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COLIN DARKE RECENSIONA 'SORRY, NEITHER' E ZANELE MUHOLI ALLA NAUGHTON GALLERY.

Zanele Muholi, Phaphama, a Cassilhaus, North Carolina, 2016, vista dell'installazione 'Somnyama Ngonyama', quadrangolo della Queen's University Belfast, 2021; fotografia di Simon Mills, per gentile concessione della Naughton Gallery. Zanele Muholi, Phaphama, a Cassilhaus, North Carolina, 2016, vista dell'installazione 'Somnyama Ngonyama', quadrangolo della Queen's University Belfast, 2021; fotografia di Simon Mills, per gentile concessione della Naughton Gallery.

La Galleria Naughton, situata alla Queen's University di Belfast, ospita due mostre che incorporano entrambe considerazioni sulla storia e la cultura africane, provenienti da prospettive diverse, ma accomunate da una serie di caratteristiche visive e ideologiche. La prima, "Sorry, Né" (25 maggio - 11 luglio), è una mostra collettiva nella galleria di opere prevalentemente afrofuturiste e la seconda, che viene mostrata in collaborazione con il Belfast Photo Festival, è una notevole selezione di autoritratti dell'attivista visivo e fotografo sudafricano Zanele Muholi (3 giugno – 1 agosto). Questi sono stampati su larga scala e mostrati nei terreni dell'università.

Mi dispiace, neanche

Il movimento artistico e attivista a più livelli Afrofuturism si è sviluppato nel corso di diversi anni, con il jazz di Sun Ra, il funk di George Clinton e i romanzi di fantascienza di Octavia Butler i suoi predecessori. In termini visivi ha sviluppato un'estetica riconoscibile, ma fluida, e il lignaggio di molti dei recenti lavori inclusi in 'Sorry, Né' può essere ricondotto in particolare a Sun Ra, i cui costumi e scenografie evocano il futuro cosmo da cui affermato di aver viaggiato, visto nel film a basso budget del 1974, Lo spazio è il luogo. Il film afrofuturista si è sviluppato considerevolmente da questo inizio piuttosto rudimentale, per esempio, al bellissimo e commovente sacrificio ecologico in un'Africa orientale futuristica nel cortometraggio del 2009, Pumzi, scritto e diretto da Wanuri Kahiu. L'estetica ha raggiunto un vasto pubblico nel blockbuster Marvel del 2018 di Ryan Coogler, Pantera nera.

L'afrofuturismo è un'arte di resistenza, fondata sull'analisi obiettiva e sul ripensamento immaginativo della storia. Sfuma le distinzioni tra passato, presente e futuro per creare nuove realtà che possono evidenziare la natura dell'ingiustizia e dell'oppressione o alternative presenti che le negano. Ciò segna una distinzione dalle (altre) forme di resistenza, che affermano il primato della realtà materiale sulle idee – da quando Marx ha affermato che non è la coscienza che determina l'essere, ma l'essere sociale che determina la coscienza.

I due lati di questa contraddizione ideologica possono, forse, essere riconciliati attraverso la formazione di una strategia che guardi alla nozione di doppia coscienza di WEB Du Bois, per cui gli afroamericani riconoscono che le loro identità possono essere formulate attraverso la destrezza tra la loro africanità e la loro americanità. Come estensione di ciò, il materiale e l'ideale, il tradizionale e il moderno, l'attuale e il potenziale, possono avere un impatto l'uno sull'altro per creare una base dialettica per comprendere le realtà storiche e i potenziali futuri. Questo può a sua volta costituire la base del discorso immaginario, esistente in tutte le forme artistiche (esplorando le verità storiche della schiavitù, del linciaggio, di Jim Crow e ora della crescita del movimento Black Lives Matter di fronte all'omicidio di stato di George Floyd) , creando contemporaneamente nuove diageses futuristiche e postumane in cui la diaspora africana ha forgiato autonomamente le sue realtà.

Il lavoro mostrato in 'Scusa, nessuno' è basato quasi esclusivamente sulla figura umana. Molti si trovano in ambienti futuri o extraterrestri e a volte mostrano segni di caratteristiche fisiche evolute o mutate: nelle opere di Benji Reid e Charlot Kristensen, ad esempio, gli umani hanno acquisito la capacità di volare.

In Gianni Lee's Questo era il tuo futuro ma ti abbiamo deluso (in cui anche il titolo viaggia nel tempo), il personaggio pesantemente truccato ci fissa contemplativamente, con un futuristico paesaggio urbano sul lungomare dietro di loro. Le loro mani sono blu-verdi con unghie dipinte di rosso, emergono da una camicia bianca che si dissolve in pennellate che si sciolgono sul mare. Questo stesso personaggio appare in Cambia il cuore di quell'uomo o uccidilo, ora sfoggia un'armatura decorativa e un'ampia gonna rossa, che di nuovo si scompone in segni gestuali che si fondono con lo sfondo visivamente caotico.

Rickii Ly utilizza il fotomontaggio digitale per creare i suoi "humaliens" ultraterreni, con colli allungati e arie di indifferenza. In un pezzo (Il regalo – Guarda, 2020), una delle immagini più forti dello spettacolo, una madre e una figlia siedono a un tavolo apparecchiato per un semplice pasto a base di pollo e frutta, la cui familiarità è contrastata dalle misteriose sfere in filigrana d'oro poste sulla tovaglia gialla. La verticalità dello sfondo verde della tenda riecheggia l'allungamento del suo collo.

Katia Herrera impiega un'estetica fantascientifica di vecchia data e familiare per affermare la forza e la resistenza delle donne nere, esplorando l'universo con sicurezza e regalità, indossando le sue insegne d'oro e sbarazzandosi degli avversari con i suoi occhi laser.

I ritratti dei reali di Bobby Rogers dalla sua serie fotografica, 'The Blacker the Berry', sono allo stesso tempo belli e disarmante. I loro occhi d'argento potenziati dalla tecnologia, che ci fissano ipnotizzati per trascinarci attraverso le loro quarte mura, sono completati dai loro costumi di tessuti elaborati e ornamenti in oro e gioielli, spazzando via l'eredità criminale di Cecil Rhodes e della storia coloniale europea.

Ancora più elaborata è la serie "Equilibrium" di Luke Nugent e Melissa Simon Hartman, i suoi soggetti drappeggiati in intricate vesti che fondono ancora una volta la tradizione africana con un futuro immaginato.

Somnyama Ngonyama

Questo sguardo onnipresente verso l'esterno è più penetrante e disarmante nello spettacolo di autoritratti di Zanele Muholi, "Somnyama Ngonyama", che si traduce in inglese come "Hail, the Dark Lioness". Ciò è rafforzato dall'esagerazione di Muholi dell'oscurità della loro pelle, che pone i loro occhi nel punto focale di ogni immagine, anche nelle poche in cui guardano di lato. L'artista ci sfida virtualmente a confrontarci sia con il loro volto che con la sua aspra, ma straordinariamente bella, contestualizzazione. Come gran parte del lavoro incluso nel Belfast Photo Festival, il lavoro di Muholi è stampato in grandi dimensioni ed esposto all'esterno, il che in questo caso aumenta in qualche modo l'intimità e il disagio dell'esperienza del pubblico.

Muholi ha esplorato a lungo intersezioni complesse di questioni LGBTQI+ (compresa la propria identità non binaria), lavoro, politica, storia e tradizione. Come hanno detto, "la fotografia per me è sempre prima di tutto uno strumento di attivismo, guidato dall'idea di cambiamento sociale". Un pubblico europeo potrebbe faticare un po' a comprendere appieno il significato all'interno dell'opera, ma lo stesso Muholi ha fornito alcuni indizi. Nello spazio molto limitato a mia disposizione, posso solo toccare queste complessità e incoraggerei a visitare la mostra il più spesso possibile.

Alcuni dei pezzi in mostra, ad esempio, si riferiscono al travaglio e in particolare alla madre di Muholi, Bester. In questi, sono adornati, ad esempio, con mollette da bucato e pagliette. Lo sfruttamento del lavoro domestico nero è stato storicamente un segno molto visibile della supremazia bianca sia nel Sudafrica dell'apartheid che negli Stati Uniti e Muholi mostra che questo è lungi dal diventare un ricordo perduto.

Impiegando un'ulteriore caratterizzazione razzista di vecchia data, nel pezzo intitolato Phaphama (che credo si traduca come "alzarsi" o "svegliarsi"), Muholi indossa la camicia, il papillon e il panciotto (motivo leopardato) del menestrello. La loro espressione è contemporaneamente di tristezza e accusa. Questa combinazione di confronto emotivo diretto con il pubblico e immagini politicamente cariche costringe a una relazione brechtiana, garantendo una critica obiettiva e un'autovalutazione. Il modo in cui il lavoro è presentato, su larga scala e al fresco, migliora questo processo contemplativo.

Colin Darke è un artista multimediale con sede a Belfast.

colindarke.co.uk