AOIBHEANN GREENAN RÆÐUR TIL ANDREW KEARNEY UM ÞOLTUN VINNA SINNAR.
Aoibheann Greenan: Eitt af því fyrsta sem slær mig við störf þín er notkun þín á hreyfitækni. Hvenær byrjaði áhugi þinn á hreyfifræði?
Andrew Kearney: Sem MA-skúlptúrnemi við Chelsea College of Art and Design, London, árið 1991, var ég með stórt vinnustofurými sem paraðist við að hitta aðra alþjóðlega nemendur, halda fyrirlestra fyrir listamenn og frábæra tæknimenn. Að geta notað sérstök vinnustofur víkkaði út nálgun mína á því starfi sem ég var að þróa. Fram að því bjó flest vinna mín á veggjum. En frá þessum tímapunkti gæti það orðið meira líkamlega þátttakandi í öllu rýminu sem það bjó í. Fyrir mig var að kanna hreyfingu leiðin til að tjá þetta nýfengna frelsi. Bróðir minn, Erik, bjó einnig í London á þessum tíma. Hann er rafeindavirki. Þessi nálægð gerði okkur kleift að ræða nýja tækni og fyrir mig að kanna svipmikla eiginleika þeirra í starfi mínu.
AG: Þegar þú horfir til baka á eitt af fyrstu verkum þínum – Ótitlað (1992) í Serpentine Gallery í London – eru margar af þeim áhyggjum sem hafa verið til staðar í gegnum allt starf þitt þegar sýnilegar, einkum þemað um eftirlit. Geturðu lýst hugsun þinni á bak við það verk?
AK: Á Írlandi, á tímum „óeirðanna“, ólumst við upp við meðvitund um eftirlit og stjórnun ferða. Þegar farið var yfir landamærin frá suðri til norðurs mætti maður stórum steinsteypu- og galvaniseruðum stálmannvirkjum sem skilgreindu þröskuld. Síðar, sem írskur innflytjandi í London, upplifði ég af eigin raun þögn fólks og varð meðvitaður um myndavélar sem fylgdust með; á þessum tíma var aukin ótti við loftárásir IRA í fjármálahverfinu. Kastalalík bygging Untitled (1992) endurspeglaði þessar fyrri reynslur af því hvað maður hefur eða hefur ekki aðgang að, og mína persónulegu reynslu sem hinsegin maður í ókunnugu umhverfi. Yfirbygging kastalans var úr sama kunnuglega bylgjupappa galvaniseruðu efninu, en að þessu sinni sett saman án þess að sýna neinar ytri festingar, algjörlega ógegndræp. Veggirnir voru festir á hringlaga stálteina, þannig að byggingin gat snúist af handahófi, lokað eða opnað fyrir rýmið sem gestir gátu verið í. Með því að stýra verkinu gat fólk litið upp til tvíræðrar bleiku byggingarinnar innan kastalamúranna en ekki skilið til hvers hún var ætluð.
AG: Oft nota verk þín skynjara sem virkja óefnisleg ferli eins og hljóð eða hreyfingu. Í tilviki Silence (2001/10), til dæmis, settir þú upp hljóðnema fyrir utan Limerick City Gallery, sem breytti götuhljóði í ljós- og hljóðsamsetningu innan uppblásins kúlu í galleríinu. Hver er tilgangurinn með þessum þýðingarhreyfingum?
AK: Þessi staðbundnu hversdagslegu fyrirbæri eru orðin leið til að kynna ófyrirsjáanlega takta innan ferlisins við gerð myndlistar minnar. Lifandi hljóðstraumar, ásamt lux stigum, eru notaðir til að skora og kynna nýja myndun innan tiltekins rýmis, sem gerir kunnuglegt ókunnugt. Sama hluti af hlutum á mismunandi stöðum gæti breyst með tilkomu nýrra og staðbundinna takta. Efnislegar og óefnislegar tónsmíðar, þróaðar saman, hafa orðið grundvallarþáttur í aðferðafræði minni.
AG: Ég hef tekið eftir því að burðarvirki eru almennt falin í verkum þínum. Sviflaus form virðast vera fljótandi og lána þeim sjálfstæða viðveru. Það vekur mig til umhugsunar um það hvernig ný tækni leynir miðlinum í auknum mæli, til að framleiða aukna tilfinningu fyrir skyndi. Er þetta eitthvað sem upplýsir verk þín?
AK: Já, ég er mjög meðvitaður um hlutverk áhorfenda, eða öllu heldur hvernig ég skynja hlutverk þeirra sem ófúsir sjálfboðaliðar innan hljóðrænnar, lúxuslegrar uppákomu. Í Skylum (2012) í Toronto, til dæmis, voru engir stuðningar sýnilegir. Allt sem þú gast séð var þessi 16 metra sporöskjulaga uppblásni búnaður í rýminu. Tónlist verksins notaði 100 hljóðsýni; tónlist, töluð tungumál, söngur og dýrahljóð svöruðu hreyfingum áhorfenda, sem hleypti af stað síbreytilegri röð hljóðs og ljóss. Innsetningin varð miðill og virknin fyrir neðan óaðskiljanlegur hluti af listaverkinu. Engu að síður hylur verkið hvernig þessu er náð, sem eykur á tvíræðnina milli égsins og hins; milli listamannsins og almennings.
AG: Þessar uppblásanlegu eru áberandi í verkum þínum ásamt öðrum gerviefnum, svo sem PVC, áli og gúmmíi. Hvað er það við þessi efni sem þú dregst að?
AK: Ég hef farið í gegnum áfanga með efni. Ég hef búið til lýsandi uppblásanlegan bol með innri ljósgjafa; uppblásanlegur silfurpappír, sem endurspeglar síbreytilegt umhverfi þess; núna er ég byrjaður að búa til svarta hnetti sem eru ekki endurkastandi, algerlega létt gleypið himnur. Þeir hafa svipaða merkingu af veðurblöðrum, hlustunarstöðvum, efnislegum fetishisma og myrkri geimsins. Maður sem lendir á tunglinu, nýjar hugmyndir um nútímann, framsetning vísindaskáldskapar og áhrif á okkar daglegu líf hefur alltaf vakið áhuga minn; þá tilfinningu fyrir öðru, að ferðast lengra, út af sjálfum sér eða frá einum stað til annars. Að alast upp var litið á tilbúin matvæli og dúkur sem jákvæða skilning á nýrri framtíð sem við gengum inn í. Samt sem áður eru þessi manngerðu efni vísbending um iðnaðarferla, rannsóknir og virkni sem vinna gegn sögulegum rýmum sem verk mín eru oft sýnd í. Fyrir mér sameinast listin að gera hlut alltaf við byggingarrýmið sem það býr í og kallar fram ýmsar leiðir og ferli. Efni hefur sitt innra eðli og sögu. Það er athöfnin að búa til, að líkamlegt samspil við efnið, í mínu tilfelli, falla saman nýja tækni við eldri hefðbundna vinnuferla, sem er kannað til að afhjúpa nýjar frásagnir innan verksins og staðinn sem það er á.
AG: Geturðu talað um samband staðs og minnis í verkum þínum?
AK: Rými hafa alltaf verið mikilvægur þáttur í starfi mínu, staður nýrrar upphafs! Snemma á ferlinum urðu byggingar flókinn hluti af því framleiðsluferli. Þetta leiddi til hugmynda um verkið sem byggði umhverfi, þróaði tengsl á þessum stöðum og sögu þeirra. Uppsetningar mínar eru þróaðar í samhengi við mælikvarða, sjálfsmynd, kynhneigð, staðarsögu, staðsetningu og ferli efna.
AG: Þetta tengist mjög rannsóknarverkefninu sem þú framkvæmdir við Middlesex-háskóla, sem bar heitið Spaces Buildings Make (2005–08), þar sem þú lagðir til huglægari nálgun á byggingarsögufræði. Geturðu lýst hvata þessarar rannsóknar og hvernig hún hefur mótað verk þín síðan?
AK: Þessum árum var varið í að rannsaka hugmyndir um eðli háskólans og fyrirhugaða notkun hans, aðferðafræði arkitektsins og hvernig rýmið var þróað fyrir síbreytilegt fræðasamfélag. Hljóðstig voru samin um byggingarefni sem notuð voru við byggingu háskólasvæðisins; sagnir voru skjalfestar og síðan talaðar af handahófi í gegnum hátalara á mismunandi stöðum hússins; sögulegar myndir af byggingu hússins fundust í bókasafninu og voru prentaðar upp á lampaskermi eldföstu eldhúsanna, myndir og texta sem sýndu nemendur og breytta starfsemi hússins í gegnum áratugina. Að vera hluti af stofnun í þrjú ár gaf mér tíma til að þróa samskipti við starfsfólk, nemendur og byggingu, sem auðgaði frásögn verksins með því að leggja núverandi og sögulegan veruleika staðarins til áhrifa og endurspegla reynslu okkar af þeim sömu daglegu rýmin innan háskólasvæðisins.
AG: Það er tilfinning að rannsóknir þínar séu líkamlega gegnsýrðar í veruleikanum, á þann hátt sem er mjög frábrugðinn sjálfsmeðvitaðri sýnisháttum, eitthvað sem gæti falið í sér aðskilnað. Hvar staðsetur þú landamæri vinnu þinnar?
AK: Ég byrjaði með verkefninu A Long, Thin Thread (1997/98), sem ég vann á Heathrow flugvelli, og fékk áhuga minn á að skapa verk sem sameinuðust byggingarlist staðarins á þann hátt að það var ekki hægt að sjá hvar listræna íhlutunin hófst eða endaði. Markmið verkefnisins var að setja upp gangrými á flugvellinum, sem ég náði með því að gefa listaverkinu virkni, eins og það er skynjað með flestum hlutum á flugvelli. Ég steypti sporöskjulaga bylgjupappavegginn á rýminu og setti upp sextíu svartar lofttæmisformaðar kúlur, hver með tölustöfum tengdum tveimur innrauðum geislum sem skráðu komu og farar farþeganna frá Írlandi til Englands yfir árstímabil. Í öðrum verkum eru landamærin áþreifanlegri, til dæmis í nýlegri sýningu minni í The Dock, Carrick-on-Shannon, notaði ég iðnaðargluggatjöld úr PVC til að gera áhorfendum meðvitaða um að þeir væru að fara frá einum þröskuldi til annars.
Andrew Kearney er írskur listamaður með aðsetur í London. Í gegnum árin 2017 til 2019 er margþætt uppsetning hans, Verkunarháttur, fór í tónleikaferð til Centre Culturel Irlandais (París), The Dock (Carrick-on-Shannon) og Crawford Art Gallery (Cork).
andrewkearney.net
Flutningur, uppsetning og hreyfimyndaverk Aoibheann Greenan kanna breytileika menningarskjala yfir tíma og rannsaka umbreytingarmöguleika þeirra í núinu.
aoibheanngreenan.com
Mynd: Andrew Kearney, Mechanism , 2019, uppsetningarmynd, Cork; ljósmynd eftir Jed Niezgoda, með leyfi listamannsins.
