JOANNE LAWS INTERVISTA A NICK MILLER SULLA SUA PRATICA DI PITTURA E SULLA SUA MOSTRA IN CORSO A LONDRA.
Joanne Laws: Il termine "Encounter Painting" è comunemente associato al tuo lavoro. Immagino che questo si riferisca alle cose che accadono nella tua vita quotidiana e al modo in cui rispondi a loro?
Nick Miller: Non proprio, è più formale di così. Nel 1988, ancora poco più che ventenne, ho avuto una sorta di momento eureka su cosa potesse essere l'arte per me durante una residenza allo zoo di Dublino. Ho ricominciato a disegnare dalla vita, affrontando l'alterità degli animali in cattività. Si trattava di incontrare e trattenere l'energia contenuta attraverso l'atto di disegnare. È coinciso con la mia lettura dello straordinario libro di Martin Buber, Io e te 1. Questo ha aiutato a inquadrare il mio interesse nel cercare di contenere la vita che ho incontrato nella forma materiale dell'arte. Da allora, la mia pratica si è lentamente evoluta fino a creare le condizioni necessarie (in studio o fuori) per incontrare le cose – una persona, un paesaggio o un oggetto – in un ambiente di pratica dove c'è anche la migliore possibilità di fare un dipinto .
JL: Ricordo una sorta di influenza orientale che si manifestava nel tuo lavoro a metà degli anni '90. È stato grazie al tuo impegno con il Tai Chi?
NM: Sì. Seguì direttamente dall'inizio della definizione di quel senso di "pratica", ma era un sistema di apprendimento parallelo. Negli anni '90 ho avuto la fortuna di studiare in America con un amico di Alan Watts, Chungliang Al Huang.2 Un aspetto del suo insegnamento era molto visivo, usando la calligrafia come movimento fisico incarnato. Mi ha permesso di entrare in quel mondo di integrazione del pensiero orientale in una pratica artistica molto radicata in occidente. Potresti ricordare dal mio insegnamento nella stanza della vita di allora, che ero solito convincere le persone a fare movimenti fisici e lavorare sul respiro, per cercare di svegliarsi. Dipingere dal vero è un'attività 'mente-corpo' più letterale: assorbire informazioni dall'esterno, elaborarle internamente e rilasciarle nel materiale della pittura. Il pensiero taoista offre un approccio di tipo non lineare e sferico, in cui il risultato è quasi un fortunato "avanzo" del tuo impegno nella pratica.
JL: Nel tuo impegno con gli archetipi della pittura – paesaggio, ritratto e natura morta – sei alle prese con il mezzo per fare tuo questo territorio?
NM: Sì, suppongo di sì. Cerchiamo tutti di entrare nell'arte e speriamo di trovare qualcosa di autentico. Per la maggior parte del tempo – e lo so, perché ho insegnato all'università d'arte – l'istruzione tende ad appianare le 'sbagliature', in modo che gli artisti possano esibirsi in un 'mondo dell'arte' professionale. Non sono mai stato risolto, quindi ho usato la mia "sbagliatura" per fare il lavoro. Potrei semplicemente dire che sono un pittore di "vita" vecchio stile e lasciarlo così, ma non sarebbe del tutto vero. In un certo senso, non sono così interessato all'arte. Mi interessano – per necessità “l'arte di vivere” – i problemi dell'essere pittore. Contrariamente a me stesso, in realtà ho un amore duraturo per tutti quei generi nella storia dell'arte occidentale. È trovare affermazione nelle opere di artisti molto diversi, nei dipinti che per me sono portali attraverso il tempo – depositi di energia contenuta – che mi assorbono e mi caricano completamente.
JL: I tuoi sitter sono spesso colleghi artisti e amici, come Alice Maher o Janet Mullarney, poi alcuni dei quali sono purtroppo scomparsi, tra cui Barrie Cooke, Anthony Cronin Seán McSweeney e John McGahern. Quando ciò accade, trovi che i loro ritratti assumano quasi una funzione archivistica? Questo lavoro riguarda i posteri?
NM: Non proprio, o non all'inizio. Ho iniziato dipingendo la mia famiglia e i miei amici, nessuno con una vita pubblica. La ritrattistica è il mio primo amore, e ad essa ritorno continuamente come radice di tutto il mio lavoro. L'incontro più emozionante è di un essere umano con l'altro e nella mia personale traiettoria, mi piace tenere qualcosa delle persone che ho incontrato. Dato che mi sono radicato in Irlanda e nella comunità artistica relativamente accessibile qui, il rispetto per quegli artisti, scrittori o chiunque finisca per sedersi per me, è qualcosa che mi piace fare. In verità, mi sento più reale quando dipingo – questo è il meglio di me – connettendomi a loro. Quando le persone muoiono, come tutti noi, suppongo che i dipinti possano diventare un documento storico, ma non posso avere questo come obiettivo: si mette in mezzo. Non sono un archivista.
JL: Laddove "Vessels: Nature Morte" riflette il totale crollo del significato che accade quando qualcuno muore, la tua serie più recente, "Rootless", sembra trascendere la perdita individuale per concentrarsi maggiormente sul collettivo e sulla politica. Puoi parlare dell'evoluzione di questo nuovo lavoro?
NM: La mia ultima serie di nature morte, "Vessels: Nature Morte", ha avuto un nucleo energetico profondamente personale da un lungo progetto di collaborazione nel North West Hospice e dalla parallela scomparsa dei miei genitori. Per me erano l'opposto del “collasso di significato”. Riguardavano gli ultimi istanti di vita e il significato prima che se ne andassero. Dopo quel lavoro, ero un po' perso in studio, desideroso di dialogare, ma incapace di trovare le persone o le conversazioni di cui avevo bisogno. Come molti di noi, stavo cercando di elaborare questo mondo pazzo con cui tutti dobbiamo convivere - il caos politico che sembriamo generare sul pianeta, il caos climatico, la sofferenza migratoria - tutte queste cose che stiamo affrontando . In un periodo abbastanza intenso nel 2017-2018, ho iniziato a elaborare quella mancanza di dialogo a modo mio, nelle tele di grandi dimensioni che sono diventate i dipinti 'Rootless'. Hanno preso una vita propria, affermando l'urgenza della natura. Stavo esplorando il disordine e le possibilità di integrazione in composizioni più complesse, alcune delle quali ho mostrato alla Oliver Sears Gallery di Dublino l'anno scorso, ma attualmente vengono mostrate in modo più completo all'Art Space Gallery di Londra.
JL: Ricordo anche i tuoi 'Truckscapes' con grande affetto. A che punto hai deciso di includere il 'dispositivo visivo' del portale all'interno di quelle composizioni?
NM: I primi due anni nello studio mobile, non riuscivo a trovare un modo per dipingere. Ero davvero fatto, godendomi la folle libertà di essere nel paesaggio, incontrando il mondo rurale in cui vivevo, ma c'era un'insoddisfazione in me – sembravano solo 'quadri' che non avevano bisogno di esistere. Stavo raschiando via la vernice, correggendo le cose e stava iniziando a punteggiare intorno al telaio della portiera del camion. E poi nel 2001, mentre lavoravo a un dipinto di un albero di biancospino nel campo di un vicino, ho rielaborato radicalmente il dipinto per includere l'interno del camion e la porta macchiata di vernice che si affaccia sull'albero, come un ritratto in piedi.3 La mia esperienza è stata definita dalla protezione del camion come studio, della cultura con una porta relativamente stretta verso il mondo infinito della complessità esterno - come una tartaruga nel mio guscio. Mi sono reso conto che questi non erano paesaggi, ma "Truckscapes". Ho iniziato ad adattare la mia pratica di realizzarli nel contesto della vista del camion, ed è così che sono diventati qualcosa di reale per me, come dipinti di terra, alberi o altro.
JL: Molte persone riconoscono la tua tavolozza di colori tenui e organica come peculiare del tuo lavoro. Viene dal vivere nell'ovest dell'Irlanda?
NM: Fondamentalmente sì... È disattivato in modo adattivo, partendo da una tavolozza molto ampia (contrariamente a qualsiasi consiglio che darei a chiunque). Stai cercando di fondere qualcosa in essere, ma il colore viene dalla natura. È qualcosa a che fare con la luce qui. Il mio studio è un magazzino con luci sporche, naturali, dall'alto. Sto cercando di trattenere la vita – non di commemorarla ma di trattenerla nel presente – attraverso una sorta di alchimia. Attraverso l'allenamento, lavoro a un ritmo intenso e sorprendentemente veloce che si adatta al mio temperamento. Ho imparato a metterlo in relazione con la concentrazione nello sport.
JL: Bevi Lucozade Sport mentre dipingi?!
NM: Sto cercando di ridurre l'assunzione di zucchero! Dopo aver iniziato a tennis come primo sport in assoluto a 48 anni dopo una vita di indolenza, ora sta prendendo il sopravvento. Dopo 10 anni di gioco, ho gareggiato per il Connacht a Inter-Provincials, ea quel livello perdo per lo più con stile determinato. La concentrazione necessaria è simile alla pittura: un'attenzione sostenuta, ma su una palla gialla. Adesso nuoto anche ogni mattina nel mare, portando la natura attraverso l'acqua fredda. Sono diventato un tossicodipendente. La mia compagna Noreen lo descrive come il mio trattamento quotidiano di scosse elettriche, che non è lontano dalla verità. Reimposta la mente e il corpo, fino a quando non torno al mio normale io da zombie entro la fine della giornata, recuperando su Netflix o Brexit. La mia sfilata a Londra termina il 29 marzo. Da quando sono nato lì e, dopo 34 anni, sono finalmente diventato cittadino irlandese, mi sembra morbosamente simbolico che il mio spettacolo finisca il giorno della Brexit.
Nick Miller è un artista con sede nella contea di Sligo. La sua mostra, 'Rootless', continua all'Art Space Gallery di Londra, fino al 29 marzo.
nickmiller.ie
artspacegallery.co.uk
Note
1 Martin Buber, Io e te, pubblicato per la prima volta in tedesco nel 1923.
2 Vedi: Alan Watts e Chungliang Al Huang, Tao: la via dei corsi d'acqua (Pantheon: 1975).
3 Whitethorn, vista camion (2000-01), olio su lino. Collezione dell'Irish Museum of Modern Art.
Immagine caratteristica:
Janet Mullarney seduta per Nick Miller nel suo studio nel 2017; fotografia per gentile concessione dell'artista
