"La fotografia, i fotografi e gli artisti che usano il mezzo sono lì per ricordarci ciò che non vogliamo né sentire né vedere". – Christoph Wiesner, Direttore dei Rencontres d'Arles.
sto camminando lungo un tratto apparentemente infinito di strada polverosa alla periferia di Arles, antica capitale romana della Provenza, in Francia, e sede della 53a edizione di Rencontres d'Arles, un festival annuale di fotografia e arte basata sugli obiettivi che attira migliaia di visitatori ogni anno, che è riconosciuta come una delle piattaforme più rispettate per l'arte fotografica contemporanea (rencontres-arles.com). Il caldo di mezzogiorno sta salendo sull'asfalto, impietoso verso le suole delle mie scarpe, il mio corpo e la mia anima, sciogliendo tutti e tre i componenti in un miscuglio di polvere e sudore.
In primo luogo, sembra del tutto folle aver scelto questa piccola città di provincia nel sud della Francia come luogo in cui vengono presentate al pubblico le ultime tendenze della fotografia contemporanea e dell'arte basata sull'obiettivo. Quale capriccioso desiderio ha guidato questa scelta del luogo – e ancor più stranamente – perché mi affascina così completamente e subito, incoraggiandomi a continuare imperterrito il mio pellegrinaggio? Coprendo il patrimonio edilizio storico della città, le sedi espositive spaziano dall'anfiteatro romano in rovina e dalle chiese medievali graziosamente eleganti ma per lo più inutilizzate alle fondazioni e ai musei d'arte contemporanea all'avanguardia, insieme a capannoni industriali fatiscenti e siti industriali semi-abbandonati del diciannovesimo secolo.
Mi ritrovo nell'oscurità nera come la pece, inghiottito dalle immagini e dai suoni di Vivi il male (2022), un'installazione totale che comprende una serie di opere recenti e inedite dell'artista afroamericano Arthur Jafa. Questa installazione non faceva effettivamente parte dei programmi di Rencontres d'Arles ma coincideva con il festival, essendo stata creata da Jafa appositamente per i due vasti spazi espositivi della LUMA Arles, situati nelle sale post-industriali de La Mécanique Générale e La Grande Halle (luma.org).
Il contrasto doloroso che sperimenta lo spettatore, quando si sposta dal caldo cocente e dalla luce penetrante dell'esterno al vasto spazio cavernoso della Grande Halle, è chiaramente un effetto desiderato che Jafa vuole farci sentire con ogni fibra dei nostri corpi sensoriali, coinvolgendo contemporaneamente il nostro udito, vista, olfatto e tatto. L'installazione multimediale perfettamente allestita è una riflessione antropocenica sulla condizione umana, presentata attraverso le sequenze visive e sonore reinventate che ritraggono l'oscurità in molte potenti iterazioni. Per me, l'effetto più forte è stato ottenuto AGDRA (2021), un'opera interamente digitale che costituisce una tesi unica: la perdita insondabile e il dolore ineffabile alla fine della civiltà come la conosciamo. L'opera è presentata come una gigantesca proiezione di 85 minuti di un paesaggio marino in continuo movimento di rocce nere, che formano onde che si intensificano e si allontanano contro la minacciosa luce rosso intenso del tramonto.
Vengono in mente ovvi paralleli, mentre si sperimenta quello di Jafa Opera d'arte totale, relativo ai processi fotografici, che ruotano attorno alla giustapposizione delle forze opposte e co-dipendenti di chiaro e scuro, bianco e nero. Jafa ci porta magistralmente all'esperienza dell'oscurità come testimonianza dell'estrazione coloniale secolare e dello sfruttamento culturale delle popolazioni nere. Questo è presentato sia come un potente simbolo della fine della natura, raffigurato come rocce inospitali annerite, bruciate, carbonizzate, in contrasto con le nozioni storiche di Terra fertile, abbondante, sempre generosa - il pianeta come lo conosciamo ancora, ma che è stato messo in grave pericolo a causa della catastrofe climatica causata dall'umanità.
Situato al Parc des Atelier, ora parte della moltitudine di spazi espositivi della Fondazione LUMA, "A Feminist Avant-Garde: Photographs and Performances of the 1970s from the Verbund Collection, Vienna", ha offerto una visione molto diversa sulla fotografia come documentazione, presentando archivi materiale che registra la performance come protesta (verbund.com). Perfettamente equilibrata nella sua presentazione e meticolosamente curata in termini di contenuti, questa mostra itinerante internazionale rappresenta le opere basate sull'obiettivo di importanti figure dell'arte femminista. Copre il periodo tra il 1968 e il 1980, quando le proteste e le performance femministe hanno unito le forze nella battaglia per i diritti delle donne, sfidando senza paura l'autorità maschile dimostrando un vero eroismo di fronte al sessismo e all'oppressione secolari.
La collezione comprende oltre 200 opere di 71 artiste, con l'iterazione a Rencontres d'Arles con opere di iconiche attiviste femministe, fotografi e artisti della performance come ORLAN, Lynda Benglis, Karin Mack, VALIE EXPORT, Cindy Sherman, Ana Mendieta, Howardena Pindell e Francesca Woodman, solo per citarne alcuni. La mia attenzione è stata catturata da molte opere straordinarie di artiste incredibilmente coraggiose, molte delle quali sono mie coetanee, che vivono e lavorano in tutto il mondo oggi. Ciò include l'artista scozzese Elaine Shemilt, che ha vissuto e lavorato in Irlanda del Nord durante The Troubles, dove ha messo in scena e documentato le sue opere multimediali. Oggi Shemilt ha una carriera diversificata e straordinariamente agile come accademica (è professoressa di incisione all'Università di Dundee), incisore, fotografa e attivista per il clima (elaineshemilt.co.uk). Una serie di sei fotografie in bianco e nero di Shemilt (risalenti al 1976 circa) mostrano l'artista in piedi contro un muro di mattoni, nudo e legato. La sua testa, polsi e piedi sono segnati sul muro per denotare il profilo del suo corpo, ricordando i contorni di gesso disegnati dalla polizia sulla scena del crimine. In alcune fotografie, Shemilt tiene in mano una lastra di vetro, guardando attraverso di essa, come attraverso uno scudo che può essere usato in difesa.
Le registrazioni di performance dal vivo, molte serie di fotografie e molteplici opere video di artiste rappresentate nella collezione Verbund sono straordinariamente versatili nei loro approcci, ma sono anche coerentemente unite nella loro determinazione a riflettere su un'oppressione continua che si manifesta nel sottomissione delle donne in generale, e delle artiste in particolare, a ruoli feticizzati di dee domestiche, vasi per la gravidanza, foraggio infinito per lo sguardo maschile e consumo capitalista. Indicando la violenza endemica, strutturale e domestica contro le donne, gli artisti in mostra spesso si ritraggono come muti, imbavagliati, trattenuto, legati, vulnerabili e nudi. Sono spesso collocati in ambienti carcerari e spazi claustrofobici, dominati da solide strutture e racchiusi da muri di mattoni.
Questa mostra ha avuto per me una risonanza particolarmente forte, poiché l'opera della collezione Verbund copre il periodo dal 1968, anno in cui sono nato. Questo fu anche l'anno in cui la guerra americana in Vietnam raggiunse il suo apogeo; e quando le truppe sovietiche invasero e occuparono la Cecoslovacchia, a significare così uno spostamento strategico del potere nel contesto della Guerra Fredda. Le opere rappresentate nella collezione continuano fino al 1980 compreso, anno che vide l'invasione dell'Afghanistan da parte dell'esercito sovietico e il culmine dell'escalation del conflitto tra l'America e il blocco comunista. Questi eventi storici risuonano con i violenti conflitti armati a cui assistiamo oggi davanti ai nostri occhi, insieme a disastri ambientali, carenza di cibo e il continuo aumento di ideologie di estrema destra, che stanno reintroducendo il crimine riproduttivo, nel tentativo di recuperare il diritti umani fondamentali e più basilari delle donne sul loro corpo.
Mi sono imbattuto per la prima volta nel Rencontres d'Arles Photography Festival nel 2010, in una località a migliaia di chilometri dal sud della Francia, a Caochangdi PhotoSpring, ad Arles a Pechino. Questo festival gemello è stato avviato grazie alle collaborazioni curatoriali tra Bérénice Angremy di Thinking Hands e RongRong e inri, un duo fotografico sino-giapponese che ha fondato il Three Shadows Photography Art Center, progettato da Ai Weiwei e situato vicino al 798 Art District nel nord di Pechino. Due anni dopo, ho visitato per la prima volta gli attuali Rencontres d'Arles e nel 2013 sono tornato al Three Shadows Photography Arts Center per partecipare a "The New Irish Landscape", la prima mostra di fotografia irlandese contemporanea a Pechino, a cura di di Tanya Kiang (curatrice delle mostre del Photo Museum Ireland) che includeva opere fotografiche di Anthony Haughey, David Farrell e Patrick Hogan.
Lanciato originariamente nel 1970, con il titolo di "Rencontres Photographiques" dal fotografo Lucien Clergue, dal curatore Jean-Maurice Rouquette e dallo scrittore Michel Tournier, Rencontres d'Arles è un festival locale di importanza mondiale a livello cittadino. Riconosciuto e frequentato sia dai professionisti della fotografia che dai dilettanti, il festival annuale mira a rappresentare le ultime tendenze e correnti che fluiscono nella fotografia e nell'arte basata sugli obiettivi, presentando al contempo l'arte fotografica contemporanea all'avanguardia nel contesto della sua storia.
"Inizialmente il festival si è concentrato principalmente sul documentario fotografico Magnum e non sulla pratica artistica critica", osserva Kiang, che negli ultimi 30 anni ha condotto numerose recensioni di portfolio e nominato giovani artisti fotografici per l'annuale Rencontres d'Arles Discovery Award. Aggiunge che il focus del festival e la sua programmazione sono cambiati in modo significativo negli ultimi 50 anni, allontanandosi costantemente da un tipico festival francese, in cui la fotografia era spesso vista come una scusa per presentare immagini di donne sfruttatrici, misogine e sessiste, scattate da uomini – per affrontare temi e preoccupazioni che sono visibili all'interno del più ampio discorso globale nell'arte contemporanea.
In questo senso, l'edizione di quest'anno è straordinariamente post-femminista nei suoi temi, risultati e messaggi. E a differenza di altri eventi chiave nel calendario dell'arte globale, ad esempio la Biennale di Venezia, Art Basel o le fiere d'arte Frieze, con il loro marchio globale e gli imperativi commerciali, Rencontres d'Arles è un evento originale e rinfrescante che offre un romanzo format, a metà strada tra un festival del cinema e una fiera cittadina. Negli ultimi 50 anni, gli artisti presenti al festival includevano Robert Doisneau, William Eggleston, Frank Horvat, Mary Ellen Mark, Frank Capa e Robert Mapplethorpe. Poiché la fotografia stava diventando più strettamente associata all'arte contemporanea, mostre di artisti iconici tra cui David Hockney, Robert Rauschenberg, Sophie Calle e Taryn Simon sono state organizzate ad Arles, con curatori ospiti invitati al festival dal 2004, tra cui Martin Parr, Raymond Depardon , e Nan Goldin, tra gli altri.
Varvara Keidan Shavrova è un artista visivo, curatore, educatore e ricercatore. Lei è attualmente dottorando presso il Royal College of Art. Nata in URSS, vive e lavora tra Londra, Dublino e Berlino. Shavrova presenterà la sua ricerca all'IMMA conferenza internazionale di ricerca, '100 anni di autodeterminazione' (10-12 novembre).
www.varvarasavrova.com
