Cecilia Danell: Come inizi un dipinto? Fate dei disegni preparatori? Hai un'idea in anticipo o succede tutto sulla tela, per così dire?
Diana Copperwhite: Faccio un misto di cose. Sono sempre alla ricerca di informazioni e utilizzo le cose memorizzate nella mia testa; Scatto anche foto e uso fotografie trovate. A volte inizio un disegno come una sorta di mappa per il dipinto, che evolve nella sua stessa direzione. Non voglio mai che siano semplici, quindi è un misto di tirare cose da luoghi diversi. Per me, è importante che diventi questa cosa completamente separata che non puoi localizzare in nessuna direzione.
CD: Ho notato che i tuoi primi lavori sono più figurativi.
DC: Sì, penso che sia iniziato così perché sono davvero interessato al mondo e al modo in cui le cose si relazionano tra loro. Non è stata una decisione deliberata, ma è avvenuta in modo organico, un po' come tradurre la musica visivamente o affrontare la memoria e le idee percettive. Da lì si è trasformato in qualcosa di più astratto.
CD: Nei tuoi dipinti ancora oggi posso vedere spazi e figure – sono intenzionali o è la mia mente che cerca di interpretare la forma?
DC: È impossibile fare un dipinto senza creare quelle relazioni. Se stai guardando qualcosa in condizioni di scarsa illuminazione, o in un vicolo buio, non lo vedi completamente e la tua mente si affanna per cercare di dargli un significato perché siamo cablati in quel modo. Non puoi mettere un segno accanto a un altro segno in un dipinto senza che venga letto come intenzionale.
CD: C'è una realtà sensoriale, una soggettività, nel modo in cui percepiamo le cose nel mondo. Una delle cose che amo del tuo lavoro e che ho introdotto sempre di più nel mio lavoro nel corso degli anni, è l'idea di relazioni cromatiche arbitrarie – colori che in realtà non ci sono, che producono una sorta di esperienza sensoriale.
DC: Questo viene dal guardare il mondo. Guardo sempre la luce e le sorgenti luminose e come funziona e come la luce bianca è composta dallo spettro. In determinate circostanze, come una chiazza d'olio o un temporale, rifrange la luce e inizi a vedere il colore. Sembra quasi più reale della luce bianca, in un certo senso. Possono esserci delle lacune nella percezione rispetto alla realtà e la pittura è un'altra realtà che non deve corrispondere.
CD: Ho la possibilità di usare i colori dall'altra parte dello spettro dei colori e le forme che non ci sono attraverso gocce e astrazioni.
DC: Introduci queste idee in modo figurato e poi rompi il rapporto figura-piano. Potresti usare gocce di blu e rosa in questo paesaggio idilliaco ed è quasi come un portale verso un'altra realtà. Questo è un po' ciò che interessa anche a me: prendere queste idee su come si percepiscono le cose e aprire questo enorme spazio per l'immaginazione.
CD: A volte lavoro a ritroso, dove mantengo le forme piuttosto che coprirle. Più a lungo lavori, ti rendi conto che non puoi mantenere lo sfondo così com'è, poiché sembrerebbe incompiuto, e devi lavorarci sopra.
DC: Poi vedi che non è più la natura, è un dipinto. Questa è la parte divertente della pittura: è di per sé; è un dipinto.
CD: John Berger ha detto che un dipinto, a differenza di una foto, non cattura un momento ma contiene tutto il tempo necessario per dipingerlo e tutti i momenti futuri in cui verrà guardato – quindi è senza tempo, in questo senso. Nel tuo lavoro, possiamo sicuramente vedere quel processo; possiamo tracciare i bordi del dipinto e vedere gli strati.
DC: Penso che quando dipingo cerco qualcosa, ma non so cosa sia. Continuo ed è per questo che ci sono così tanti tagli e cambiamenti, livelli, partenze e interruzioni; Voglio che sia privo di gravità, come un'altra realtà.
CD: Mi chiedevano "quando sai che un dipinto è finito?" Direi che è quando nulla si concentra indebitamente; quando l'occhio viaggia e non si blocca. A volte un colore può essere solo una frazione di troppo intenso e questo richiede l'attenzione.
DC: Esatto, perché il quadro generale deve funzionare! Trovo che quando dipingo – e probabilmente lo capisci anche tu – all'inizio se funziona davvero bene, non è una buona cosa perché ti affezioni a qualcosa e devi imparare a lasciar perdere.
CD: Può essere davvero scoraggiante fare quel passo, perché puoi rovinare tutto. Sai che se non lo fai, sarà un dipinto ok, ma se riesci a farlo e funziona, lo porti al livello successivo.
DC: Di solito, quando all'inizio non è un buon dipinto, devi lavorare sodo per renderlo migliore. Non vai a cena e pensi "è fantastico, funziona". No – è un pasticcio.
CD: In termini di scala, quando fai opere più piccole, le chiami 'anti-ritratti' e sono molto ravvicinate e astratte allo stesso tempo. Quando realizzo piccoli lavori, faccio una specie di primi piani della natura. Questo è un modo diverso di affrontarlo e personalmente non realizzerei mai un paesaggio su piccola scala.
DC: Beh, è una cosa diversa, i piccoli dipinti… È una specie di liberazione dai grandi dipinti perché c'è così tanto da fare in essi – è un tale atto di equilibrio. I dipinti più piccoli sono belli e succinti; è come scrivere una frase che continua, come la punteggiatura con virgole, punti e aggettivi.
CD: Puoi manovrare le cose all'interno di grandi dipinti. Quando lavoro bagnato su bagnato, posso concentrarmi su una determinata area e andare avanti senza bisogno che le cose si asciughino, perché posso passare a qualcos'altro. Odio quando sei in studio e hai qualcosa che farai più tardi quel giorno, e ti ci metti davvero dentro, e hai mischiato tutti i colori...
DC: È molto frustrante, perché devi smetterla... Ho cronometrato me stesso. Devo davvero impegnarmi e non so cosa accadrà. Devo essere molto vigile, ma non puoi mantenere quel livello di attenzione e concentrazione per così tanto tempo. Ho impostato la sveglia a intervalli di mezz'ora, quindi sono completamente senza distrazioni. Poi esco per dieci minuti e torno e faccio la stessa cosa.
CD: Trovo davvero difficile lavorare al mattino; In realtà vado solo verso le 2:XNUMX. A volte ti senti come se fosse una faticaccia ma poi quando stai per finire, vuoi solo aggiustare una piccola cosa e il tempo vola. Fotografo il mio lavoro mentre vado avanti. Tuttavia, guardo spesso il mio lavoro a letto e poi se qualcosa non funziona, riesco a malapena a dormire! È costantemente nella tua mente.
DC: Io faccio lo stesso! Se guardi le immagini su telefoni o dispositivi, puoi capire cosa c'è che non va in esse. Puoi vedere una panoramica, come se fossi in una galleria in piedi, invece di essere ossessionato da un'area. I dipinti sono come le persone, che ci seguono in giro! Questo perché in qualche modo pervadono la vita.
Cecilia Danell è un'artista visiva svedese con sede a Galway. La sua attuale mostra personale, 'Tactile Terrain', prosegue alla Luan Gallery fino al 3 aprile. Si esibisce anche all'Hennessy Craig Award Exhibition alla RHA fino al 21 marzo.
ceciliadanell.com
Diana Copperwhite è un'artista visiva con sede a Dublino. È un membro di Aosdána e lo è attualmente in mostra allo Snite Museum, USA, come parte di "Who Do We Say We Are", una mostra di arte irlandese, con un prossima mostra personale alla 532 Gallery Thomas Jaeckel, New York, a settembre.
dianacopperwhite.net
Entrambi gli artisti sono rappresentati da Kevin Kavanagh, Dublino.
kevinkavanagh.ie
