AENGUS WOODS BESPREKT EEN RECENTE TENTOONSTELLING IN SOLSTICE ARTS CENTRE.
Oneindigheid is een van die zeldzame concepten die het westerse denken niet zozeer doordringt, maar het eerder achtervolgt. Sinds de berekeningen van Dedekind, Gödel en Cantor beschouwen we oneindigheid vooral als een onderwerp voor wiskundigen. Maar vanaf Zeno's paradoxen tot Hegels onderscheid tussen twee vormen van oneindigheid zien we dat het vermogen ervan om aporieën en verdwijnpunten te creëren, zowel binnen als buiten de structuur van de werkelijkheid, filosofen en kunstenaars al millennia lang tot wanhoop drijft.
'Van Peras en Apeiron: einden en oneindigheid', de schitterende groepstentoonstelling in het Solstice Arts Centre in Navan (6 september - 25 oktober 2025), ontleent zijn titel aan de Oudgriekse terminologie. Aristoteles verwees oneindigheid notoir naar het rijk van het potentiële (in plaats van het werkelijke), in overeenstemming met de algemene angst voor het oneindige in de klassieke wereld. Het Oudgriekse wereldbeeld hechtte waarde aan orde, proportie en duidelijke afbakeningen. Oneindigheid daarentegen beloofde chaos en wanorde, met gapende kloven die sluimeren in het weefsel van de tijd. Oneindigheid en de gevolgen ervan keren steeds weer terug, door de geschiedenis van kunst en filosofie heen. De perspectivische vooruitgang van het tekenen in de vroege renaissance en de complexe berekeningen rond de moderne kwantumfysica zouden ondenkbaar zijn zonder Cantors meervoudige oneindigheden.
Niettemin, ondanks de volledige omarming ervan door de moderne wiskunde, blijft er iets van de Griekse angst voor oneindigheid bestaan. Descartes beweerde dat het het enige concept was dat niet door mensen kon worden voortgebracht en door God in onze geest moest worden geplant. Hegel daarentegen betoogde dat juist de geest oneindig is. Wijzelf zouden dan de bron zijn van datgene wat ons zo destabiliseert.
Deze merkwaardige spanning tussen concept en geest, tussen systeem en individu, is alomtegenwoordig in deze tentoonstelling. Werken van Ray Johnston, Gerald Caris, Ronnie Hughes en Neil Clements lijken op het eerste gezicht voort te komen uit de tradities van minimalisme en op-art. Maar deze presentaties worden op wonderbaarlijke wijze verdiept en verrijkt door de aanwezigheid van een aanzienlijk aantal werken van Channa Horwitz, verspreid over de tentoonstelling. Horwitz, een opmerkelijke conceptuele kunstenaar die pas in de laatste jaren van haar leven de erkenning kreeg die ze verdiende, maakte werken gebaseerd op complexe numerieke en ruimtelijke systemen van haar eigen ontwerp. Haar Rhythm of Line -werken, prachtige tekeningen op Mylar met bladgoud, doen denken aan Sol Lewitt, maar ze zijn uitgevoerd met een finesse en kleurgevoel dat ze volledig naar een eigen niveau tilt. Voeg daar haar Sonakinatography- composities aan toe, daterend van 1969 tot 1996, omvangrijke handgeschreven getallensystemen op grafiekpapier. Ze zijn mysterieus en suggestief, en weerspiegelen tegelijkertijd de geconcentreerde energie van de wetenschapper en de obsessieve overpeinzingen van de buitenstaander.
De werken van Sonakinatography zijn in essentie partituren; notatiesystemen die naar believen door anderen geïnterpreteerd kunnen worden. Deze intieme verbinding tussen systeem en uitvoerder, tussen het concept en de geest die het overweegt, is essentieel voor Horwitz' werk en vormt tevens een verbindende factor tussen de andere kunstenaars in de tentoonstelling. In alle gepresenteerde werken geeft de menselijke aanraking een basis aan abstracte complexiteiten of levert ze de essentiële input voor systemen die anders los zouden staan van alles daarbuiten. Zestien geroteerde vormen (i), (ii), (iii), (iv) (1975) van Roy Johnston zijn hiervan een treffend voorbeeld. Elk van de zestien eenheden van het individuele werk is opgebouwd uit grijs geverfd textiel, gespannen over driedimensionale constructies, georganiseerd in verschuivende patronen. De sobere en programmatische taal van het werk wordt echter verzacht door de schilderkunstige gevoeligheid en de tastbaarheid van de aanraking van de kunstenaar.
Ook de schilderijen van Ronnie Hughes lijken op het eerste gezicht complexe geometrische vormen en kleuren te vertegenwoordigen. Bij nadere beschouwing zijn er echter sporen van de hand te zien. De verfstreken vertonen sporen van penseelstreken; clusters van driehoeken en ruiten, in hun verschillende golvingen, wijzen op urenlang plakken en het overtrekken van lijnen en vormen. De heldere, strakke schilderijen van Neil Clements zijn aangenaam rigoureus, maar zijn keuze voor traanplaat als schilderoppervlak wijst ook op het menselijk leven en de arbeid die aan de basis liggen van hun uitvoering, en op het kunsthistorische intellectualisme dat ze uitstralen.
In het werk van Grace McMurray vloeit de arbeid van de kunstenaar over in vraagstukken rond arbeid in bredere zin. Gebreide objecten, stoffen en geweven materialen trekken parallellen tussen esthetische systemen en die van sociale organisatie en arbeidshiërarchieën. We aren't on the same wavelength (2022), gemaakt van beschilderde en geweven satijnen linten, wijst door zijn abrupte, fragmentarische verschijning op een systeem dat, in principe althans, zowel ruimtelijk als temporeel oneindig is.
De werken van Dannielle Tegeder en Suzanne Triester delen met Horwitz die neiging tot het obsessieve, wat het meest optimistisch kan worden opgevat als de poging van de menselijke geest om de enorme overvloed aan realiteit te begrijpen. Tegeders werken zijn rijk aan symboliek. Conjuring ladder with handbook of one shape meaning en Standard line, with Fixed Element (2024) lijken in het bijzonder totemisch in de presentatie van fijn bewerkte patronen in beschilderd hout, die zweven en de blik omhoog trekken. De prenten van Triester, met hun verwijzingen naar de Kabbala en het sjamanisme, resoneren met die andere blijvende associatie met het oneindige: mystiek en de precieze mechanismen waarmee het individu zich wel, of misschien juist niet, staande kan houden in de grote stroom van zijn en tijd.
Over het geheel genomen belicht de tentoonstelling op intrigerende wijze de aantrekkelijkheid en de uitdagingen van systeemdenken, terwijl de duale notie van oneindigheid alles doordringt als creatie en ontbinding. Niettemin lijkt van de vele minimalistische, conceptuele of systematische kunstenaars die op de achtergrond van deze tentoonstelling aanwezig zijn, niemand zo relevant als Agnes Martin. Haar rasters, lijnen en stippen benadrukken onophoudelijk de aantrekkingskracht van systemen, waar de exposerende kunstenaars duidelijk door gefascineerd zijn. En hoewel deze systemen onze controle kunnen overstijgen en ontglippen, en zich tot in het oneindige kunnen uitstrekken , kunnen ze soms, althans tijdelijk, getemd en gevormd worden door de hand en de geest.
Aengus Woods is een schrijver en criticus die in County Louth woont.
@aengus_woods
