JOANNE LAWS INTERJÚT KÉSZÍT DAPHNE WRIGHTTAL AZ ASHMOLEAN MÚZEUMBAN SZEREPLŐ ÖNÁLLÓ KIÁLLÍTÁSA ELŐTT.
Joanne Laws: Mindketten a Sligo RTC-n (ma Atlantic Technological University) tanultunk. Én a 90-es évek végén képzőművészetet tanultam, egy olyan időszakban, amely inspiráló volt az ír női szobrászok számára. Volt-e akkoriban optimizmus, vagy a lendület a vártnál rosszabb időkben jött létre?
Daphne Wright: Nos, mindenki elment a 80-as években – a recesszió brutális volt. Én 1989-ben hagytam el Írországot. A 90-es években csak arra emlékszem, hogy ösztöndíjról ösztöndíjra és rezidenciáról rezidenciára jártam, hogy fenntartsam a gyakorlatomat. Ösztöndíjas voltam Cheltenhamben, Henry Moore ösztöndíjas Manchesterben, és egy évet töltöttem a római Brit Iskolában. A 80-as évek elején, sligói tanulmányaim során folyamatosan nagyon erős női szobrászokat mutattak nekünk; folyamatosan tanultam beszélgetések és beszélgetések révén. A sligói tanári kar akkoriban olyan volt, mint Seán Larkin, Seán McSweeney, Fred Conlon, Con Lynch, Nuala Maloney, Ruairí Ó Cuív, Seán O'Reilly és John O'Leary. Ott volt még Robert Stewart és Peter Charney is – ő ausztrál volt, és teljesen más nézőponttal érkezett. Szobrászatot és kerámiát tanultam, de olyan kis évfolyam voltunk, hogy mindannyian jóban voltunk egymással.
JL: Most, hogy visszatértél Dublinba, van stúdiód?
DW: A házam két szobáját egy térré alakítottam, és általában itt dolgozom. Nagyon hálás vagyok ezért, mert egy műterem bérlése nagyon drága. Amióta gyerekeim vannak, így kell csinálnom; ez egy sajátos folyamattá vált, és szeretem a megszokott rutint. Amikor egy nagy szobrot készítek, ideiglenesen kibérelem egy asztalos műhelyét Írország északnyugati részén.
JL: Hogy néz ki a mindennapi stúdiórutinod?
DW: Sok időt töltöttem teszteléssel, felfedezéssel és dolgok elkészítésével. Nemcsak az anyagokat tesztelem; olvasok, kutatok és közben táplálom is az agyamat. Amint elkezdem érteni, hogy mit csinálok, akkor alkotok – ami gyakran a legszebb része. Alkalmanként egy igazán nagy darabig is eljutottam, ami nem csak az elkészítésről szólt, hanem a finanszírozáshoz szükséges pénz előteremtéséről is.
JL: Két fia életnagyságú alakjai korábban is szerepeltek a munkáidban. Öntési eljárással készültek?
DW: Amikor a fiúk kisebbek voltak, én csináltam Konyhaasztal (2014) kézzel festett jezmonitból, melynek során mindegyiküket külön-külön, kisebb darabokban öntötték ki. Ez akkor történt, amikor éppen csak kibújtak a gyermekkorból, és serdülőkorba léptek. Több mint tíz évvel később konszenzusra jutottam, hogy újra kiöntsem őket, most, hogy a férfikor küszöbén állnak, egy új műhöz, melynek címe Fiai és kanapé (2025), amelyet idén nyáron mutatnak be először.
A figurák teljes öntvények és üregesek. A régimódi életöntési technikával készültek, és ez nagyon fontos. Nem számítógéppel generált vagy 3D nyomtatású; ez egy nagyon munkaigényes, hagyományos folyamat. Ez a kiöntött személy számára is nagy vállalkozás, mivel a test teljesen be van burkolva, bár különböző időpontokban. A gipsz segítségével öntőformát vesznek a testről, mintha egy pillanatot ragadnának meg az időben.
Amikor a gipszeket egy teljes szoborrá állítják össze, mindent visszafogott színnel festik le – olyannal, amely az emlékek esszenciáját hordozza magában. Ez nem igazi szín, hanem az, ahogyan az ember a színekre emlékezhet. Az alakokat ezután installációvá vagy szobrászati jelenetté állítják össze. Ezzel küzdök mostanában, mert néha több elemem van, mint amennyire szükségem van. Fájdalmas folyamat lehet, lecsupaszítani a szükséges és működő elemeket.
JL: Úgy tűnik, hogy a háztartás visszatérő téma a szobrászati kompozícióidban, amelyek figurákat, személyes tárgyakat, növényeket és háztartási gépeket is tartalmaznak. Miért van ez így?
DW: Nos, van néhány dolog, ami ezt bonyolítja. Először is, elmegyünk múzeumokba, és azt tapasztaljuk, hogy nagyon kevés női művész alkot a gyűjteményekben. Van valami igazán érdekes a gipszmásolatokban és az idő fogságában, amelyek monumentalizálják a családiasságot, miközben az anyaságot és a nőiességet helyezik a múzeum középpontjába. Ezenkívül gyakran eltűnődöm azon, hogy miért vannak bizonyos tárgyak a múzeumainkban, amelyek némák vagy csendesek. Úgy tűnik, megrekednek, és valójában eltűnik bennük a műalkotás mivolt. Számomra ez egy központi kérdés. Amikor egy műalkotásnak saját jelenléte és lelke van, akkor a többi dolog csak kellékekké válik.
A Sons and Couch mellett más tárgyak is szerepelni fognak a műsorban, többek között Hűtőszekrény csendélet (2021) – egy kiégetetlen agyagból készült, nyitott hűtőszekrény, benne a polcokon szokásos dolgokkal, például egy sütőbe való csirkével. A hűtőszekrény tetején egy nagy váza tele van rothadó tulipánokkal. Tehát sok szempontból ez egy kortárs csendélet, amely a háztartás középpontjában álló kérdéseket vet fel: ki tölti meg a hűtőszekrényt, ki üríti ki a hűtőt, és kinek főzünk?
JL: Idén nyáron egyéni kiállítást rendeznek az oxfordi Ashmolean Múzeumban. Az Ashmolean Cast Gallery szobraira válaszul kidolgozott új műveket mutatnak be. Mit tud mondani erről a kiállításról?
DW: A kiállítás címe, a „Mélyen gyökerező dolgok”, Yeats versének egyik sorából származik, A Városi Galéria újralátogatása (1939): „Gyermekeim mélyen gyökerező dolgokat találhatnak itt.” Az Ashmolean-göndvözlet Galéria egészen lenyűgöző. Szinte teljes ókori görög és római gipszkartonokat tartalmaz. Lenyűgöző gyűjtemény található itt olyan sportolókból, akik valóban még mindig őrzik a fiatalemberek tulajdonságait. Sokat vittem a gyerekeket az Ashmoleanba, amikor kicsik voltak, így bizonyos értelemben ez a neveltetésük és a tanulásuk részét képezi. Az anyaként és művészként a tárgyak szemlélése iránti lenyűgözés őket is lenyűgözi.
A kiállítás a Hugh Lane Galéria gyűjteményére is reagál, különös tekintettel a csendéletfestészet hagyományára. A gyűjtemény virágfestményeket tartalmaz, melyeket az első ír nők készítettek, akik egyetemre vagy művészeti főiskolára jártak, sokan közülük az Egyesült Királyságban vagy Franciaországban tanultak. Virágfestményeik meglehetősen szépek és csendesen radikálisak. Emellett néhány megható portré is látható, köztük egy gyönyörű portré WB Yeatsről, amint fiúként könyvet olvas, melyet édesapja, John Butler Yeats festett 1886 körül.
Ezek a műalkotások egy kísérő kiadványban lesznek reprodukálva, Emily LaBarge, valamint Alexander Sturgis, az Ashmolean Múzeum igazgatója és Barbara Dawson, a Hugh Lane Galéria igazgatója írásai mellett. A kiállítás ezen intézmények összekapcsolásáról és gyűjteményeik közötti különbségek vizsgálatáról szól: az egyik egy világszínvonalú antik gyűjtemény, míg a másik egy modernebb, nemzeti gyűjtemény, amely kortárs műveket tartalmaz. Különböző nyelvet használnak, de számomra ez mind muzeológia, amelyet áthat a hazai elemek.
JL: Úgy tűnik, hogy a fiatal férfiak visszatérő témája, amelyet a korok során át ábrázolnak?
DW: Ez igaz – fiatal férfiak életük egy sorsdöntő pontján, legyenek azok az Ashmolean-gyűjteményben szereplő fiatal sportolók, vagy a saját fiaim a felnőttkor küszöbén. Vitán felül áll, hogy hasonló nyomás nehezedett a fiatal férfiakra mind a klasszikus, mind a kortárs korban. Ennek a mögöttes üzenetnek a nagy része nem verbális, azonban ösztönösen tudjuk. Azt hiszem, nagyrészt itt létezik a munkám – ezeken a küszöbértékeken, amelyeket mindenki megért.
Az „Ashmolean Now, Daphne Wright: Mélyen gyökerező dolgok” című kiállítás 13. június 2025. és 8. február 2026. között tekinthető meg az oxfordi Ashmolean Múzeumban. A kiállításhoz kapcsolódó új művek elkészítését az Ír Művészeti Tanács Vizuális Művészeti Projekt Díja támogatta.
ashmolean.org
