Un amico ha mandato una grande bingo card della Biennale di Venezia mentre partivo per l'aeroporto, e non molto tempo dopo il mio arrivo si stava riempiendo.1 Ci sono schemi che si ripetono ogni due anni a questo spettacolo mostruoso, tensioni tra mercato e finanziamenti pubblici, pubbliche relazioni urlanti e arte vera e propria, con tante disuguaglianze ed eccessi. Il super affollato padiglione austriaco retrò racchiudeva così tante di queste contraddizioni, accompagnate da un catalogo che era più una rivista di mobili che un manifesto, ma stranamente entrambe le cose.2
Come forse avrete sentito, la 59a edizione ha spostato il suo storico squilibrio di genere verso le donne, con un predominio dell'80% nelle mostre dell'Arsenale e del Padiglione Centrale del direttore artistico Cecilia Alemani. Mettere l'accento sulle donne artiste non significa tuttavia che l'agenda curatoriale fosse al di sopra del rimprovero della critica, poiché il lavoro era molto misto a forti sfumature moderniste. Nel frattempo, i padiglioni nazionali curati in modo indipendente non hanno seguito l'esempio e hanno avuto un pareggio a tre più o meno uguale di donne, uomini e mostre collettive.
Le enormi sculture di Simone Leigh hanno dominato e punteggiato tutte le sedi espositive.3 Una delle preferite e vincitrici del Leone d'Oro, la semplicità della forma e del messaggio in queste opere sono esempi complicati di appropriazione culturale con un potenziale decolonizzante. L'enorme sostegno finanziario per realizzare queste sculture contrasta nettamente con i magri budget di alcune nazioni africane e con i progetti di altri artisti indigeni che hanno lottato per la visibilità.
All'interno della strana geografia dei padiglioni nazionali, le nazioni del G7 e non del G20 governano ancora: prevalgono principalmente le ex potenze coloniali e i loro padiglioni. C'è una finta parità di condizioni su cui i Paesi Bassi hanno scelto di agire e hanno dato spazio ai loro Giardini all'Estonia, che non ha un edificio permanente. Il gesto non ha dato i suoi frutti, poiché gli olandesi sono finiti accanto allo spettacolo finanziato dalla Victor Pinchuk Foundation, che ha visto persino il presidente Zelenskyy ingrandirsi per l'apertura.4 Nonostante la propaganda abbia pesato pesantemente su una serie di pratiche e star dell'arte lì, l'adiacente L'installazione del film di Melanie Bonajo è stata resa incredibilmente autoindulgente, nonostante il tocco, l'intimità e la solitudine siano così rilevanti e post-Covid. L'Estonia non è andata molto meglio con un litigio tra artista e curatore, che ha creato uno spettacolo molto confuso.
Più soldi non fanno sempre l'arte migliore, ma i miei padiglioni preferiti erano Francia e Italia (che hanno budget che arrivano a milioni di euro). L'installazione sul set del film e il film biografico di Zineb Sedira contenevano contenuti che trovavo mancanti dai principali spettacoli curati. La sua storia di vita raccontata attraverso il film militante e la cultura della danza underground, ha cambiato stili e tecniche con una densità di buon umore che non avrebbe dovuto funzionare ma ha funzionato brillantemente. Il padiglione French5 era in parte set cinematografico e cinematografico, vestito da soggiorno, bar, deposito di film e altro, dove è stato girato il lavoro. Allo stesso modo la presentazione di Italian5 ha accentuato l'ambiente dell'ex magazzino, trasformandolo in una fabbrica post-industriale abbandonata, con uno strano mix di macchinari ridondanti, tubi dell'aria condizionata, macchine da cucire e un molo scuro e acquoso con lucciole simulate. Anche se è stata una straordinaria installazione immersiva che ti ha fatto indovinare, una volta che ho letto di più sugli sponsor principali come una casa di moda di alta moda e un produttore di superyacht, la narrativa di Gian Maria Tosatti sembrava compromessa e ha reso il lavoro stranamente letterale o complice.
Potrei aver tracciato alcuni collegamenti con la guerra in Ucraina, ma era una catastrofe troppo recente per riflettersi in mostre che erano in preparazione tre anni prima. L'elefante più grande nella stanza non era la scultura di Katharina Fritsch (di un grande elefante nell'atrio d'ingresso del Padiglione Centrale) ma i padiglioni di Germania e Spagna, che hanno avuto lo stesso spettacolo. Entrambi hanno avuto interventi architettonici, risultando in gallerie vuote, e hanno invece fornito guide e mappe della città per visitatori e turisti. La Germania ha mostrato siti di resistenza e monumenti ai caduti e la Spagna ha mostrato luoghi per raccogliere libri gratuiti. Questi gesti anti-spettacolo, radicati in una ricerca dettagliata, hanno portato a cataloghi migliori: una scommessa difficile da fare in un evento come questo.
Tra di loro ai Giardini, ironia della sorte, c'era il vuoto padiglione russo, dal quale si ritiravano curatori e artisti proprio quando la biennale ne vietava la partecipazione. La costante presenza della polizia e dei visitatori che fotografano l'edificio chiuso hanno purtroppo creato qualcosa dal nulla. Ho assistito a una ripresa molto dinamica di un addetto alle pulizie con una carriola di sacchi della spazzatura, che senza dubbio ha fatto una sorta di dichiarazione su un feed di social media. Di fronte c'era il Padiglione nordico, che è diventato temporaneamente il Padiglione Sámi, popolato per i giorni della stampa da molte persone allegre e vestite etnicamente. La partecipazione piuttosto che la presentazione sembravano fondamentali qui poiché le opere d'arte sono apparse accessorie a questo grande gesto delle nazioni nordiche, che condividono questa popolazione e cultura indigena. L'Australia e la Nuova Zelanda hanno avuto forti riconoscimenti e contenuti indigeni, offrendo una gradita esplosione di suoni, strobo e camp.
In un'era di arte post-internet favorevole a Instagram, le opere migliori erano sorprendentemente non fotografabili. Lo spettatore doveva essere fisicamente presente per sperimentare il lavoro. Una serie di laser e prismi hanno proiettato del testo su nastro adesivo attraverso l'intero interno del padiglione giapponese dal collettivo Dumb Type, facendo lampeggiare parole e punti, rendendolo super difficile da leggere e impossibile da catturare.
Le principali mostre curate hanno offerto molte opere con dettagli di alta fattura a volte travolgenti ma per lo più esasperati. Il labirinto di opere aveva un'enfasi sulla realizzazione, con un frastuono di narrazioni moderniste che ho trovato difficile da analizzare con l'arte e il pensiero contemporanei. Ciò che aveva un senso meraviglioso dopo la lunga passeggiata attraverso l'Arsenale era il padiglione irlandese di Niamh O'Malley.6 Fu qui che il lavoro artigianale, elegante e scarno mi parlò più dello spettacolo principale massimalista. Le opere hanno una raffinatezza diversa, assente altrove che rifiutava anche l'abietto. La mostra di O'Malley ha colpito le note giuste, collegandosi meglio di quanto la curatrice della Biennale potesse articolare nelle sue selezioni.
Alan Phelan è un artista che vive e lavora a Dublino. Il suo viaggio a Venezia è stato autofinanziato con l'accredito stampa fornito dal VAI.
www.alanphelan.com
Note:
1 Vedi: hyperallergic.com/725426/venice-biennale-bingo-card
2 Austria (biennalekneblscheirl.at)
3 Stati Uniti (simoneleighvenice2022.org)
4 Vedi: new.pinchukartcentre.org/thisisukraine
5 Italia (notteecomete.it)
6 Irlanda (irelandatvenice2022.ie)
