JENNIFER TROUTON EN SIAN COSTELLO BESPREKEN HUN BENADERING VAN DE SCHILDERKUNST EN HUN RESPECTIEVE TENTOONSTELLINGEN IN ORMSTON HOUSE.
Jennifer Trouton: Mijn schilderpraktijk is gebaseerd op mijn interesse in de historische devaluatie van vrouwelijke kunstenaars en de genres die zij, door gebrek aan toegang, gedwongen werden te accepteren. Vele jaren geleden las ik een citaat van oprichter van de Royal Academy of Arts, Sir Joshua Reynolds: "Laat mannen zich bezighouden met alles wat met grote kunst te maken heeft... laat vrouwen zich bezighouden met... het schilderen van bloemen."1 Dit bracht mij in de richting van vrouwelijke schilders als Vanessa Bell, Angelica Kauffman en Rachel Ruysch. Dit leidde er vervolgens toe dat ik gecodeerde hedendaagse stillevens maakte die de geschiedenis van de levenservaringen van vrouwen vertellen via de objecten en ruimtes die getuigen van hun levens. Ik geloof dat onze praktijken feministische zorgen in hun kern hebben, maar waar ik ruimtes en objecten verken, verken jij de vrouwelijke vorm en herkader je haar rol in de kunstgeschiedenis.
Sian Costello: Ik vind het geweldig hoe jouw gebruik van het stilleven tegelijkertijd reflecteert op zowel de afwezigheid als de alomtegenwoordigheid van vrouwen in de kunstgeschiedenis en de hedendaagse maatschappij. Ik gebruik regelmatig schilderijen uit de barok- en rococoperiode als referentiemateriaal en ben gefascineerd door de rol van het model van de kunstenaar als een veelal niet-gecrediteerde medewerker bij het creëren van deze geprezen en invloedrijke kunstwerken. Ik zie dit als een uitbreiding van de bredere trivialisering van vrouwelijke arbeid. In mijn schilderijen gebruik ik mijn eigen lichaam als model om het fysieke werk dat nodig is om een pose te behouden opnieuw te beoordelen en de gevestigde machtsdynamiek tussen kunstenaar, model en kijker om te keren.
JT: Ik besteed maanden, zelfs jaren, aan het onderzoeken en ontwikkelen van mijn beelden voordat ik aan een doek begin. Voor mij voelt het beginnen met schilderen als een laatste stap, omdat de meeste beslissingen al zijn genomen. Maar als ik naar je werk kijk, krijg ik een echt gevoel van energie en speelsheid, waardoor ik denk dat de fysieke handeling van het schilderen veel dichter bij het begin van je creatieve proces staat. Je penseelstreken suggereren een meer intuïtieve benadering.
SC: Ik probeer altijd vanuit mijn gevoel te schilderen. Ik weet meestal niet hoe het schilderij er uiteindelijk uit gaat zien, maar ik geniet meer van het proces om erachter te komen hoe ik moet reageren op elk nieuw aangebracht teken. Ik bouw mijn schilderijen op in lagen, van een pasteltekening op ruw canvas, tot aan de gesso, en dan moet de olieverf strategisch worden aangebracht op de meer geprepareerde delen. Het is mijn manier om die impuls vast te houden om door elke fase van het maken heen te schilderen, maar het kan ook resulteren in een hoop frustratie en verloren tijd. Soms wou ik dat ik een betrouwbaarder proces had, maar eerlijk gezegd denk ik dat ik er zo snel mogelijk vanaf zou stappen als ik het eenmaal onder de knie heb!
JT: Titels zijn iets waar we het allebei over eens zijn dat ze belangrijk zijn in de presentatie van ons werk. Ik vind titelloze werken frustrerend en zelfs teleurstellend. Voor mij zijn titels de eerste wegwijzer bij het lezen van een afbeelding. Ik zie mijn schilderijen als kaarten en de titels zijn aanwijzingen die gedecodeerd moeten worden. Ik besteed er veel tijd aan om erover na te denken. Soms komen ze aan het begin, het midden of het einde van het proces, maar ze worden nooit overhaast of als een bijzaak beschouwd.
SC: Ik ben titels gaan gebruiken om iets abstracts in mijn beeldtaal te signaleren. Ik gebruik de klanken van de woorden graag als een andere penseelstreek, een laag die de tong van de kijker aanspreekt en een herinnering oproept, en ze naar een andere plek transporteert dan voor mijn schilderij. Des te beter als het effect humoristisch is; mijn schilderijenserie uit 2023, 'Le Gubbeen', was bijvoorbeeld gebaseerd op het laat-rococoschilderij van Jean-Honoré Fragonard, De Gimblette (1770). Er is iets heel grappigs en onfatsoenlijks aan kaas.
JT: Wat vind je van de rol van schoonheid in je werk? Ik noem mijn werk vaak esthetisch aantrekkelijk, maar zelden mooi. Ik worstel met schoonheid omdat het te vaak wordt gekoppeld aan vrouwelijkheid en dus niet wordt gezien als een serieuze artistieke zorg. Iets mooi noemen kan de kracht ervan verminderen en het reduceren tot een decoratief ambacht, waar de feminist in mij een hekel aan heeft. Ik maak opzettelijk aantrekkelijke stillevens en gebruik kleurenpaletten die een gevoel van nostalgie oproepen. Dit is om mijn publiek te betrekken voordat ik ze vraag om ook de ongemakkelijke realiteiten die erin besloten liggen te overwegen. De kracht zit in de schoonheid.
SC: Het onderwerp waar ik mee bezig ben, heeft direct te maken met het streven naar schoonheid in de geschiedenis van figuratieve kunst. Ik ben geïnteresseerd in wie profiteert van de constructie van schoonheid, en wat er gebeurt als de maatschappij zich keert tegen wat ze ooit beschouwde als 'goede smaak'. Ik ben vooral blij met een schilderij als ik het gevoel heb dat het balanceert op de rand van iets moois en iets walgelijks, zoals de glans op een glanzende bos haar, die bij nadere inspectie vettig en ongewassen lijkt.
JT: Als kunstenaar in de vijftig ben ik me er terdege van bewust dat mijn opleiding en vroege carrière elektronisch anders waren dan die van jou. Ik werd niet belast door de overvloed aan informatie, beelden en mogelijkheden die het supersnelle internet van vandaag de dag met zich meebrengt. En ik weet niet zeker of ik mijn eigen stijl of stem had gevonden in de context van al dat externe lawaai. Hoe hebben internet en sociale media als Gen Z-kunstenaar je praktijk beïnvloed, ten goede of ten kwade?
SC: Ik studeerde af aan het begin van de pandemie en voelde me daarom bijzonder kwetsbaar voor de druk om een publiek tevreden te stellen en al vroeg een consistent merk op te bouwen. Dat gezegd hebbende, sociale media zijn erg aardig voor me geweest en hebben kansen geopend die ik nooit had kunnen benutten zonder belangrijke connecties in de kunstwereld in grote steden. Dingen voelen nu democratischer aan, maar ik weet dat het belangrijk is om verbonden te blijven met echte gemeenschappen. Ik denk dat dat de sleutel is om na de universiteit een lang leven in de kunst te behouden.
Jennifer Trouton is een kunstenaar gevestigd in Queen Street Studios in Belfast. Haar aankomende tentoonstelling, 'In Plain Sight', zal te zien zijn in The RHA van 5 september tot 5 oktober 2024.
jennifertrouton. com
Sian Costello is een kunstenaar die werkt vanuit James Street Artists' Studios in Limerick. Haar recente solotentoonstelling, 'Hot Child', werd gepresenteerd in Ormston House van 26 juli tot 31 augustus 2024.
@siancostelloart
1 Normandiër Bryson, Kijken naar het over het hoofd geziene: vier essays over stillevenschilderen (Londen: Reaktion Books, 1990)
