AVRIL CORROON intervista KATHY PRENDERGAST NEL SUO STUDIO DI LONDRA.
Katie Prendergast: So che sei qui per intervistarmi, ma puoi parlarmi anche del tuo lavoro? Sono curioso.
Aprile Corroon: Lavoro con un mix piuttosto vario di mezzi, che sono cambiati più frequentemente da quando ho seguito il programma MFA presso Goldsmiths. Il mio ultimo grande progetto, chiamato 'Spoiled Spores', è stato presentato alla The LAB Gallery (14 novembre 2019 – 9 gennaio 2020). Ho preso dei tamponi di muffa da alloggi in affitto, compreso il mio, e ho usato questi campioni per fare circa 30 grandi formaggi artigianali, che ho chiamato dopo gli inquilini partecipanti. Hanno colori, consistenze e profumi individuali e sono corpi piuttosto malati e abietti. Ho anche realizzato un film che documenta la provenienza di queste muffe e il processo di caseificazione, con menu che descrivono canoni di noleggio e liste degli ingredienti, che include la muffa nera.
KP: Wow... La muffa nera è roba molto tossica e pericolosa. Quindi, il cibo è una cosa importante nel tuo lavoro?
AC: A volte. Ho fatto alcuni altri lavori che includono il cibo, ma sono usati per fare riferimento alle dinamiche di classe e alle politiche del lavoro. Per latte-art, ho usato riprese con telecamere nascoste di me che servivo in un bar della galleria, lavorando efficacemente ai margini di un mondo a cui aspiro.
KP: Intendi operare come addetto ai servizi, pur non essendo riconosciuto dal mondo dell'arte?
AC: Sì. Ho documentato le aree cucina, mostrando pratiche dietro le quinte molto comuni, come mangiare gli avanzi perché non sopporti lo spreco di cibo o perché non hai tempo per una pausa adeguata. Sono interessato a quel tipo di tattiche dietro le quinte. Puoi discutere il tuo approccio verso i materiali trovati? Spesso stai alterando la superficie attraverso un sistema di cancellazione: perché?
KP: Più di recente, il mio lavoro si è concentrato sull'utilizzo di atlanti e mappe come materia prima. Negli anni '90, i miei 'City Drawings' erano disegni a matita su carta, trasferiti da mappe di città. Da allora, ho utilizzato veri e propri atlanti e mappe come supporto, lavorando direttamente sulle loro superfici. Come puoi vedere qui sulle mie pareti, al momento sto usando un atlante stradale e penso alle strade come metafora. C'è un atlante stradale del Minnesota di cui sono diventato un po' ossessionato, in particolare le aree pianeggianti e le griglie regolari. Ho appena iniziato a colorarli in diverse configurazioni, per vedere quali diversi modelli possono creare le strade, trovando un sistema per rivelare qualcosa su di noi nel mondo. Sto realizzando un progetto lineare molto lungo chiamato "Road Trip", lavorando su quelle mappe. Ho alcune regole, come evidenziare ogni miglio quadrato con un riempimento nero, che sembra una forma di codifica. Concettualmente mi piace l'idea di un atlante stradale, perché lo porti con te quando viaggi, quindi la mappa percorre le strade che contiene. Penso anche alle impressioni umane che lasciamo sul paesaggio.
AC: Mi chiedevo in che modo l'intensità della politica attuale influisce sul tuo lavoro? Da quello che ho visto, lasci il lavoro abbastanza aperto, in modo che le persone possano dare le proprie interpretazioni. Questo approccio non didattico è importante per te?
KP: Sebbene la politica mi interessi, non vorrei che il mio lavoro fosse visto esclusivamente da un punto di vista politico; più una prospettiva umana. Migrazione, identità, perdita: tutte queste cose mi hanno fortemente influenzato durante la mia carriera. Ho iniziato la serie "Atlas" quando stavo scherzando con Google Earth. La casella degli strumenti in alto mostra le stelle sopra la tua posizione e ho pensato di provarlo su una mappa, bloccando tutto tranne i punti bianchi. Uso una marca particolare di mappe a causa dei loro bordi bianchi che hanno posti adiacenti scritti in rosso – penso molto ai bordi. Quando le mappe sono oscurate e rimangono solo i puntini, mostrano come ci siamo storicamente spostati attraverso gli insediamenti paesaggistici; come una città si evolve e cresce nel tempo. Quelle "stelle" contengono tutta quella storia. Dopo aver realizzato molti Black Mapworks per le pareti, ho deciso di creare un intero atlante che potesse espandersi. Ho realizzato 100 mappe di un atlante automobilistico aperto – che diventano 200 pagine quando le apri – contenente l'intera Europa. Quando vengono visualizzate sui tavoli, le persone possono attraversarle, come se stessero percorrendo queste invisibili strade europee.
AC: Alcuni dei tuoi lavori sembrano risuonare con le attuali ansie riguardo al cambiamento climatico. Ci sono riferimenti a luoghi che potrebbero effettivamente scomparire?
KP: Sì. Ho anche lavorato con luoghi chiamati "Lost", che è un toponimo comune in America, forse chiamato dai pionieri che si sono trasferiti da est a ovest. Avevo anche rielaborato una bussola con scritto 'LOST', invece di NESW. Mi piace l'idea di questo strumento, che vuole aiutarti a trovare la tua strada, facendoti capire che non può. Scrittori come Rebecca Solnit hanno scritto di perdersi e dell'importanza di non sapere dove sei tutto il tempo.
AC: Immagino che questo faccia emergere il tuo lavoro, Fine dell'inizio II (1996)?
KP: ho fatto Fine dell'inizio II a casa. Ricordo di aver chiesto a mia madre: "Posso avere un po' dei tuoi capelli per un lavoro?" Quindi, c'erano i suoi capelli, i miei capelli e i capelli di mio figlio, che probabilmente aveva circa otto mesi all'epoca. È divertente parlare di quel pezzo ora, perché mia madre non è più viva, e mi sento come se quando l'ho fatto funzionare, non ho pensato a quel genere di cose. Ma certamente, quel pezzo parlava di continuità. I suoi capelli sono al centro e quelli di mio figlio all'esterno, quindi in teoria, se ha figli, i loro capelli potrebbero essere aggiunti, così potrebbero continuare per sempre, come con la vita.
C'è un bel po' di mia madre in altri lavori, incluso un pezzo che ho realizzato mentre studiavo all'NCAD chiamato In attesa (1992), che si trova alla Hugh Lane Gallery. A casa avevamo le fotografie di mia madre e mio padre quando avevano vent'anni. Entrambi lavoravano nella Dublin Corporation ed è lì che si sono incontrati. In quei giorni in cui una donna si sposava, non poteva più lavorare. Mia madre era davvero intelligente. Ha ottenuto qualcosa come il decimo posto nel paese nel Leaving Cert ed è stata la prima della sua famiglia a completare l'istruzione secondaria. I suoi genitori non potevano permettersi di mandarla all'università, così è andata a lavorare alla Dublin Corporation. Ha detto che sono stati i tre anni migliori della sua vita. Nella foto, i miei genitori avevano la stessa età che avevo io, quando studiavo in NCAD nel 20. Per me che avevo 1979 anni alla fine degli anni '20, il femminismo era una parte importante del nostro pensiero, ed ero consapevole che il mio la madre finì per fare la casalinga perché non poteva lavorare.
AC: Com'è stato essere incluso in una collezione di un museo mentre era ancora all'università d'arte?
KP: Penso di essere stato molto fortunato. Erano tempi straordinari. Ho realizzato quel pezzo per la mia mostra di laurea NCAD e poi l'ho inserito nella 'Irish Exhibition of Living Art'. Stavo lavorando in RTÉ, facendo formazione come cameraman, e poi ho ricevuto una telefonata dal capo del college, Campbell Bruce. Ha detto: "C'è qualcosa che sta succedendo su quel pezzo - devi chiamarli e dire loro quanto costa, meglio farlo ora". Quindi, li ho chiamati da un telefono pubblico a RTÉ. Non sapevo nemmeno come valutare il lavoro – nessuno lo sapeva a quei tempi – era davvero straordinario, ripensandoci adesso.
AC: Dato che un'ampia discussione sulla scultura irlandese è il tema principale di questo numero, mi chiedevo come ti senti riguardo al fatto che il tuo lavoro venga descritto come "scultura irlandese"?
KP: Mi considero sempre un artista irlandese, anche se ho vissuto qui a Londra più a lungo di quanto abbia vissuto in Irlanda. Sento una certa perdita per il fatto di non vivere in Irlanda, ma ci torno spesso e sono ancora molto legato a molti dei miei coetanei del college a Dublino. Mi chiedo spesso come le organizzazioni di arti visive in Irlanda si sentano riguardo alla diaspora irlandese e quanto siano disposte a riconoscerci come parte della cultura artistica irlandese. Penso che ci sia un vuoto lì.
AC: Il vostro lavoro Mittens mostra gli effetti del decadimento e del passare del tempo, eppure è ancora piuttosto bello.
KP: Quelli Mittens erano emotivamente molto carichi. Sono stati lavorati a maglia da qualcuno e mi sono stati regalati quando è nato uno dei miei figli. Erano così belli che li ho messi via, e quando li ho trovati, erano a malapena tenuti insieme dalle tarme. Quindi, ho scattato una fotografia prima di spostarli, perché si erano disintegrati. Stavo cercando di trattenere una parvenza di loro.
AC: Immagino di essere attratto da questo perché quando ho a che fare con muffe e diversi materiali organici in casa, sto anche osservando come la decomposizione abbia una sua impressione estetica, poiché toglie l'aspetto della cosa che sta rovinando.
KP: Inoltre, c'è un elemento temporale su cui non hai alcun controllo, e anche questo è importante. devo chiedertelo; hai fatto una degustazione di formaggi?
AC: Oh no, sono veleno!
Avril Corroon è un'artista visiva che lavora tra Westmeath e Londra. Attualmente è in residenza presso ACME Studios con il Goldsmiths MFA Award.
avrilcorroon.com
Kathy Prendergast è un'artista irlandese con sede a Londra che ha rappresentato l'Irlanda alla Biennale di Venezia nel 1995, dove ha vinto il Leone d'argento come miglior giovane artista per il suo progetto "City Drawings".
kerlingallery.com
Immagine caratteristica: Katie Prendergast, Atlante 4, SLIGO-BELFAST, 2017, AA Road Atlas of Europe, inchiostro, 30.5 × 43.5 × 1 cm; per gentile concessione dell'artista e della Kerlin Gallery.
