ANNE MULLEE RELAZIONI SUL CONTRIBUTO DI ARTISTI E CURATORI IRLANDESI AL 57TH BIENNALE DI VENEZIA.
Molte delle recensioni sull'ambizioso trattamento da parte della curatrice Christine Macel dei suoi due enormi "Viva Arte Viva!" incentrati sull'artista. le mostre alla Biennale di Venezia hanno ricevuto elogi non soddisfacenti, con i critici che hanno citato in vario modo troppe opere deboli, non abbastanza diversità e contestualizzazione flaccida, tra le altre critiche. Ovviamente il 57th La Biennale è molto più di una somma di queste parti. Forse riflettendo il mondo dell'arte sempre più globalizzato, quest'anno vede l'inclusione di nuovi padiglioni dai partecipanti per la prima volta Antigua e Barbuda, Kiribati e Nigeria. Poiché più paesi sono invitati a partecipare all'evento, le riflessioni sulla nazionalità stanno diventando un tropo sempre più comune. Lo stato utopico virtuale NSK ospita l'artista turco Ahmet Öğüt, che ha lavorato con i giovani rifugiati per gestire un ufficio passaporti dal vivo, dove ho ottenuto un passaporto statale NSK (nskstate.com). Al contrario, la parte meridionale del globo è rappresentata a Venezia dal Padiglione Antartico, che non è tanto uno stato immaginario quanto uno stato di indagine. Istituito dall'artista russo e sostenitore della Biennale Alexander Pononmarev, il padiglione offre una piattaforma per mostrare opere d'arte e progetti di vari artisti invitati che hanno partecipato alla prima Biennale Antartica - una spedizione di ricerca artistica di 12 giorni intrapresa nel marzo 2017 con 100 partecipanti a bordo della nave di ricerca Akademik Ioffe.
L'artista irlandese Méadhbh O'Connor, attualmente artista residente presso l'UCD presso i Parity Studios, è tra i 15 artisti internazionali selezionati per esporre all'Antarctic Pavilion. Lavorando in collaborazione con il dipartimento di scienze dell'UCD, O'Connor ha ideato un esperimento e lo ha offerto come lavoro open-source. Presentato come un'opera cinematografica, l'opera esplora il cambiamento climatico, dimostrando le reazioni atmosferiche a livello micro mescolando il latte con diverse densità di acqua. Filmato in primo piano e visualizzato su due tablet a parete, il risultato è magico. Simulatore climatico Fase I e II sono minuscoli mondi che evocano le nuvole gassose intorno alla terra, vorticose e vorticose per il capriccio del loro creatore. Il film viene diffuso tramite YouTube e i social media in tutta la biennale, invitando gli spettatori a ricreare l'esperimento a casa.
Un altro padiglione collaterale interstatale è la mostra del Centro Culturale Europeo. Presentati in tre sedi – Palazzo Bembo, Palazzo Mora e Giardini Marinaressa – più di 250 artisti provenienti da tutto il mondo rispondono ai concetti di “tempo, spazio ed esistenza” sotto il titolo “STRUTTURE PERSONALI – frontiere aperte”. L'artista irlandese Patricia McKenna ha realizzato un'installazione….e il mondo va avanti (2017) nella gronda di Palazzo Mora, dove slanciati alberi si protendono verso le sue travi secolari, incontrati da altri che si protendono verso il basso. Illuminata da un'insegna al neon che proclama "Va", questa foresta improvvisata è montata su supporti metallici ordinati (dipinti in blu, rosso e nero) ed è interrotta da aste dritte. Qua e là, piccole figure umane di argilla sembrano saltare di albero in albero, mentre le foglie di lamina finte indicano possibili segni di vita. È stranamente distopico, con il bagliore sodico del neon che proietta una sorta di sfumatura giallastra post-apocalittica.
Ai Giardini, il Padiglione svizzero è curato da Philip Kaiser, che ha dato un po' perplesso alla mostra di quest'anno il titolo 'Donne di Venezia', attingendo alla storia stessa del padiglione. Kaiser ha dichiarato che mira a "riflettere sulla storia del padiglione e sui contributi della Svizzera alla Biennale di Venezia da una prospettiva contemporanea e ad avviare un nuovo lavoro, specifico per questo contesto". Tuttavia, una delle opere è poi inquadrata nella storia dei fratelli Giacometti: Bruno, l'architetto che originariamente progettò il padiglione, e Alberto, l'acclamato artista che più volte ha declinato gli inviti a rappresentare la Svizzera in quel padiglione.
Flora (2017) dell'artista svizzero Alexander Birchler e dell'artista irlandese Teresa Hubbard, è una delle opere più interessanti della biennale. La coppia ha realizzato un'installazione cinematografica sincronizzata e fronte-retro sulla vita di Flora Mayo, ex musa di Alberto Giacometti e artista a pieno titolo. Mentre sembra che ogni artista femminile che lavora prima del 1980 sia condannata a essere "poco conosciuta", "sconosciuta" o "sotto riconosciuta", Mayo è davvero svanita nell'oscurità. Ciò è accaduto per sua stessa mano, poiché ha distrutto gran parte del suo lavoro. Nata in una ricca famiglia statunitense, il suo primo matrimonio è finito dopo che ha dato alla luce il suo primo figlio. Fuggì a Parigi e in seguito divenne amica di Giacometti, che la scolpì. Flora è stata tagliata fuori dalla sua famiglia e le è stato proibito di rivedere sua figlia. Negli anni '1930 si trasferì in California, svolgendo lavori umili e allevando suo figlio, David Mayo, nato due anni dopo il ritorno di Flora negli Stati Uniti. La storia di Flora è raccontata nello stile di un dramma-documentario girato in bianco e nero, che racconta una visione immaginaria della sua vita a Parigi come artista. Nel secondo film, ora a colori, David ricorda la vita di sua madre mentre osserviamo le sequenze delle opere perdute di Flora che vengono ricostruite e riunite al busto che Giacometti le ha fatto. Un'opera silenziosamente potente e commovente, Flora è un malinconico omaggio al suo omonimo.
La storia dei padiglioni nazionali è fonte di ispirazione abituale per molti curatori di biennali. Lo splendido Padiglione Nordico presenta "Mirrored", a cura di Mats Stjernstedt, che include il lavoro dell'artista svedese e diplomata IADT Nina Canell. Le sue esplorazioni di trasmissione, connessione e materiali sono alla base di una concreta collezione di oggetti, tra cui sezioni di cavo transatlantico (notoriamente che va da Valencia a Kerry a Trinity Bay a Terranova) e una delicata torre di mastice rosa medicinale. I bordi sfilacciati del cavo e la gomma che trasuda lentamente invocano la graduale cancellazione del presente.
Il Padiglione Olandese è supervisionato dalla curatrice irlandese Lucy Cotter. Le questioni del postcolonialismo e delle utopie sociali moderniste vengono esplorate in un sito progettato da Gerrit Rietveld nel 1953. Qui, Cotter, insieme all'artista olandese Wendelien van Oldenborgh, ha creato "Cinema Olanda", una serie di indagini sulla reputazione percepita dei Paesi Bassi come nazione progressista. Una contro-narrazione offre tre video e un paio di immagini fisse per introdurre una serie di osservazioni dei "vecchi olandesi", che discutono di alcuni dei nuovi cittadini del paese, tra cui il Suriname postcoloniale e i rifugiati indonesiani. Il linguaggio utilizzato è spesso goffo e, all'orecchio 'illuminato', rasenta il razzismo. In tutto il film omonimo, la nuova popolazione olandese viene chiamata irriverentemente "Indos", mentre la lingua del Suriname è descritta come "violenta", assumendo connotazioni di aggressione e violenza fisica.
Non è certo una rivelazione che tali atteggiamenti esistano, sebbene van Oldenborgh offra un contrappeso attraverso la sua esplorazione di esperimenti sociali e narrazioni ridisegnate istigate da artisti, attivisti e migranti privi di documenti. Questi si svolgono in varie località tra cui una chiesa a Rotterdam e l'edificio Tripolis dell'architetto Aldo van Eyck ad Amsterdam, collegando questi ideali urbani utopici con quelli dell'urbanista Lotte Stam-Beese e catturando frammenti di storie meno conosciute. Apprendiamo del primo membro nero del Partito Comunista degli Stati Uniti, Otto Huiswoud, un rivoluzionario del Suriname che ha organizzato i lavoratori di tutto il mondo e ha vissuto gran parte della sua vita nei Paesi Bassi. Otteniamo anche informazioni su varie forme di attivismo domestico e occupazioni abusive che hanno avuto luogo nei Paesi Bassi dagli anni '1960 ad oggi. Van Oldenborgh resiste alla costruzione di paralleli netti e cronache, consentendo invece allo spettatore di ascoltare i ricordi e le esperienze raccontate di cittadini olandesi neri, bianchi e marroni.
Non vengono offerte risoluzioni, una sensibilità che manca in alcuni degli altri lavori presentati alla Biennale che cercano di affrontare le preoccupazioni contemporanee intorno al postcolonialismo e alle migrazioni. Un esempio viene dal solito perfetto Olafur Eliasson, il cui progetto 'Green Light' occupa lo spazio più ampio del padiglione centrale dei Giardini (a cura di Macel). Invita i migranti a Venezia a tenere laboratori di fabbricazione di lampade geometriche, acquistabili a 250 euro. C'è un aspetto decisamente scomodo da "zoo umano" in questo spettacolo, che ricorda un'imprenditoria sociale spiccatamente capitalista piuttosto che un collettivo radicale, soprattutto quando emerge che i facilitatori del laboratorio non sono pagati.
Ma forse anche questo non è così offensivo al limite come quello di Ernesto Neto Um Sagrado Lugar/Un luogo sacro all'Arsenale. Qui, una vasta tenda a rete - recentemente denominata "spazio chill out" - ospita veri e propri sciamani dal Sud America. Macel sembra entusiasta di questo tipo di appropriazione culturale, che attraversa entrambe le sue mostre e si sente atrocemente ingenua. Nonostante tutto il vanto di una biennale guidata da artisti, la mano del curatore è decisamente pesante.
L'artista irlandese con sede a Berlino Mariechen Danz presenta la sua installazione Tomba dell'utero (2017) all'Arsenale. Una performance precedente nello spazio è evidenziata sullo schermo, mentre impronte di piedi fissate al muro e una scultura termoattiva raffigurano variamente il "teatro primordiale" del corpo umano in una scenografia fabbricata con fango di provenienza locale. Instancabile nella sua fisicità, la pratica corporea di Danz ricorda le esplorazioni viscerali e femministe di seconda ondata di artisti come Carolee Schneemann o Rebecca Horn. All'Irish Pavilion, l'ipnotizzante e potente installazione video e performance di Jesse Jones Trema, trema, a cura di Tessa Giblin, ha avuto un'ampia accoglienza. L'imponente video installazione multischermo ci invita a guardare la vecchia primordiale di Olwen Fouéré e a tremare per il suo potere. Altrove, in mezzo al volume spesso travolgente di opere in mostra in tutta la città, è gratificante vedere contributi così forti da altri artisti irlandesi e da quelli che rivendichiamo per noi stessi.
Anne Mullee è curatrice, ricercatrice e scrittrice d'arte. Attualmente è curatrice della Courthouse Gallery and Studios di Ennistymon, nella contea di Clare.
Immagini: Teresa Hubbard/Alexander Birchler, Flora, 2017; installazione cinematografica sincronizzata fronte-retro con suono; 30 minuti, ciclo; Padiglione Svizzero, Biennale di Venezia 2017; foto di Ugo Carmen, per gentile concessione degli artisti, Tanya Bonakdar Gallery, New York e Lora Reynolds Gallery, Austin. Nina Canell, gomma da trascinare e di Breve sillaba, 2017; Padiglione Nordico, Biennale di Venezia 2017; foto di Åsa Lundén/Moderna Museet. Jesse Jones, trema trema vista dell'installazione, 2017; film, scultura, sipario mobile, scenografia sonora e luminosa; Biennale di Venezia.
