MANUELA PACELLA intervista PAUL O'NEILL SULLA SUA PRATICA CURATORIALE E SULLA DIREZIONE ARTISTICA PRESSO IL PUBBLICO DI HELSINKI.
Manuela Pacella: La tua pratica è caratterizzata da molteplici interessi sovrapposti. Sono d'accordo con te che la definizione di 'curatore orientato alla ricerca' può essere piuttosto riduttiva. Unisci i vari filoni della tua ricerca semplicemente come 'il curatoriale' – cosa significa per te questo termine?
Paul O'Neill: Molte discussioni in relazione al "curatore" sono state sviluppate nelle discussioni a metà degli anni 2000: Irit Rogoff ha parlato del curatoriale come di un "pensiero critico" che non ha fretta di incarnarsi, piuttosto si dipana nel tempo ; Maria Lind ha discusso del curatoriale come qualcosa che va oltre ciò che è già noto; Beatrice von Bismarck ha inquadrato il curatoriale come uno spazio continuo di negoziazione; mentre Emily Pethick ha descritto il curatoriale come la possibilità che le cose si uniscano nel processo di realizzazione. Ho trovato importanti queste quattro proposizioni, nell'affermare la mostra come un'azione di ricerca collaborativa. Penso che il curatore esista in tutti gli aspetti del mio lavoro di insegnante, scrittore, ricercatore, organizzatore di mostre, organizzatore di eventi, direttore di organizzazione e così via. Ma sto anche usando il curatoriale come una sorta di termine contestato – non ancora completamente divulgato o costruito – che cattura forme di pratica curatoriale che non necessariamente sfociano in mostre, oggetti o forme materiali. Le mostre possono essere risultati davvero produttivi, ma penso che fare mostre sia solo una parte della costellazione curatoriale.
MP: Forse potresti parlare del tuo prossimo libro, Curare After the Global: roadmap per il presente (a cura di Lucy Steeds, Mick Wilson e Simon Sheikh)?
PO'N: Il libro (in uscita a settembre) è la terza antologia di una serie di pubblicazioni tra il Center for Curatorial Studies, il Bard College, la Luma Foundation e il MIT Press. Il primo libro si chiamava L'enigma curatoriale: cosa studiare? Cosa ricercare? Cosa praticare?; il secondo era Come pensano le istituzioni: tra arte contemporanea e discorso curatoriale, che ha esaminato le pratiche istituzionali di spicco sviluppate a livello globale da organizzazioni artistiche di piccole e medie dimensioni. Questa terza antologia è emersa da un simposio tenutosi alla Luma Foundation di Arles nel 2017. Esamina la relazione dinamica tra politica, curatela, educazione e pratica di ricerca all'interno delle istituzioni, e come queste relazioni reimmaginano l'intersezione tra il locale e il globale, il regionale e nazionale, in un momento di fragilità politica per i diritti umani nel mondo. Il libro affronta la cura rispetto a questa nuova condizione globale, definita da questioni di località, cambiamento geopolitico, riaffermazione degli stati nazionali e inasprimento dei confini nazionali. Delinea iniziative locali che si impegnano con il globale in modi diversi, al di là dei vincoli del nazionalismo, del settarismo o del protezionismo.
MP: L'idea di 'coproduzione' è diventata sempre più importante all'interno della tua pratica. Puoi discutere la logica e le relazioni alla base di alcuni dei tuoi progetti a lungo termine?
PO'N: 'Coalasce' è stato un modello di mostra aperta in cui molti artisti diversi hanno collaborato sotto il tema: "Come possiamo costruire una mostra insieme?" 'Coalesce' è una metafora della mostra come 'paesaggio', che funge da dispositivo strutturante dei tre diversi fondamenti: lo sfondo, che circonda lo spettatore che lo attraversa; la terra di mezzo come luogo in cui lo spettatore può interagire parzialmente con essa (pensando all'illuminazione, ai mobili espositivi, alle etichette da parete, alle sedute, alle vetrine e così via); e il primo piano, essendo ciò che contiene lo spettatore nello spazio di visualizzazione. Gli artisti sono stati incaricati di impegnarsi con una di quelle coordinate speciali. È iniziato con tre artisti nel 2001 al London Print Studio e si è concluso con forse 100 artisti nel 2009 allo SMART Project Space di Amsterdam. È stata una mostra in evoluzione che si è espansa nel tempo, poiché gli artisti hanno invitato altri artisti, creando diversi livelli e fertilizzando diverse posizioni artistiche nel progetto.
Al contrario, nella prima fase di "We are The Center for Curatorial Studies" al Bard College, ciascuno degli artisti invitati (30 in quella fase) è stato invitato a esporre, ricercare e insegnare (ad eccezione di William McKeown, che non è più con noi). In primo luogo, hanno esposto lavori che si potrebbero definire curatoriali, riunendo una costellazione di differenze; tenere lezioni, workshop o seminari con gli studenti del Corso di Laurea Magistrale presso CSS; e condurre ricerche con studenti e personale. Abbiamo esplorato i modi per far emergere la forma espositiva finale in un lungo periodo di tempo, con artisti in visita in diverse fasi. La mostra stessa è diventata un ambiente di insegnamento e apprendimento per gli studenti; ogni fase ha offerto opportunità per imparare a costruire una mostra, lavorare e collaborare con artisti e così via. C'era anche un'altra mostra intitolata 'We are the (Epi)Center' che si è tenuta al P! Galleria a Manhattan. Diversi artisti hanno fatto spettacoli, proiezioni o conferenze lì, oltre a lavorare al Bard College, che è quasi due ore fuori città.
MP: L'evento di chiusura del progetto di scuola libera, 'Our Day Will Come' (2011) presso l'Università della Tasmania, si è tenuto in una discoteca, coinvolgendo un simposio e una discoteca. Come pensi che i due diversi 'pubblici' abbiano percepito queste esperienze?
PO'N: "Our Day Will Come" è stata una risposta a un invito a prendere parte a una serie di progetti di arte pubblica della durata di un mese, a cura di David Cross, chiamata "Iteration Again" a Hobart, in Tasmania. Ho lavorato come artista-curatrice, allestendo la struttura della "scuola libera" del progetto con la curatrice Fiona Lee, e invitando Sarah Pierce, Gareth Long, Mick Wilson, Jem Noble, Rhona Byrne e molti altri a partecipare insieme ad attori locali, agenti e membri della scuola. Ogni settimana del progetto, della durata di un mese, è iniziata con una domanda: cos'è una scuola? (Prima settimana); Che cos'è la lontananza? (Settimana Due); Cos'è l'autonomia? (settimana tre); Che cos'è l'utilità? (Settimana Quattro). Queste quattro richieste hanno strutturato le nostre attività, con una scuola ogni settimana. Il nostro piccolo edificio scolastico è stato allestito in una vecchia sala da tè di operaio, all'interno del cortile centrale dell'Università della Tasmania, dove ha sede la scuola d'arte. Abbiamo lavorato con le attività scolastiche esistenti – dalle classi e laboratori alle cene scolastiche – e abbiamo pubblicato una fanzine scolastica alla fine di ogni settimana, modificata, progettata e stampata con il gruppo in espansione di partecipanti. Abbiamo anche tenuto alcune lezioni formali e una stazione radio scolastica, sviluppata da Garrett Phelan. La discoteca della scuola è stato il progetto finale, formalmente intitolato Morte di un ballerino di discorsi, che giustapponeva due forme discorsive simultanee: il night club e la conferenza. Ciascuno dei relatori della conferenza ha anche deejayed. Mi interessavano questi due diversi tipi di pubblico: uno venuto per il simposio, che ha affrontato il tema della scolarizzazione, della lontananza, dell'autonomia e dell'utilità; l'altro venendo al nightclub, dove la gente poteva semplicemente ballare. Mi interessava molto questo spazio di pubblicità – l'incontro di diverse circoscrizioni in momenti di contestazione. Avevo già realizzato questo progetto al Club One di Cork nel 2005, su invito di Annie Fletcher, Charles Esche e Art/not art. Inizialmente si chiamava "Mingle Mangled, Cork Caucus" e ha funzionato in modo molto efficace, con tutti che hanno abbracciato l'evento. Considerando che a Hobart, c'era un po' più di conflitto o antagonismo, perché molti dei visitatori abituali del club di Hobart non erano così suscettibili di questo incontro di pubblico diverso durante le loro feste notturne.
MP: Il termine 'Pubblici' è diventato sempre più importante per te, anche dopo la tua nomina a Direttore Artistico di Checkpoint Helsinki. Forse potresti discutere di come l'eredità dell'organizzazione e le attività principali hanno informato questa nuova fase?
PO'N: Circa 18 mesi fa, sono stato nominato Direttore Artistico di Checkpoint Helsinki, un'iniziativa nata nel 2013. L'invito era di reimmaginare come Checkpoint Helsinki potrebbe evolversi e svilupparsi in futuro. Checkpoint Helsinki è stata fondata come associazione da un gruppo di artisti e attivisti per resistere al Guggenheim che arrivava a Helsinki. Hanno sviluppato progetti di arte pubblica, conferenze e pubblicazioni e hanno portato curatori e professionisti internazionali a confrontarsi con l'arte finlandese ea esibirsi insieme ad artisti locali. Come organizzazione di attivisti, un'altra priorità era monitorare come vengono prese le decisioni in città, in termini di distribuzione dei fondi alla cultura e alle arti. Alcuni di questi elementi e impegni – come il pensiero critico e sociale, il lavorare insieme e l'essere coinvolti in dibattiti emergenti – sono ancora molto importanti per i PUBBLICI. Ho proposto al consiglio di cambiare il nome in qualcosa di più propositivo e positivo. Il termine 'pubblici' suggerisce una costellazione di pratiche, progetti e produzioni differenti. Ci sono molti diversi gruppi di persone che costituiscono il pubblico, immaginato o astratto, reale o attualizzato. Il pubblico significa cose diverse in diverse parti del mondo e ha implicazioni divergenti per varie discipline, dalla sociologia e l'antropologia, all'arte contemporanea e alla filosofia. Sempre plurale, il termine "pubblico" si sta forse allontanando anche da questo binario di privato e pubblico, suggerendo che tutti gli spazi sono in qualche modo pubblici, mentre si collegano a luoghi e discorsi spazio-temporali contestati in tutto il mondo.
Ora abbiamo uno spazio fisico ed è il sito principale per la PUBLICS Library (progettata dallo studio Julia che ha anche progettato l'identità di PUBLICS). Abbiamo un cartello luminoso appositamente commissionato – chiamato Mangia il ricco (2018) di Liam Gillick – che si trova al di fuori di PUBLICS. Può essere visto quando ci si avvicina allo spazio ed è situato sopra una delle grandi finestre PUBLICS aperte, altamente visibili, a livello della strada, che consentono al passante di avere un'idea di ciò che accade all'interno. PUBLICS è situato in una zona prevalentemente residenziale, tradizionalmente popolare, in un momento di prima gentrificazione. L'Accademia di Belle Arti di Helsinki è a soli dieci minuti a piedi, quindi collaboriamo molto con loro, attraverso l'insegnamento e l'accesso alla biblioteca. La biblioteca – che conta attualmente circa 6,000 pubblicazioni – è unica all'interno della città e forse in Europa, con un focus così specifico sul curatoriale, la pubblicità, l'attivismo e gli spazi in cui la filosofia e il pensiero politico si intersecano con l'arte contemporanea. Colloqui, eventi e spettacoli si svolgono regolarmente presso PUBLICS, spesso in collaborazione con altre organizzazioni della città, a livello regionale e internazionale. La spina dorsale del nostro programma è la commissione e la coproduzione di opere d'arte pubbliche al di fuori degli spazi normativi di gallerie e musei. A volte PUBLICS è uno spazio espositivo, un cinema, una scuola, a volte rimaniamo una biblioteca o uno spazio di aggregazione. In precedenza abbiamo esposto lavori con artisti come Chris Kraus (quando abbiamo installato tutti i suoi film), Harold Offeh, il Karrabing Film Collective, Kathrin Böhm e tenuto proiezioni con Tony Cokes e molti altri - tuttavia, PUBLICS non è principalmente una galleria .
MP: Come pensi che risuoni PUBLICS, sia nel contesto locale della scena artistica finlandese che a livello internazionale?
PO'N: Sta decisamente risuonando in modo significativo nella scena locale. Quando l'abbiamo organizzato, abbiamo fatto molti discorsi pubblici ed eventi ed eravamo sempre pieni. Vogliamo collegare alcune discussioni che stanno già avvenendo in città, con le conversazioni che vogliamo avere sulla disuguaglianza nelle arti e con la discriminazione in tutte le forme. Il nostro obiettivo è cercare di diversificare il pubblico per le arti, il che significa affrontare questioni relative alla politica di genere, alla politica queer e così via. Abbiamo tenuto "sessioni di ascolto" in cui abbiamo riunito persone (che potrebbero conoscersi o meno) per ascoltarsi a vicenda. I nostri eventi "Parahosting" sono stati un altro modo per evidenziare problemi che non erano così ben rappresentati prima di PUBLICS. "Parahosting" può essere qualsiasi cosa, dal lancio di un libro, residenza o performance duratura, a un gruppo di lettura, una conferenza di una settimana o un'installazione pop-up. Parahosting riguarda i PUBBLICI che rinunciano al proprio programma per il lavoro degli altri e per quelle iniziative che hanno bisogno di spazio per praticare e sostenere pubblicamente la realizzazione dei propri progetti. PUBBLICO diventa l'ospite di altre persone, altri corpi e le loro idee; è preso e su molti livelli è preoccupato da loro. Cerchiamo di impegnarci pienamente con la scena locale, operando come una sorta di fulcro per discussioni critiche diverse e pertinenti, ma stiamo anche pensando in modo più ampio alla regione nordica e alla regione baltica. Nel tentativo di "decentrare" Helsinki, stiamo attualmente lavorando a progetti di collaborazione con Index a Stoccolma, il Centro lettone per l'arte contemporanea di Riga e la Biennale di Oslo in Norvegia.
Il nostro obiettivo attuale è la sostenibilità finanziaria e il colmare il divario tra le organizzazioni su piccola scala e le istituzioni più grandi, come i musei, in tutta la città. C'è davvero una cultura basata sui progetti qui, dove le organizzazioni e le iniziative sono finanziate forse per tre o quattro anni, e poi ci sono queste grandi infrastrutture, come Kiasma o HAM, che sono protette oltre a ciò. Nel mezzo, c'è pochissima attività. Stiamo cercando di far crescere la nostra organizzazione in un'organizzazione di media scala, come un modo per sostenere il sistema economico in corso, sostenibile e a lungo termine di sostegno alla cultura e all'arte contemporanea nella città e nella regione. Per 'Today is Our Tomorrow' – un progetto di festival cooperativo annuale avviato da PUBLICS che si svolge a settembre – stiamo cercando di stabilire una metodologia collaborativa in base alla quale diverse organizzazioni possano collaborare per rappresentare la diversità e la differenza. Questo potrebbe finire per essere un sostanziale progetto annuale, come un nuovo modello per lavorare a livello locale e internazionale, al fine di sostenere le organizzazioni su piccola scala.
Manuela Pacella è curatrice e scrittrice freelance con sede a Roma.
Il dottor Paul O'Neill è un curatore, artista, scrittore ed educatore irlandese. È il Direttore Artistico di PUBLICS.
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Immagine caratteristica
Liam Gillick, Mangia il ricco, 2018, lightbox da esterno commissionato da PUBLICS; fotografia di Noora Lehtovuori; per gentile concessione di PUBBLICI.
