JOANNE LAWS INTERVIEWS ELIZABETH MAGILL OVER HAAR SCHILDERPRAKTIJK.
Joanne Laws: Kun je je studioomgeving en je schilderroutine beschrijven?
Elizabeth Magill: Mijn studio bevindt zich in een complex met andere kunstenaars dat wordt gerund door de organisatie ACME in Oost-Londen. Het is een witte kubus van 700 vierkante meter met licht dat vanuit het zuiden binnenkomt en uitkijkt op Mill Row, een smalle straat met eenrichtingsverkeer in de schaduw van een vier verdiepingen tellend flatgebouw van bruine baksteen en grijs beton, gebouwd in de jaren zeventig. Ik ben hier al heel lang, dus ik ben aan dit uitzicht gewend. Ik hou van de visuele interferentie op laag niveau. Ik heb ook een kleinere werkruimte aan de kust van Antrim, maar als ik daar ben, lijk ik alleen maar te staren naar het prachtige uitzicht over de zee. Mijn routine is met tussenpozen, omdat ik vaak rondloop om andere dingen te doen. Ik heb in het verleden meer korte studioperiodes gehad, toen ik minstens zes dagen per week werkte, soms de hele dag en tot diep in de nacht, maar dit ben ik niet meer.
JL: Ik heb ergens gelezen dat je jezelf niet per se een landschapsschilder noemt en toch is een levenslange toewijding aan het landschap duidelijk in je werk. Op welke nationale landschappen tekent u, indien van toepassing?
EM: Ik ben gefascineerd door het genre landschap als een manier om de taal van de kunst te verkennen, de mogelijkheden van de schilderkunst en ideeën rondom persoonlijke biografie. Voor mij biedt het een ruimte om na te denken over het grotere geheel en wat het betekent om deel uit te maken van deze wereld. Het landschap dat in mijn werk voorkomt, is grotendeels afkomstig van de geografische kenmerken rond de Glens of Antrim, waar ik ben opgegroeid. Dit lijkt me een soort visuele achtergrond te hebben geboden. Deze specifieke hoek van Ierland is landschappelijk gezien erg mooi, maar de geschiedenis daar lijkt vaak haaks te staan op, of in conflict te zijn met, deze natuurlijke schoonheid. De wijlen, grote John Berger schreef in zijn laatste publicatie, Landscapes: John Berger on Art : "Soms lijkt een landschap minder een decor voor het leven van zijn bewoners dan een gordijn waarachter hun worstelingen, prestaties en ongelukken zich afspelen... oriëntatiepunten zijn niet langer alleen geografisch, maar ook biografisch en persoonlijk."
JL: Welke aspecten van de traditionele landschapsschilderkunst interesseren je het meest?
EM: Er zijn veel kunstenaars die ik bewonder die specifiek in deze meer 'traditionele' categorie landschapsschilderkunst vallen. Om er een paar te noemen, zou ik Van Gogh, Cezanne, Turner, Courbet, Munch, Balka, Constable, Whistler, Corot en vele negentiende-eeuwse Russische kunstenaars, vooral Levitan, noemen. Ik hou ook erg van de landschapsschilderijen van Kurt Schwitters, toen hij op het Noorse platteland woonde nadat hij nazi-Duitsland was ontvlucht. Hedendaagse kunstenaars die ik leuk vind, wiens schilderijen ook landschappen belichamen, zijn onder meer Per Kirkeby, Gerhard Richter, Ed Ruscha, Richard Long, Peter Doig en Chris Ofili, misschien wel het vroege werk van Keifer, Mamma Andersson en Neo Rauch. Maar ik ben net zo geïnteresseerd in fotografen, vooral Annelies Strba, Thomas Struth en sommige Victorianen zoals Henry Peach Robinson, Oscar Gustave Rejlander en Clementina Hawarden.
JL: Literatuur, met name Ierse literatuur, is een kunstvorm die in de loop van de tijd met de complexiteit van het landschap heeft geworsteld. Heeft dit überhaupt invloed op je werk?
EM: Met mijn fotografische en grafische interesses, en mijn gebruik van verschillende media, probeer ik een gevoel van hybriditeit in mijn werk te creëren, zodat het niet gemakkelijk in één discours kan worden opgenomen. Experimentele modernistische Ierse schrijvers Beckett en Joyce hebben mijn denken enorm beïnvloed met hun ongelooflijke talent om de structuur van hun verhalen vast te houden terwijl ze ze schijnbaar in de lucht gooien. Het is dit zelfvertrouwen met taal, vermengd met een gezonde minachting en liefde voor het medium, dat ik probeer na te streven. Andere boeken die mijn denken hebben verrijkt, met name in relatie tot landschap, kunnen worden omschreven als semi-omzwervingen of journalistieke observaties.
I Crossed the Minch van Louis MacNeice was een reisboek in opdracht dat hij schreef in de lente en zomer van 1937 tijdens een bezoek aan de Westelijke Eilanden van Schotland. Het bleek een nogal oneerbiedige trip te zijn. In contrast met de fysieke en emotionele moeilijkheden die MacNeice ondervond, sluit hij zijn boek af met een ongelooflijk ontroerend gedicht, On Those Islands , dat de ontberingen die hij ervoer transformeert in een diepgaande weergave van een volk en hun bijna verdwenen cultuur aan de waterkant. Landscape and Memory van Simon Schama, Wildwood: A Journey Through Trees van Roger Deakins en The Rings of Saturn van WG Sebald hebben ook betrekking op reizen, zowel geografisch als mentaal. Ik heb ook genoten van Heart of Darkness van Joseph Conrad, In Cold Blood van Truman Capotes , In the Heart of the Country van JM Coetzee , Wise Blood van Flannery O'Connor en Sea Room van Adam Nicholson . Ik vind het mooi hoe deze schrijvers een sterk gevoel van plaats creëren, de lezer op een suggestieve maar stevige manier in een andere wereld verankeren.
JL: Je landschapsschilderijen bevatten voor mij vaak verrassende, onnatuurlijke of zelfs bovennatuurlijke elementen: een onheilspellende gloed, een impliciete explosie of verdwaalde componenten zoals een synthetisch gekleurde boom. Heb je het gevoel dat je probeert de rust (en historische bagage) van de pastorale scene te ondermijnen of ervan af te komen?
EM: De opzienbarende of bovennatuurlijke elementen waarnaar je verwijst, zijn misschien gewoon een teken van temperament. Ik weet het niet zeker. Ik denk dat ik me aangetrokken voel tot contrasterende elementen en cruciale momenten van de dag, zoals zonsopgang of zonsondergang, waar de een gemakkelijk in de ander kan overgaan; de duisternis die het licht dreigt te verteren, of omgekeerd. Voor mij zorgt dit voor een soort visuele wrijving of het potentieel voor gebeurtenissen om zich te ontvouwen. Het lijkt mij dat, als de avond valt, de lucht er vaak zo helder uitziet, in schril contrast met de duisternis van het land. Het is altijd een echte strijd voor mij om mijn werk op een plek te brengen die volledig resoneert met hoe ik me voel, denk en de wereld interpreteer. Ik probeer een percussie te creëren van verschillende elementen die naast elkaar bestaan. Ik hou ervan dat het voltooide werk op de een of andere manier open lijkt voor mogelijkheden, maar ook eindig.
JL: Sommige van uw recente schilderijen hebben een bijna batikachtige kwaliteit, waarbij de oppervlakken lijken op gebarsten was, terwijl andere werken gebruikmaken van prentkunst. Hoe benader je als schilder het oppervlak?
EM: Het oppervlak van het werk is iets dat visuele aandacht en misschien betekenis kan vasthouden. De textuur is een volledig geïntegreerd onderdeel van het schilderij en toch een apart ding op zich. Het wordt bereikt door een opeenhoping van verdunde olieverf en het maken van markeringen, vaak gedurende vele maanden, soms jaren, totdat ik een gevoel van plaats of iets semi-geloofwaardigs bereik om mee verder te werken. Het canvas voelt nooit compleet totdat deze oppervlaktekwaliteit een visuele entiteit op zich wordt. Met recente werken heb ik een ander type oppervlak gecreëerd door zeefdruk op het beschilderde doek te gebruiken. Met deze introductie heb ik directe manieren gevonden om mijn foto's in het geschilderde gebied op te nemen. Hierdoor ontstaat er een dialoog tussen schilderkunst en het fotografische beeld of vervaagt de grens tussen beide genres.
JL: Architectuur en figuren worden zelden afgebeeld in je landschappen. Is dit een bewuste focus op de ontzagwekkende uitgestrektheid van de natuur buiten een meer gehumaniseerde schaal?
EM: Hoewel mijn werk als onbewoond wordt beschouwd, komen er vaak figuren en gebouwen in voor. Ik probeer met deze elementen te werken op een manier dat ze niet te dominant worden. Ik merk dat als een door mensen gemaakte structuur of figuur de belangrijkste focus van de aandacht is, het algehele werk in gevaar kan komen, waardoor het landschap ondergeschikt wordt of een achtergrond vormt voor een impliciet verhaal. Een aantal jaren geleden bezocht ik echter de ateliergebouwen die Henry Moore had gebouwd in het dorp Much Hadham in Hertfordshire, Engeland, plaatselijk bekend als 'Hogsland'. Ik vind ateliers als centra waar gedachten en kunst zich intern kunnen vormen. Misschien is er in het hoofd van een kunstenaar wel een 'atelier' van gedachten dat constant in bedrijf is. In 2016 voltooide ik een schilderij getiteld Hogsland , waarbij ik de structuur van Moores ateliergebouw in het midden van mijn doek plaatste als een centrum van ideeën. Deze gedachtegang heeft ook invloed gehad op de titel van mijn aankomende reizende tentoonstelling 'Headland'. Een landtong is een geografisch herkenningspunt (vaak van een afstand te zien) dat voor mij ook de mentale processen vertegenwoordigt die zich in iemands geest afspelen.
Elizabeth Magill is geboren in Canada, opgegroeid in het noorden van Ierland en woont in Londen. Ze wordt vertegenwoordigd door Anthony Wilkinson, Londen, en de Kerlin Gallery, Dublin.
Magills solotentoonstelling, 'Headland', wordt samengesteld en bezocht door Limerick City Gallery of Art (LCGA) in samenwerking met de RHA, Dublin, en het Ulster Museum, Belfast. Het project werd ondersteund door het Touring and Dissemination of Work Scheme van de Arts Council. De tentoonstelling gaat op 8 september 2017 van start bij LCGA, met een inleiding door Dr. Barbara Dawson, directeur van de Hugh Lane Gallery, Dublin. De tentoonstelling is vervolgens vanaf 18 januari 2018 te zien in het RHA en vanaf mei 2018 in het Ulster Museum. De kunstenaar gaat op zaterdag 9 september om 12 uur in gesprek met Stephen Snoddy in LCGA.
Gebruikte afbeeldingen: Elizabeth Magill, Headland , 2016–17, olieverf en zeefdruk op canvas; afbeelding met dank aan Hugo Glendinning en de kunstenaar. Elizabeth Magill, Along , 2016–17; afbeelding met dank aan de Wilkinson Gallery en de kunstenaar.
