JENNIFER TROUTON E SIAN COSTELLO PARLANO DEL LORO APPROCCIO ALLA PITTURA E DELLE RISPETTIVE MOSTRE ALLA ORMSTON HOUSE.
Jennifer Trouton: La mia pratica pittorica è informata dal mio interesse per la svalutazione storica delle artiste e dei generi che loro, per mancanza di accesso, sono state costrette ad accettare. Molti anni fa, ho letto una citazione del membro fondatore della Royal Academy of Arts, Sir Joshua Reynolds: "Lasciate che gli uomini si occupino di tutto ciò che ha a che fare con la grande arte... lasciate che le donne si occupino... della pittura di fiori".1 Ciò mi ha spinto verso pittrici come Vanessa Bell, Angelica Kauffman e Rachel Ruysch. Ciò a sua volta mi ha portato a realizzare nature morte contemporanee codificate che narrano la storia delle esperienze vissute dalle donne attraverso gli oggetti e gli spazi che hanno testimoniato le loro vite. Credo che le nostre pratiche abbiano al centro preoccupazioni femministe, ma laddove io esploro spazi e oggetti, tu esplori la forma femminile, riformulandone il ruolo nella storia dell'arte.
Sian Costello: Adoro il modo in cui il tuo uso della natura morta riflette simultaneamente sia l'assenza che la presenza costante delle donne nella storia dell'arte e nella società contemporanea. Uso spesso dipinti del periodo barocco e rococò come materiale di riferimento e sono affascinata dal ruolo della modella dell'artista come collaboratrice ampiamente non accreditata nella creazione di queste acclamate e influenti opere d'arte. Vedo questo come un'estensione della più ampia banalizzazione del lavoro femminile. Nei miei dipinti, uso il mio stesso corpo come modello per rivalutare il lavoro fisico implicato nel mantenere una posa e invertire la consolidata dinamica di potere tra artista, modella e spettatore.
JT: Passo mesi, persino anni, a ricercare e sviluppare le mie immagini prima di avvicinarmi a una tela. Per me, iniziare il dipinto sembra un passaggio finale, poiché la maggior parte del processo decisionale è già stato fatto. Ma guardo il tuo lavoro e percepisco un vero senso di energia e giocosità, il che mi fa pensare che l'atto fisico della pittura sia molto più vicino all'inizio del tuo processo creativo. Le tue pennellate suggeriscono un approccio più intuitivo.
SC: Cerco sempre di dipingere d'istinto. Di solito non sono sicuro di come apparirà il dipinto alla fine, ma piuttosto mi piace il processo di capire come rispondere a ogni nuovo segno tracciato. Costruisco i miei dipinti a strati, da un pastello di base su tela grezza, fino al gesso, e poi la pittura a olio deve essere posizionata strategicamente sulle aree più preparate. È il mio modo di mantenere quell'impulso a dipingere in ogni fase della realizzazione, ma può anche causare un sacco di frustrazione e perdita di tempo. A volte vorrei avere un processo più affidabile, ma in tutta onestà, penso che inizierei a staccarmene non appena lo avessi stabilito!
JT: I titoli sono qualcosa che entrambi concordiamo essere importante nella presentazione del nostro lavoro. Trovo le opere senza titolo frustranti e persino deludenti. Per me, i titoli sono il primo segnale nella lettura di un'immagine. Penso ai miei dipinti come a mappe e i titoli sono indizi da decodificare. Passo molto tempo a considerarli. A volte arrivano all'inizio, nel mezzo o alla fine del processo, ma non sono mai frettolosi o un ripensamento.
SC: Ho iniziato a usare i titoli come un modo per segnalare qualcosa di astratto nelle mie immagini. Mi piace usare i suoni delle parole come un'altra pennellata, uno strato che coinvolge la lingua dell'osservatore e innesca un ricordo, trasportandolo in un posto diverso da quello di fronte al mio dipinto. Ancora meglio se l'effetto è umoristico; ad esempio, la mia serie di dipinti del 2023, "Le Gubbeen", era basata sul dipinto tardo rococò di Jean-Honoré Fragonard, La Gimblette (1770). C'è qualcosa di molto buffo e poco delicato nel formaggio.
JT: Cosa pensi del ruolo della bellezza nel tuo lavoro? Spesso definisco il mio lavoro esteticamente gradevole, ma raramente bello. Ho difficoltà con la bellezza perché è troppo spesso associata alla femminilità e quindi non è vista come una seria preoccupazione artistica. Definire qualcosa come bello può potenzialmente diminuirne la forza e ridurla a un'arte decorativa, cosa che la femminista in me detesta. Creo deliberatamente nature morte attraenti e utilizzo tavolozze di colori che evocano un senso di nostalgia. Questo per attrarre il mio pubblico prima di chiedergli di considerare anche le scomode realtà contenute al suo interno. Il pugno è contenuto nella bellezza.
SC: L'argomento di cui mi occupo è direttamente legato alla ricerca della bellezza nella storia dell'arte figurativa. Mi interessa chi trae vantaggio dalla costruzione della bellezza e cosa succede quando la società si rivolge a ciò che un tempo considerava un apprezzato "buon gusto". Sono particolarmente soddisfatto di un dipinto quando sento che sta barcollando sul bordo tra qualcosa di bello e qualcosa di disgustoso, come la lucentezza di una chioma lucida che, a un esame più attento, appare unta e non lavata.
JT: Come artista sulla cinquantina, sono pienamente consapevole che la mia formazione e i miei primi anni di carriera sono stati elettronicamente diversi dai tuoi. Ero libero dalla ricchezza di informazioni, immagini e opportunità che l'attuale Internet superveloce porta con sé. E non sono sicuro se avrei trovato il mio stile o la mia voce nel contesto di tutto quel rumore esterno. Come artista della Gen Z, in che modo Internet e i social media hanno avuto un impatto sulla tua pratica, nel bene o nel male?
SC: Mi sono laureato all'inizio della pandemia e quindi mi sono sentito particolarmente vulnerabile alle pressioni di dover accontentare un pubblico e stabilire un marchio coerente fin dall'inizio. Detto questo, i social media sono stati molto gentili con me e mi hanno aperto opportunità a cui non avrei mai potuto accedere senza importanti connessioni nel mondo dell'arte nelle grandi città. Ora le cose sembrano più democratiche, ma so che è importante rimanere in contatto con le comunità del mondo reale. Penso che sia la chiave per mantenere qualsiasi tipo di longevità nelle arti dopo il college.
Jennifer Trouton è un'artista che lavora nei Queen Street Studios di Belfast. La sua prossima mostra, "In Plain Sight", si terrà presso The RHA dal 5 settembre al 5 ottobre 2024.
jennifertrouton.com
Sian Costello è un'artista che lavora presso i James Street Artists' Studios di Limerick. La sua recente mostra personale, "Hot Child", è stata presentata all'Ormston House dal 26 luglio al 31 agosto 2024.
@siancostelloart
1 Normanno Bryson, Guardando l'ignorato: quattro saggi sulla pittura di natura morta (Londra: Reaktion Books, 1990)
