JONATHAN CARROLL intervista EVA ROTHSCHILD SULLA RAPPRESENTAZIONE DELL'IRLANDA ALLA 58ESIMA BIENNALE DI VENEZIA.
Jonathan Carroll: La tua biografia è la perfetta antitesi della Brexit: sei nato a Dublino; ha studiato all'Università dell'Ulster, Belfast; vivere a Londra e avere un MA da Goldsmiths; e sei portato a Venezia dalla Void Gallery di Derry, con un curatore di Cork. È il momento giusto per un simile sforzo europeo?
Eva Rothschild: Non eravamo i soli ad essere ansiosi di portare tutto a Venezia prima della data iniziale della Brexit. I padiglioni scozzese, gallese e britannico sono stati tutti installati in anticipo, per evitare qualsiasi difficoltà. Non c'è nulla nello spettacolo che si riferisca direttamente alla Brexit – non faccio lavori che hanno una narrazione in quel modo. È interessante lavorare in Irlanda del Nord durante questo momento cruciale nelle relazioni tra Regno Unito e Irlanda. Vivendo nel Regno Unito, è molto importante per me identificarmi come artista irlandese.
JC: Il processo di selezione per la Biennale di Venezia è molto competitivo e prevede molte collaborazioni tra commissario, curatore e artista. Puoi fornire informazioni su come si è formata la tua squadra?
ER: Volevo fare Venezia da una vita, ma non avevo capito che dovevi fare domanda. Come parte del processo di invito aperto, curatori e commissari nominano gli artisti con cui vogliono lavorare. Mary Cremin e io volevamo lavorare insieme da un po' di tempo, poi è stata nominata direttrice di Void a Derry. Mary è una forza da non sottovalutare: una persona dinamica ma calma che può affrontare qualsiasi cosa e ha un grande bagliore curatoriale. Devi anche assicurarti che ci sia una sorta di supporto istituzionale, per coordinare e fornire strutture per realizzare il progetto. Un grosso problema, ovviamente, è il finanziamento aggiuntivo.1
JC: Uno dei criteri principali dell'Arts Council per gli artisti di Venezia è la capacità di portare la loro pratica a un altro livello – ti è stato chiesto di “pensare in grande”?
ER: Ho quasi 50 anni e lavoro come artista da 25 anni. Immagino che se vuoi che faccia un progetto, sai che probabilmente sarà scultura, anche se non è la stessa cosa che fare una mostra per un piccolo spazio commerciale o fare un progetto architettonico. In ogni caso, prendi in considerazione il contesto della mostra. Mostrare a Venezia è come fare la mostra più pubblica che si possa immaginare. C'è l'aspettativa che il lavoro dimostrerà una scala e un'ambizione non adatte ad altri contesti. Come scultore, ritengo che molta dell'arte contemporanea irlandese riconosciuta a livello internazionale sia piuttosto basata sulla narrativa, o abbia molto a che fare con i media basati sul tempo. Ho sentito che era importante che il mio lavoro rimanesse fedele a un nucleo scultoreo, quindi è così che mi avvicino al padiglione, per enfatizzare l'impegno fisico scultoreo. Vale la pena notare che il padiglione irlandese è situato come una continuazione della principale mostra della Biennale di Venezia – curata quest'anno da Ralph Rugoff – a differenza dei padiglioni nazionali indipendenti situati ai Giardini. È l'unica mostra del mondo dell'arte rimasta organizzata intorno all'identità nazionale. La storia e la longevità della Biennale di Venezia e il posizionamento dei padiglioni riecheggia la struttura coloniale ormai erosa. Il padiglione irlandese è una sorta di sezione 'post-coloniale' – è un buon posto dove stare.
JC: Possiamo aspettarci qualcosa della portata della sua Commissione Duveen del 2009, Angoli Freddi, per la Tate Britain?
ER: Fa parte del linguaggio del mio lavoro, ma ho considerato l'architettura dello spazio e il flusso delle persone. Sono stato avvertito che niente può prepararti per la folla che arriva durante i primi giorni. I quattro principali elementi scultorei che esporrò sono molto esigenti, in termini di requisiti fisici. Questo è uno dei grandi vantaggi di esporre all'Arsenale: non ci sono molti piani a Venezia che possono ospitare blocchi di cemento o sculture pesanti. La posizione non potrebbe essere migliore, in termini di accesso. Questo spazio è anche abbastanza approssimativo e pronto, quindi il lavoro deve essere abbastanza robusto e coerente per affrontare quel tipo di condizioni e reggere il confronto. Il mio lavoro è episodico o composto da più elementi – sebbene tu lo veda organizzato in un modo, dà la possibilità di mostrarlo in modi diversi.
Mi interessa molto il modo in cui le persone vedono una stanza di sculture che è anche popolata da altre persone: danno un senso cinestetico di scala e possibilità in relazione agli oggetti. Abbiamo tutti l'esperienza di andare a queste mostre di successo e di sbirciare sopra la testa delle persone, cercando di intravedere l'opera d'arte rarefatta. Non è una situazione ideale, ma penso che con la scultura, puoi vedere come le persone guardano le cose, come si comportano in relazione all'oggetto e come si organizzano nei loro modi di guardare. Mi interessa il pubblico, soprattutto in una situazione spettacolare come Venezia. Sono molto consapevole che il tempo che le persone dedicano a un'opera d'arte è minuscolo. In questi pochi secondi, c'è la disperazione di trovare la lingua adatta, quindi segue una ricerca per il pannello e il titolo. Per contrastare la tendenza del padiglione irlandese a diventare un corridoio, ho incluso dei posti a sedere nella mostra, per incoraggiare le persone a rimanere un po'. Ho anche aggiunto una sorta di interazione forzata con l'opera, creando delle barriere che intrappolano i visitatori. Non puoi semplicemente passare davanti al lavoro; devi circumnavigarla in qualche modo.
JC: Forse ci sarà una sorta di sollievo per lo spettatore, dopo aver attraversato questa sezione narrativa molto curata, per trovare "roba in una stanza"?
ER: Sì. Gli spettatori avranno incontrato molti spettacoli all'interno dell'Arsenale, quando arriveranno al padiglione irlandese. E questo è ciò a cui si riduce: è "roba in una stanza", roba che non troverai da nessun'altra parte. Penso che quando parli con scultori che sono molto coinvolti nel fare, ci sono molte cose che informano il loro lavoro ma di solito sono sopraffatti dal desiderio di vedere esistere qualcosa, o di costringere il materiale a fare qualcosa. Quindi, c'è la tendenza a mettere l'idea al di sopra dell'oggetto, ma per me l'oggetto è la chiave. Penso che ci sia un tale divorzio dalla materialità ora, che mi sento molto privilegiato ogni giorno ad avere a che fare con "cose" piuttosto che con gli schermi. Schiaccio qualcosa in una scatola, o ho visto qualcosa in due, o faccio uno stampo. Questo è quello che preferirei fare tutto il giorno: mi piace la fisicità, mi piace il senso del lavoro, il senso del lavoro. Se non lo stessi facendo, preferirei fare qualcosa di fisico piuttosto che qualcosa legato alla sedia.
JC: Puoi discutere il significato dei titoli all'interno del tuo lavoro?
ER: Trovo che i titoli siano molto importanti. I titoli indirizzano la parte del cervello che lavora al linguaggio verso la creazione di significato per il visivo. Le persone vedono anche il titolo come una sorta di stampella, quindi penso che sia importante progettare quel supporto. Suppongo di continuare il mio ruolo d'autore attraverso i titoli delle opere. Odio quando le opere sono senza titolo. Nel processo di sviluppo di questa mostra, ho cambiato il titolo di un'opera d'arte, il che era problematico, poiché il saggio in catalogo era già stato modificato. Tuttavia, questo emendamento era importante per me, poiché il lavoro è ora risolto, mentre prima sembrava un po' instabile.
JC: C'è una certa pressione sugli artisti per essere rilevanti per il momento attuale, ma il tuo lavoro mantiene un certo distacco che lo isola da questo bisogno di commentare continuamente il presente. Nel suo comunicato stampa per Venezia si parla di consentire la “contemplazione dell'eredità materiale” delle “civiltà presenti e passate”. È importante per te evitare la specificità temporale nel tuo lavoro?
ER: Una delle cose strane nel fare qualcosa come Venezia è il livello di discussione prima dell'apertura e la spinta a inserire le cose in una serie di argomenti. Queste cose informano il lavoro, in quanto formano la mia visione del mondo, ma il lavoro stesso non è illustrativo di queste cose. Sarei molto del tipo "Contro l'interpretazione" di Susan Sontag. Voglio che il lavoro si liberi da queste cose, ma questo non vuol dire che le mie preoccupazioni non siano le preoccupazioni del lavoro. Di solito non c'è la spinta a trasformare l'opera in una narrazione, come quando si fa qualcosa come la Biennale di Venezia.
JC: Il Padiglione irlandese di solito torna in Irlanda dopo la chiusura della Biennale a fine novembre. Dove verrà mostrato?
ER: Avendo studiato a Belfast, ho un forte legame con l'Irlanda del Nord ed ero molto desideroso di esporre alla Void Gallery di Derry. Poi saremo al VISUAL Carlow e da qualche parte a Dublino – per ora, non abbiamo ancora deciso una sede.
Jonathan Carroll è un curatore e scrittore con sede a Dublino.
Eva Rothschild è un'artista che attualmente vive e lavora a Londra. La 58a Biennale di Venezia si svolgerà dall'11 maggio al 24 novembre 2019.
Note:
1 Eva ha prodotto una serie di stampe e sculture per aiutare a finanziare il progetto finale.
Immagine caratteristica:
Eva Rothschild, 'Kosmos', veduta dell'installazione, Australian Centre for Contemporary Art, Melbourne, 2018; fotografia di Andrew Curtis.
