I quadri comandano intrinsecamente attenzione perché sono 'alpha-art' – il massimo dell'arte che l'arte possa essere – proprio lì all'altezza degli occhi, usurpando l'autorità del muro. Non puoi confondere un dipinto con qualcosa di diverso dall'arte; la mano dell'artista è sempre riconoscibile se guardi più da vicino di quanto dovresti. Potresti, tuttavia, scambiare le minuscole sculture di Isabel Nolan alla VOID Gallery per manufatti arrugginiti, dragati dal fondo del fiume Foyle. Oppure potresti persino, come uno dei miei colleghi membri del pubblico al recente Q&A di Nolan con Declan Long, considerare un tavolo di disegni sotto una lastra di vetro qualcosa su cui appoggiare il tuo bicchiere di vino.
I tavoli ricoperti di vetro mostrano i disegni prolifici e apparentemente caotici di Nolan, che si leggono cumulativamente come uno staccato di figure, design grafico, matematica e riflessioni scritte. I disegni di Nolan sono allegorie fitte di schemi e motivi idiosincratici: onde spirografiche si dispiegano da soli arrabbiati; le stelle emergono da oscure macchie di piombo; e le note sono scritte con evidente urgenza intorno ai margini. Sul pavimento al centro di una galleria c'è una teca di vetro, di circa due metri quadrati e alta pochi centimetri, all'interno della quale è disposta una griglia di oggetti d'argilla delle dimensioni di un palmo sopra un tessuto di seta azzurra ondulato. Questi disegni e sculture sono contenuti simbolicamente dalle forme d'onda ritmiche dei dipinti di Nolan attorno alla circonferenza delle gallerie.
Ah Icaro (2022) è montato in alto sopra il livello degli occhi, in cima al passaggio tra gli spazi, come depositato da un'inondazione ormai ritirata. Sta per prendere forma (2022) raffigura viticci simili a mani che gridano in tutte le direzioni sopra uno strato di onde gocciolanti, mentre una forma orbicolare parzialmente occlusa osserva dall'alto. Non posso fare a meno di antropomorfizzare questa scena come un orrore quotidiano dal Mar Mediterraneo o dalla Manica, e chiedermi se il freddo disco nel cielo guardi con compassione o con indifferenza?
La formalità dei dipinti – l'alterigia della loro “pareticità” – è una cifra per localizzare “relitti, jetsam, lagan e derelitti” all'interno dell'opera distintiva di Nolan. Madre del deserto (Santa Paola) e Leone (2022) raffigura la prima "madre del deserto" Santa Paula in una grotta buia nell'angolo in basso a sinistra di un paesaggio roccioso. All'esterno siede un leone che rappresenta San Girolamo, a cui si attribuisce la prima traduzione della Bibbia in latino. Tuttavia, qui, è Paula che lavora sul buon libro nell'oscurità della caverna, non Jerome. Gli storici contemporanei ora attribuiscono a entrambi la traduzione, ma per la maggior parte della storia cristiana, il contributo di Paula è stato, ovviamente, oscurato dalla misoginia. La composizione appiattita di questo dipinto, con figure piccole e semplici su paesaggi alienanti, suggerisce allo stesso tempo Hieronymus Bosch e icone cristiane medievali di lotte solitarie tra santi e peccatori.
Nolan non sta scavando la verità dalla sporcizia della storia dell'arte, né rappresentando la verità in alcun modo discorsivo, ma mettendo a fuoco la sporcizia accumulata sopra di essa. Nolan ha osservato che considera la polvere un materiale bellissimo, una sostanza vista abitare mondi complessi a sé stante, se osservata con un ingrandimento estremo. Considerando questo, potremmo vedere l'evidente bellezza dei dipinti di Nolan come lastre di polvere, di sporcizia distillata, attraverso le quali intravediamo i personaggi sottostanti. Nolan non sta dipingendo magnificamente, o decorando i suoi soggetti con la bellezza, ma piuttosto sta dipingendo la bellezza stessa: oggettivandola, esaminandola, smontandola. Questa intuizione è stata prefigurata nella mostra di Nolan del 2017 alla Douglas Hyde Gallery, "Calling on Gravity", in cui un dipinto raffigura in modo stridente Tony Soprano nella posa di un papa rinascimentale, influenzando un'oscillazione tra il soggetto e l'obiettivo della sua rappresentazione. Scollegando le formalità congiunte della pittura, possiamo iniziare a separare i soggetti dall'autorità conferita loro dall'arte figurativa. O al contrario, come nel caso di Santa Paola, possiamo discernere gli strati di bellissimo aggregato che hanno privato altri della posterità.
Kevin Burns è un artista e scrittore con sede a Derry.
La mostra di Isabel Nolan prosegue al VOID fino al 18 febbraio.
derryvoid.com
