Recensione del libro | Cosa indossano gli artisti

Charlie Porter, Penguin, 2021, 376 pp.

Sarah Lucas, Autoritratto con uova fritte, 1996, stampa C; fotografia © Sarah Lucas, per gentile concessione di Sadie Coles HQ, Londra. Sarah Lucas, Autoritratto con uova fritte, 1996, stampa C; fotografia © Sarah Lucas, per gentile concessione di Sadie Coles HQ, Londra.

C'è un esuberanza patinata a come le persone si vestono a Dublino in questo momento, nettamente diverse da come eravamo tutte poche settimane o mesi prima, mischiando tra casa e supermercato. Uscire da una pandemia - tornare agli studi e alle aperture delle mostre - significa un cambiamento nel modo in cui ci presentiamo al mondo e nel modo in cui ci vestiamo per il lavoro, anche se stiamo solo ridescrivendo il nostro lavoro a noi stessi. Siamo tutti cambiati e possiamo scegliere di segnalare quei cambiamenti, e le possibilità che aprono, attraverso ciò che indossiamo.

Un amico grafico porta spesso una matita nella tasca superiore. Non lo usa davvero, ma la matita ricorda a lui e ai suoi clienti che il suo lavoro è basato sull'artigianato. Un'altra amica, artista che lavora principalmente in video, racconta come si taglia le unghie prima di un grande progetto, rituale residuo della sua formazione in ceramica.  

Nel nuovo libro di Charlie Porter, Cosa indossano gli artisti, alcuni artisti descrivono un attaccamento a un particolare capo di abbigliamento indossato in studio; altri, Frida Kahlo o Picasso per esempio, sono identificabili da un particolare capo di abbigliamento o stile. L'abbigliamento da studio è spesso un vecchio indumento che un tempo era "usurato", o un abbigliamento da lavoro di un'altra professione basata sulla fabbricazione o sulla riparazione, adattato in modo che sia adatto allo scopo. A volte comporta l'indossare ripetutamente lo stesso indumento fino a quando non assume un ruolo, simile ma non esattamente come la descrizione di Winnicott di un oggetto di transizione, una "copertina" o un oggetto di comodità che ha accumulato odori e patine dal lavoro precedente.

In che modo ciò che indossano gli artisti è sufficientemente diverso da ciò che indossano gli altri da meritare un'attenzione speciale? Il modo in cui gli artisti indossano i vestiti è spesso immaginato come derivante da un desiderio di stravaganza o disinteresse (o accidentalmente sgargiante indifferenza), vicino alla rappresentazione comune di un professore preoccupato come "pazzo". Il libro di Porter lo annulla con attenzione preoccupazione, sia per l'abbigliamento che per chi lo indossa. Laddove non conosce l'artista e cosa tendeva a indossare, visita i loro vestiti e li raccoglie per noi o suscita una testimonianza affidabile da qualcuno attento e vicino. È così che scopriamo che il cappello (spesso emulato) di Joseph Beuys funzionava come un modo per coprire una lastra di metallo nella sua testa, che prima si raffreddava. 

All'inizio, Porter identifica una "sfida" in relazione al modo in cui gli artisti indossano i vestiti, ma potrebbe anche essere considerata "prendersi delle libertà" con materiali, etichetta e status. Ci sono descrizioni di toppe croccanti sul cashmere, tute macchiate di vernice sotto gli abiti Comme des Garçons e la giacca da lavoro Sears e Roebuck opportunamente trapuntata di Agnes Martin, tutte cose che dimostrano un particolare approccio all'idoneità o all'adeguatezza.

C'è un cliché scivoloso secondo cui gli artisti sono migranti di classe. Porter affronta questo problema esaminando alcuni degli abiti degli artisti come indumenti da lavoro, abiti da realizzare, spesso presi in prestito o hackerati da altri lavori. Porter nota il passaggio di Andy Warhol dai pantaloni chino che indossava sempre, ai jeans neri e poi ai blue jeans che erano un collegamento più leggibile alle sue radici della classe operaia e dell'America centrale, così come all'onnipresente abbigliamento da città.

Bill Cunningham, fotografo e cronista della moda a New York, indossava immancabilmente una giacca blu da lavoro dei grandi magazzini francesi BHV. Descritto come "bleu de travail", è stato ritirato per circa 10 euro in un negozio di bricolage a Parigi e ha funzionato come un'uniforme personale - specifica ma insignificante - che ha offerto a Cunningham la possibilità di planare dalle strade alle sfilate mentre documentava quali altri la gente indossava, le comode tasche della giacca piene di pellicole e lenti. Dopo la morte di Cunningham nel 2016, i fotografi si sono riuniti alla settimana della moda di New York indossando le versioni della giacca blu (ora conosciuta come "The Bill") come tributo. Cunningham doveva sapere che sarebbe potuto accadere. 

In Cosa indossano gli artisti, Porter scrive spesso in una lunga ellissi, riportandoci dolcemente a un capo di abbigliamento in un modo che definisce come il suo simbolismo è cambiato. Yves Klein indossa uno smoking mentre un gruppo di donne, alle sue dipendenze, imprime in modo performativo la propria forma del corpo nel suo blu brevettato su tela o su un muro. General Idea aveva parodiato questo in Chiudi il becco (1985), dove vediamo un barboncino imbalsamato piuttosto abietto ricoperto di vernice blu che gira di fronte a una grande X dipinta. Porter prende sul serio la minaccia in lontananza e il segnale di potere dello smoking di Klein - "La sartoria non è neutrale", osserva . Molto più tardi, dopo aver descritto il queering/querying del tailleur maschile di Georgia O'Keefe e Gilbert e George, osserva come David Hammons si unge il proprio corpo vestito, lasciando l'impronta bluastra dei suoi jeans sulla carta.  

Mark Leckey ha parlato di "casual" alla Temple Bar Gallery + Studios alcuni anni fa e del suo film, Fiorucci mi ha reso hardcore (1999), documenta questa forma di abbigliamento, indossata agli eventi del Northern Soul. Per Leckey e i suoi colleghi, l'abbigliamento casual era qualcosa che poteva essere indossato solo dai 'benestanti' e quindi etichette come Fiorucci divennero desiderabili come un modo per ribaltare questo. Charlotte Prodger si preoccupa della possibilità di apparire queer in un ambiente rurale, dove le sfumature di ciò che indossa potrebbero non essere lette. David Hockney descrive come suo padre indossasse un abito decorato con puntini di carta ritagliati. "Mi ha insegnato a non preoccuparmi di quello che pensano i vicini", dice Hockney a Porter, ma se i vicini non l'avessero notato, suo padre potrebbe non averlo fatto, e i successivi esperimenti di Hockney con il vestito potrebbero essere letti come una prova in pubblico, come oltre che estetico, sviluppo.

C'è un momento devastante in cui Porter, per sua stessa ammissione, presume che un paio di mocassini ricoperti di vernice appartengano a Jackson Pollock. Sono di Lee Krasner; I Pollock sono immacolati. In precedenza Porter ci ha detto che suo carriera sofferta a causa di il suo alcolismo e malattie mentali. In questa luce, le scarpe pulite di Pollock sembrano preoccupanti quanto lo smoking di Yves Klein.

Porter tralascia, probabilmente a ragione, alcuni tipi di abbigliamento performativo specifico e scultura indossabile, come i Parangolé Capes di Hélio Oiticica, o le opere performative in tessuto di Franz Erhard Walther. Nemmeno i ragazzi di VALIE EXPORT e il dildo di Lynda Benglis vengono menzionati. Ma queste categorie sono diverse: sono costumi o vere e proprie opere d'arte in sé. Questo progetto copre la pratica quotidiana dell'abbigliamento per gli artisti, dall'abbigliamento da lavoro alle cerimonie di premiazione; tutto parte del lavoro, ma non il lavoro stesso.

Vaari Claffey è un curatore con sede a Dublino.

Nota:

1Donald Winnicott, 'Oggetti transizionali e fenomeni transizionali; uno studio del primo possesso non-me', Il Giornale Internazionale di Psicoanalisi, 1953, 34 (2), pp 89-97.