Presentato al Hayward Gallery tra febbraio e maggio, "Extinction Beckons", è stata una rassegna parziale, anche se intenzionalmente distorta, della pratica di Mike Nelson dalla metà degli anni '1990 ai giorni nostri. Con il suo titolo minaccioso, la mostra ha riconfigurato e reinventato 15 delle opere principali dell'artista e ha incorporato materiali provenienti da varie altre fonti.
Nominato due volte per il premio Turner, Nelson è nato nel 1967, l'anno prima dell'apertura della Hayward Gallery nel 1968. Progettato da Higgs e Hill, il pezzo emblematico dell'architettura brutalista, con il suo cemento grigio a vista, un tempo rappresentava lo stesso ideali crollati del dopoguerra che Nelson spesso scava e complica attraverso la sua pratica scultorea.
Nelson evoca materiali di recupero che hanno da tempo superato la loro funzione iniziale nei regni dell'industria e dell'architettura per costruire installazioni immersive e labirintiche su larga scala che sovvertono e occasionalmente cancellano le aspettative dello spettatore su uno spazio. All'inizio della sua carriera, ha sviluppato sceneggiature ibride, fondendo oscuri argomenti politici e controculturali in finzioni alla Borges, dedotte attraverso installazioni che suggeriscono allo spettatore di occupare uno strano spazio di qualcosa che è accaduto da tempo o che è appena accaduto. Vecchie porte rotte, armature dritte e piegate, resti di cemento gettato, sale d'attesa, pneumatici rotti, barili vuoti, corridoi scricchiolanti, assi del pavimento logore, pezzi di plastica, immagini appannate dal sole, edifici coperti di sabbia, orologi fermi, un edificio ribaltato una sedia accanto a un tavolo della roulette, un bar vuoto e ingranaggi arrugginiti di macchine in disuso, sono solo alcune delle combinazioni e dei materiali ricorrenti che compaiono durante lo studio di Nelson.
Solstizio – dalla serie 'The Asset Stripers', mostrata nelle Duveen Galleries della Tate Britain nel 2019 – è fatto di rastrelli da fieno, cavalletti e travi in acciaio, lastre di cemento e altri materiali che sono stati fusi e appiattiti al punto da rendere incomprensibile la loro funzione originale . Untitled (scultura pubblica per uno spazio ridondante) (2016), che si trovava sotto una delle iconiche scale brutaliste della Hayward Gallery, comprende un sacco a pelo ricoperto di alghe, riempito di mattoni e cemento. Le impronte dei corpi sono ovunque nel lavoro di Nelson, ma le forme umane reali non si vedono da nessuna parte.
Fin dall'inizio della mostra, la familiarità dello spettatore con la galleria è intenzionalmente distorta. Un sorvegliante sta aspettando a una porta; non il solito ingresso nello spazio, piuttosto lo stretto ingresso della vecchia libreria della galleria. Dopo che una serie di istruzioni e avvertimenti sono stati impartiti, nel mio caso, da un sorvegliante estremamente stanco (che forse aveva detto in modo poco convincente la stessa frase, "Benvenuti alla Hayward Gallery", già un paio di migliaia di volte quel giorno), entro in un corridoio, dove la mediazione della galleria spiega che la prima opera in mostra è Io, impostore (2011) – un'opera presentata per la prima volta alla Biennale di Venezia nel 2011. Un ripostiglio è illuminato da una luce rossa che entra da una finestra artificiale; contiene lavori ammucchiati su scaffali di fabbrica decostruiti e il lavoro non è installato nella forma originale. Mi sembra di camminare in un magazzino abbandonato mentre fuori si svolge uno scenario apocalittico.
Stoccaggio, qualcosa in attesa, un momento passato nel tempo; tali temi sono concettualmente in primo piano proprio all'inizio di questa mostra e questo registro permea tutto. Elementi di Io, impostore sono stati riutilizzati anche in altre parti della mostra. La camera oscura illuminata di rosso dell'installazione originale è parzialmente collegata alla spettacolare struttura simile a un bunker di Triple Bluff Canyon (la legnaia), che a sua volta è circondato da barili vuoti di petrolio, una ricostruzione reinventata di quella di Robert Smithson Legnaia parzialmente interrata (1970) – e ricoperto da quaranta tonnellate di sabbia, come se si fosse appena verificata una tempesta di sabbia.
La seconda stanza contiene La Liberazione e La pazienza (2001), una struttura labirintica composta da molti corridoi e stanze. L'opera è stata installata per la prima volta in un vecchio birrificio alla 49a Biennale di Venezia nel 2001. L'opera in sé ricorda molto l'opera di Ilya ed Emilia Kabakov Labirinto (l'album di mia madre) (1990) e l'installazione ampiamente acclamata di Nelson, Barriera corallina, che è stato installato nella Matt's Gallery all'inizio del 2000. Gli spazi distintivi dell'installazione sembrano alludere a finzioni che sono in qualche modo appena al di là della comprensione. Un bar vuoto, una sala d'attesa di un aeroporto, un altare per qualche rituale occulto: ogni stanza è collegata da una paratassi di vecchie porte cigolanti. Tuttavia, nonostante la portata e il calibro spettacolare di queste installazioni immersive, il lavoro si trova a disagio all'interno dell'istituzione della stessa Hayward Gallery.
Ogni pezzo era accompagnato da un sorvegliante e spesso la popolarità della mostra (l'ho visitata diverse volte con i miei studenti) significava che vedere ogni pezzo comportava una lunga coda e dettagliate istruzioni di attesa. Il problema non era l'accodamento ma quello che si incontrava tra le opere. La mostra differiva dalle precedenti iterazioni del lavoro di Nelson in quanto la mediazione istituzionale a volte sembrava incontrollata. È impossibile non pensare ai lavoratori del museo che si incontrano, che snocciolano continuamente sceneggiature o fanno clic sui contatori. La Hayward Gallery, come parte del più ampio Southbank Centre, ha avviato licenziamenti di massa durante la pandemia di Covid-19. Il lavoro precario, le condizioni di vita in declino e l'erosione dei diritti dei lavoratori sono ulteriori implicazioni della fallita promessa utopica smorzata dal modernismo del dopoguerra su cui il lavoro di Nelson dipende così pesantemente. Inavvertitamente ed esplicitamente, la mostra campione d'incassi serve a evidenziare alcune delle complesse disuguaglianze che operano oggi all'interno delle grandi istituzioni artistiche.
Frank Wasser è un artista e scrittore irlandese che vive e lavora a Londra.
