Graphic Studio Gallery, Dublino
1 febbraio - 8 marzo 2025
Nella stampa, il La cosa vista – lo strato più visibile – non è ciò che l'artista ha creato. La pittura presenta una versione di questa dicotomia – l'applicazione del colore rivela e nasconde allo stesso tempo – ma nella stampa d'arte, allo spettatore viene negato un incontro diretto con l'oggetto creato, la matrice stessa, e gli viene presentata una sua versione, un riflesso o un'immagine residua, un fantasma materiale. Se insisto su questo punto, è perché in questa mostra a due persone, ciò che è visto direttamente e ciò che è disponibile come indizio o implicazione sembrano entrare in gioco tra le diverse opere d'arte stesse. Questo, e il fatto che l'opera di Tony O'Malley sia terminata (morì nel 2003), mentre l'opera di Maria Atanacković continua come un'attività in corso.
L'astrazione di O'Malley affonda le sue radici nel paesaggio, nella scuola di St. Ives, ad esempio, ma anche in numerosi contemporanei e predecessori irlandesi. La sua terra d'origine era Kilkenny, ma le sue stampe al carborundum hanno titoli esotici come Haria e Isola di Graciosa – Luoghi delle Canarie con visioni soleggiate e relativamente libere del mondo naturale. Le sue superfici stampate su più lastre sono compresse, con diversi gradi di texture e traslucenza, consentendo ai segni sovrapposti di mantenere una parvenza di autonomia all'interno dei loro complessi campi visivi.
Le serigrafie di Atanacković sono piatte. Senza modulazione di tonalità o applicazione, si affidano alla giustapposizione per la loro eccitazione visiva. Un titolo come Intervalli di silenzio suggerisce pensieri di meditazione o spartiti grafici, ma composizioni parallele di strisce di vari colori suggeriscono ugualmente la creazione di trapunte. Atanacković applica il colore con distacco. Non è interessata ai gesti del corpo, ma alla relazione tra le parti. Con un background nel settore tessile e una propensione per l'abbigliamento e altre applicazioni artistiche, la sua complessa metamorfosi suggerisce anche una sorta di utilità estetica, che funziona al meglio in relazione ad altri oggetti.
Rispetto a O'Malley, il suo lavoro sembra più analitico e meno sentito, ma questo è quasi una tautologia, visto che gran parte del suo lavoro avviene attraverso processi meccanici. Due grandi opere su lino teso sono descritte come "stampe reattive". Una novità per me, questo è apparentemente il risultato di file digitali trasferiti sul tessuto e fissati con il calore. Frammenti di un gesto, elementi di forme e colori diversi si affollano nel loro formato ad angolo retto. Il risultato è compositivamente equilibrato, ma sembra che non ci sia molto altro in gioco.
È ingiusto desiderare qualcosa di inaccessibile, ma mi piacerebbe vedere come questa splendida modellistica potrebbe rispondere alla realizzazione in tre dimensioni. Più vicini a questa idea, se non proprio scultorei, gli assemblaggi di compensato a parete, composti da segmenti tagliati e colorati singolarmente, si fondono in formazioni compatte o sbocciano verso l'esterno in composizioni controbilanciate. Costruisci 1 ricorda Jean Arp (anche se la versatile Sophie Taeuber-Arp sembra più pertinente alla pratica complessiva), mentre Barbara Hepworth è venuta in mente in una serie di serigrafie correlate con elementi curvi, che bilanciano cerchi e forme oblunghi in una tensione scultorea.
A O'Malley piaceva lavorare con materiali di scarto, creando oggetti simili a totem con pezzi di legno, chiodi e spago. Spesso simili a rudimentali strumenti musicali, la loro qualità rituale è più evidente in una serie di Venerdì Santo dipinti, realizzati nel giorno omonimo e corredati da analogie appropriate. Per conto del Graphic Studio Dublin, James O'Nolan e James McCreary si recarono regolarmente allo studio Callan di O'Malley alla fine degli anni '1990, dove miscele di pasta di carborundum gli permisero di applicare i suoi metodi pittorici direttamente su lastre di plastica. I risultati furono rivisti a Dublino, con i desideri del pittore interpretati attraverso note di colore e conversazioni. Su alcune lastre di grandi dimensioni, O'Malley lavorò all'aperto in giardino, sostituendo i pennelli con una spazzola più ampia. Firenze II, con ampie pennellate di rosa, arancione e nero, e la sua prospettiva aerea scandita da linee graffianti, è semplicemente splendida. Se l'opera grafica di O'Malley manca in parte della materialità tangibile delle sue opere in pittura e tecniche miste, a ciò si contrappone una luminosità acquisita, la luce del sole che tanto lo affascinava, catturata tra le pieghe della stampa.
Sebbene la mostra ponga l'astrazione come linguaggio condiviso, la tendenza ad astrarre dal paesaggio naturale, o a rivolgersi verso forme universali, è la differenza essenziale. "The Shape of Memory" potrebbe riferirsi al modo in cui gli artisti evocano immagini da stati mentali, ma anche, forse, a come la materia possa richiamare la sua forma precedente dopo i processi tecnologici. Sebbene realizzate in epoche diverse, tutte le stampe qui presenti non sono datate, come a volerle preservare dalla cronologia e dal suo conseguente decadimento. Questa sembra una precauzione superflua, perché nei migliori esempi di incisione ciò che vediamo e ciò che è stato sono ugualmente presenti.
John Graham è un artista e scrittore residente a Dublino.
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