Castello di Rathfarnham, Dublino
14 novembre - 21 dicembre 2019
Arrivare tardi per vedere 'Over Nature' al castello di Rathfarnham significa stabilirsi in una condizione visiva molto particolare, vale a dire quella del silenzio. La prima volta in questa mostra collettiva (a cura di Valeria Ceregini) è un'installazione di Shane Finan. In una sala da pranzo non restaurata, un proiettore proietta riprese video di paesaggi su un dipinto debole e scheletrico che si estende su due grandi tele. Il proiettore è controllato dallo spettatore attraverso un piccolo dispositivo touchscreen, sul quale appare una griglia di opzioni, che mostra simboli geometrici. Ognuna di queste opzioni è collegata a un video separato. Il dipinto – una trasposizione un po' spettrale di William Turner William Segale, Sussex (1794-7) – è a volte quasi sepolto sotto le forti tinte svolazzanti dei video proiettati su di esso. Nelle inquadrature più silenziose, tuttavia, i suoi segni diventano più evidenti e c'è un avanti e indietro di preminenza pittorica, fluttuando tra gli stati di visibilità.
Questa dicotomia ottica è efficace all'inizio, ma presto si esaurisce. Queste immagini fluide si ripetono senza costruire nulla, e sfortunatamente c'è poco introdotto in termini di connessione testuale con cui interagire al di fuori di questa meccanica. Tuttavia, questi particolari raccontano solo metà della storia. Esterna all'opera è la sala da pranzo stessa, non restaurata e avvolta da un profondo e antico silenzio. Gli echi e i riverberi che normalmente porterebbero in un cubo bianco sembrano essere stati inclusi in queste fredde pareti nude. In questo potente silenzio l'opera risuona in qualche modo, ma attraverso mezzi al di fuori del proprio intervento.
Proseguendo, lo spettatore entra nella Galleria Lunga dove è esposta la maggior parte delle opere. Di nuovo, lo spazio così com'è, indipendente da qualsiasi opera d'arte, è potente. Il vuoto silenzioso del precedente spazio abbandonato ha lasciato il posto a un salotto elisabettiano restaurato, ma relativamente intimidatorio. Incastonati nel soffitto decorativo ci sono dieci dipinti di Patrick Touhy, commissionati dall'Ordine dei Gesuiti nel 1913, che raffigurano la vita di Cristo. Scrutano in modo spietato le opere esposte, permeate – come spesso è l'iconografia – di un peso attraverso il non detto.
Louis Haugh presenta un display visivo di un abete su un monitor, incorniciato centralmente e solo leggermente disturbato da una brezza su una collina anonima. Accanto al camino c'è la seconda opera di Haugh: un collage dai bordi frastagliati di stampe alla gelatina d'argento che si uniscono per rappresentare una scena di rami e ramoscelli sparsi. Nel frattempo, i dipinti di Beata Piekarska-Daly, dal titolo Arras io e Arras II (2019), allinea il pavimento e striscia sul muro più lontano. Questi lini tentacolari, saturati con pesanti applicazioni di acrilico, sono allo stesso tempo invitanti ma timbricamente tenui. Accanto a loro è mostrato uno sforzo più misurato e altrettanto decorativo, questa volta con olio e foglia d'oro su tela.
Riflettendo l'importanza dei processi misti nel suo lavoro, Kathy Herbert presenta diverse opere basate sul fiume Dodder in modo essenziale e diretto. Un grande disegno di acqua increspata è drappeggiato davanti a una finestra; un taccuino di processo si trova su un piedistallo; una serie di piccole fiale contenenti campioni d'acqua è esposta su un tavolo e una serie lineare di fotografie digitali cattura le istanze del flusso del fiume. Di fronte a questi, la grafite di alcuni disegni fluviali più piccoli luccica e riflette il sole di novembre. Più in alto su questa parete opposta, le tele astratte di Mary O'Connor tentano di appiattirsi e raffreddarsi con sottili movimenti di blu.
Le nozioni di 'The Antropocene' guidano la mostra, e c'è un richiamo implicito (come affermato nel comunicato stampa della mostra) per il collettivo a cogliere “la formalizzazione materiale del possibile”. Relativamente a questo fine, Herbert, ad esempio, fa specifico riferimento a Félix Guattari's Tre Ecologie come un lavoro formativo nel suo processo. Questo testo presenta un caso delicato riguardo all'"individualità", sostenendo che poiché dipendiamo sempre più da forme di significazione di massa, saremo continuamente e sempre più ridotti a una soggettivazione della passività e della ripetizione. Con l'arte, il tipo di soggettivazione ristretta a cui Guattari fa riferimento prolifera attraverso i soliti tropi che incontriamo, siano essi materiali o concettuali. Considerando poi che come mostra 'Over Nature' cerca di formalizzare nuove possibilità, si potrebbe supporre che questi tropi siano sovvertiti, o almeno messi alla prova, dove e quando sono concepiti. Invece, c'è poco che emerge durante lo spettacolo, formalmente o meno, che possa essere interpretato come efficace se considerato in questa luce. In quanto tale, "Over Nature", nonostante gli sforzi onesti, a volte cade preda del tipo di passività contro cui cerca di mettersi in scena.
Philip Kavanagh è uno scrittore d'arte con sede a Dublino.
Immagine caratteristica: Guillaume Combal, Ubiquità, 2019, videoinstallazione; cortesia dell'artista
