ALAN PHELAN NAVIGA LE IDENTITÀ DI GENERE ALLA BIENNALE D'ARTE DI VENEZIA 2019.
La Biennale si è aperta una settimana prima dell'Eurovision. In termini di nazionalismo kitsch e politica sorda, non potrebbe esserci un'analogia migliore. La difficile politica nazionale può essere lavata dall'arte – o la promozione del turismo può avere una presa più forte dell'arte – ma quest'anno queste sono state superate da forti voci femministe o, meglio ancora, da lavori che avevano valori opposti al paese che rappresentavano o al tema curatoriale in cui erano immersi. Il "grande spettacolo" che affronta le "grandi idee" del giorno può facilmente perdere in una città disseminata di centinaia di spettacoli, mostre, progetti e persino artisti performativi che attirano l'attenzione, ma genera molti punti di partenza.
Quando iniziarono a circolare voci sul costo di 30 milioni di euro della barca di migranti sollevata da Christoph Büchel, Barça Nostra, l'artista era riuscito a interpretare la folla dell'arte. Il pettegolezzo ha sostituito l'informazione, seguito da indignazione morale e meme indignati. Alla fine, i fatti sono seguiti in una sfilza di articoli (vedi theartnewspaper.com per una buona panoramica) ma lo spettacolo è stato il vero vincitore. Questo fa parte del retroscena, poiché si collegava direttamente al tema di Rugoff, nonostante nessuno sembrasse capirlo: si trattava di fake news artistiche in azione.
In molti modi, ci sono più di 89 tentativi individuali di mostre standard museali in competizione con la principale mostra a tema biennale che, nonostante abbia solo 79 artisti in questa edizione, è ancora enorme. C'è molto da descrivere, ma c'è già una sfilza di "dieci migliori recensioni" che fanno questo lavoro molto bene. Una semplice ricerca produrrà molti di questi elenchi: posso consigliare artsy.net, domusweb.it, news.artnet.com, così come vogue.co.uk (con un profilo sulle artiste donne alla biennale, in cui include Eva Rothschild , che rappresentava l'Irlanda).
Tuttavia, ciò che generalmente accade, al di fuori dei vincitori e dei favoriti, sono gli schemi casuali che emergono al di fuori del grande piano curatoriale, come la prevalenza quest'anno di lavoro di genere/queer, fantascienza e musica da ballo in tutta la città. Devo confessare che questi fanno parte della mia soggettività, informata dai miei interessi di artista, i risultati del mio filtro interno che cerca di resistere ai pacchetti mediatici invadenti della settimana della stampa.
A volte si ha la sensazione che un'interpretazione errata sia l'unico modo per navigare nel flusso dell'arte. Le folle sono fitte durante la settimana della stampa e gli animi e la pazienza possono essere brevi. Ma poiché questa è arte, alcuni artisti sviano deliberatamente, facendo una cosa, dicendone un'altra e poi pubblicando una serie di idee completamente diversa. A volte per piano, a volte per errore, poiché il gergo del comunicato stampa e del testo sul muro si confonde tra traduzione linguistica, teoria dell'arte e iperbole. Sono richieste molte capacità interpretative. Tuttavia, su labiennale.org si possono trovare brevi descrizioni di tutte le opere, suddivise tra le rappresentanze nazionali e la grande mostra, più i progetti collaterali pay-to-be-the e speciali.
Per le mostre nazionali, molte avranno generalmente impiegato la parte migliore di due anni per essere realizzate e sono, in molti casi, un punto culminante o un apice nella carriera di un artista. Molti avranno un vocabolario visivo avanzato o saranno all'apice della loro popolarità, che ha portato a quella rappresentazione e padiglione nazionale. Buoni esempi da 'Empire Avenue' dei Giardini sarebbero Francia, Gran Bretagna e Germania – rispettivamente Laure Prouvost, Cathy Wilkes e Natascha Sadr Haghighian. Questi tre artisti hanno offerto arrangiamenti emotivi e concettuali di spostamento e perdita, ognuno tracciando percorsi diversi attraverso le identità nazionali nei loro stili distintivi e tutti richiedendo diversi impegni di durata. Provost si è divertito a cambiare il clima; Wilkes faceva il triste domestico e Sadr Haghighian era qualcun altro.
Tra spettacolo e anti-spettacolo, tutte e tre erano presentazioni estremamente sofisticate e sfumate di pratiche ben oliate e tutte e tre mi hanno lasciato contento ma un po' freddo. Sono stato attratto invece dalla musica dance nel padiglione coreano, una colonna sonora hard techno di Siren Eun Young Jung in una stanza sul retro, da un video che mostra quattro personaggi che interpretano genere, disabilità e DJ. Avrebbe dovuto essere banale, ma una modifica visiva e un mix musicale molto curati hanno funzionato. Un'edizione speciale di Harper's Bazaar Korea, come l'edizione speciale della rivista Monopl in Germania, non ha aiutato nessuna delle mie domande interpretative, ma ha agito come un buon promemoria di una cultura merceologica più blanda che sottoscriveva così tanto di ciò che è in mostra a Venezia.
Anche i vicini padiglioni di Svizzera e Spagna, che avevano entrambi gruppi collaborativi, hanno messo in scena una scopata di genere/queer con un tono di danza imbroglione. È difficile "presentarsi come" controcultura in un ambiente così borghese, ma entrambi hanno funzionato per innervosire il pregiudizio eteronormativo che altrimenti domina. Così, quando l'Austria non è riuscita a lasciare il segno della rinascita di un genio femminista, il vicino Brasile ha eccelso nel presentare lo spettacolo più vivace e in qualche modo più autentico. Chiaramente sfidando il governo Bolsonaro, Bárbara Wagner e Benjamin de Burca hanno presentato un'orgogliosa danza di guerra del ghetto transgender, creata "orizzontalmente" con i partecipanti, riappropriandosi delle mosse di Beyoncé per respingere la cultura pop, per possederla e "servirla".
Il pezzo è riuscito con "realtà" in un modo che Shu Lea Cheang di Taiwan non è riuscito a raccogliere. Nonostante una produzione enorme, complessa e super-camp, il lavoro sembrava una interpretazione letterale degli scritti del curatore Paul B. Preciado, incanalando Foucault con una visualizzazione video panopticon in una prigione con fuorilegge sessuale e di genere. Era tagliente ma divertente, ma troppo vicino a testi come Testo drogato. Una versione live del pezzo – con molti degli interpreti, servita con una torta di pene – apparentemente ha avuto più successo, così ha detto un collega che è riuscito ad assisterlo a San Servolo, l'Isola dei Pazzi.
Se negli ultimi anni avessi vissuto tra Londra e Berlino, avresti visto tutto, così ha detto un altro collega. Dato che vivo solo a Dublino, l'Arsenale e il Padiglione Centrale dei Giardini sono un ottimo modo per recuperare il ritardo sulle opere di Arthur Jafa, Kahil Joseph, Hito Steyrl, Teresa Margolles, Nicole Eisenman, Lawrence Abu Hamdan, Rosemarie Trokel e molti altri. Questi lavori sono fin troppo eclettici per essere descritti o discussi qui, ma quelli che si occupano di aspetti della giustizia sociale e della politica di genere erano i più forti. Temi simili si sono verificati con altri artisti attorno a robot, succo di crauti e CGI piagnucolona, ma non hanno funzionato altrettanto bene.
La fantascienza ha operato tra le aspirazioni AI dello spettacolo principale, dal ridicolo rifugiato spaziale Halil Altindere, o il noioso diorama su Marte di Dominique Gonzalez-Foerster, alla sublime Larissa Sansour in Danimarca. E poi c'era Stan Douglas; il suo personaggio quantistico di scambio di identità è andato meglio in un film B squisitamente realizzato, mettendo in discussione con successo la razza nello spazio. Il padiglione messicano potrebbe essere visto come uno squilibrato viaggio nel tempo, una rievocazione epica della Bibbia, ma non era questa l'intenzione dell'artista, Pablo Vargas Lugo. Il lavoro di Larissa Sansour si occupa da tempo di trovare narrazioni fantascientifiche parallele per il conflitto israelo-palestinese, ma il suo film per la Danimarca ha provocato una lunga conversazione online con un amico, che ha sottolineato che il tema dell'eco-disastro era in realtà antisemita e non l'«alterità radicale» proposta dal curatore.
Uno degli ultimi spettacoli che ho visto è stato Charlotte Prodger, che rappresentava la Scozia. Il video di 39 minuti ha avuto un ritmo lento e l'opposto del film di 20 minuti di Laure Prouvost che era una frenesia di modifiche. Entrambe le opere condividono un'autorità di autoconvinzione, quel tipo di autoconvinzione pubblica non ironicamente crivellata di dubbi su se stessi e strutture di diario, probabile umiltà e apparente intimità. Entrambi hanno lasciato che le telecamere girassero intorno alla loro generosità e alle persone e ai luoghi importanti all'interno della loro narrativa. Mi ha ricordato perché la Lituania ha vinto il Leone d'Oro, perché quel lavoro aveva una generosità diversa e decisa. I bagnanti che cantavano in spiaggia erano diretti casualmente, dando l'impressione che si stessero davvero godendo la giornata, cantando del cambiamento climatico e della fine del mondo. Forse è stata la natura collaborativa del pezzo, dalla produzione alla performance, che mi ha riportato all'autenticità della messa in scena che ha funzionato così bene per il Brasile, offrendo una nuova svolta su ciò che può diventare la post-verità.
Alan Phelan è un artista con sede a Dublino. Il suo viaggio a Venezia è stato autofinanziato con accredito stampa organizzato tramite VAI.
Immagine in primo piano
Barbara Wagner e Benjamin del Burka, altalena guerra, 2019; film ancora per gentile concessione degli artisti e della Fundação Bienal de São Paulo.
