális súrlódást vagy az események kibontakozásának lehetőségét teremti meg. Úgy tűnik számomra, hogy amikor leszáll az éj, az ég gyakran olyan fényesnek tűnik, ami éles ellentétben áll a föld sötétjével. Mindig nagy küzdelem számomra, hogy a munkámat olyan helyre vigyem, amely teljes mértékben összecseng azzal, ahogyan érzek, gondolkodom és értelmezem a világot. Igyekszem ütős hangszert létrehozni különböző, egymás mellett létező elemekből. Szeretem, ha a kész mű valahogy nyitottnak tűnik a lehetőségekre, de egyben végesnek is.
JL: Néhány friss festménye szinte batikolt, felületük repedt viaszra emlékeztet, míg más művek nyomatkészítési eljárásokat alkalmaznak. Festőként hogyan közelíted meg a felületet?
EM: A mű felülete olyan dolog, ami képes megtartani a vizuális figyelmet és talán jelentést. A textúra teljesen integrált része a festménynek, és mégis önálló dolog. Hígított olajfesték felhalmozódásával és jelölésekkel érhető el, gyakran több hónapon keresztül, néha éveken keresztül, amíg el nem érem a hely érzését vagy valami félig hihető dolgot, amivel folytathatom a munkát. A vászon soha nem érződik teljesnek, amíg ez a felületminőség önmagában nem válik vizuális entitássá. A legutóbbi munkáim során a festett vászon tetejére szitanyomással másfajta felületet készítettem. Ezzel a bevezetéssel közvetlen módokat találtam arra, hogy fényképeimet beépítsem a festett területre. Ez pedig párbeszédet hoz létre a festészet és a fotográfia között, vagy elmossa a határt a két műfaj között.
JL: Az építészetet és a figurákat ritkán ábrázolják a tájaikon. Vajon ez szándékos összpontosítás a természet félelmetes hatalmasságára egy humanizáltabb léptéken túl?
EM: Bár munkáimat lakatlannak tartják, gyakran megjelennek alakok és épületek. Ezekkel az elemekkel igyekszem úgy dolgozni, hogy ne váljanak túlságosan domináns jellemzővé. Azt tapasztalom, hogy ha egy ember alkotta szerkezet vagy figura áll a figyelem középpontjában, akkor a teljes munka sérülhet, a táj másodlagossá válhat, vagy valamilyen implikált narratíva hátterévé válik. Azonban néhány évvel ezelőtt meglátogattam azokat a stúdióépületeket, amelyeket Henry Moore épített Much Hadham faluban, az angliai Hertfordshire-ben, amelyet helyi nevén „Hogsland”-nek neveznek. Úgy gondolom, hogy a stúdiók olyan központok, ahol a gondolatok és a művészet belülről formálódnak. Talán egy művész fejében a gondolatok „stúdiója” folyamatosan zajlik. 2016-ban elkészült egy festményem, melynek címe Roxland, ötletek csomópontjaként a vászonom középpontjába helyezve Moore műtermének szerkezetét. Ennek a gondolatmenetnek volt némi hatása a soron következő turnézó kiállításom címére is, a „Headland” címre. A Headland egy földrajzi mérföldkő (gyakran távolról is látható), amely számomra az ember fejében zajló mentális folyamatokat is reprezentálja.
Elizabeth Magill Kanadában született, Észak-Írországban nőtt fel és Londonban él. A londoni Anthony Wilkinson és a dublini Kerlin Gallery képviseli.
Magill „Headland” című egyéni kiállítását a Limerick City Gallery of Art (LCGA) kurátora és körbejárja a dublini RHA és a belfasti Ulster Múzeum együttműködésében. A projektet a Művészeti Tanács Touring and Dissemination of Work programja támogatta. A kiállítás 8. szeptember 2017-án indul az LCGA-ban, Dr. Barbara Dawson, a dublini Hugh Lane Gallery igazgatója bevezetőjével. A kiállítást ezt követően 18. január 2018-tól az RHA-ban, 2018. májustól pedig az Ulsteri Múzeumban mutatják be. A művész Stephen Snoddyval beszélget szeptember 9-én, szombaton 12 órakor az LCGA-ban.
Felhasznált képek: Elizabeth Magill, Fordulópont, 2016–17, olaj- és szitanyomás, vászon; kép Hugo Glendinning és a művész jóvoltából. Elizabeth Magill, Mentén, 2016 –17; kép a Wilkinson Gallery és a művész jóvoltából.
