"Fotografie, fotografen en kunstenaars die dit medium gebruiken, zijn er om ons te herinneren aan wat we niet willen horen of zien." – Christoph Wiesner, directeur van de Rencontres d'Arles.
Ik loop over een schijnbaar eindeloze, stoffige weg aan de rand van Arles, een oude Romeinse hoofdstad in de Provence, Frankrijk, en de thuisbasis van de 53e editie van Rencontres d'Arles – een jaarlijks festival voor fotografie en lenskunst dat elk jaar duizenden bezoekers trekt en wordt erkend als een van de meest gerespecteerde platforms voor hedendaagse fotografische kunst (rencontres-arles.com). De middaghitte stijgt op boven het asfalt, genadeloos voor de zolen van mijn schoenen, mijn lichaam en mijn ziel, en smelt alle drie samen tot een mengsel van stof en zweet.
In eerste instantie lijkt het helemaal gek om dit kleine provinciestadje in Zuid-Frankrijk te hebben gekozen als de plek waar de nieuwste trends in hedendaagse fotografie en lensgebaseerde kunst aan het publiek worden gepresenteerd. Wiens grillige verlangen dreef deze locatiekeuze - en nog vreemder - waarom bekoort het me zo volledig en onmiddellijk en moedigt het me aan om mijn pelgrimstocht onverschrokken voort te zetten? De tentoonstellingslocaties beslaan het historische bouwerfgoed van de stad en variëren van het verwoeste Romeinse amfitheater en sierlijk elegante maar grotendeels ongebruikte middeleeuwse kerken tot de hypermoderne stichtingen en musea voor hedendaagse kunst, naast vervallen industriële schuren en semi-verlaten negentiende-eeuwse fabrieksterreinen.
Ik bevind me in de pikzwarte duisternis, ondergedompeld in de beelden en geluiden van Live Evil (2022), een totaalinstallatie met een reeks recente en nieuwe werken van de Afro-Amerikaanse kunstenaar Arthur Jafa. Deze installatie maakte eigenlijk geen deel uit van het programma van Rencontres d'Arles, maar viel samen met het festival. Jafa creëerde de installatie speciaal voor de twee enorme tentoonstellingsruimtes van LUMA Arles, gevestigd in de postindustriële hallen van La Mécanique Générale en La Grande Halle (luma.org).
Het pijnlijke contrast dat de kijker ervaart bij de overgang van de verzengende hitte en het felle licht van de buitenlucht naar de immense, spelonkachtige ruimte van La Grande Halle, is duidelijk een beoogd effect dat Jafa ons met elke vezel van ons zintuig wil laten voelen, waarbij tegelijkertijd ons gehoor, zicht, reuk en tastzin worden aangesproken. De perfect geënsceneerde multimedia-installatie is een antropoceen reflectie op de menselijke conditie, gepresenteerd door middel van herwerkte visuele en geluidssequenties die zwartheid in vele krachtige variaties weergeven. Voor mij werd het sterkste effect bereikt in AGHDRA (2021), een volledig digitaal werk dat een unieke these vormt: het ondoorgrondelijke verlies en de onbeschrijflijke pijn aan het einde van de beschaving zoals wij die kennen. Het werk wordt gepresenteerd als een 85 minuten durende gigantische projectie van een constant bewegend zeegezicht van zwarte rotsen, die golven vormen die aanzwellen en weer afnemen tegen het dreigende dieprode licht van de zonsondergang.
Bij het ervaren van Jafa's Gesamtkunstwerk dringen zich duidelijke parallellen op met fotografische processen, die draaien om de juxtapositie van de tegengestelde, onderling afhankelijke krachten van licht en donker, zwart en wit. Jafa brengt ons meesterlijk naar de ervaring van zwartheid als een getuigenis van de eeuwenlange koloniale uitbuiting en culturele exploitatie van zwarte bevolkingsgroepen. Dit wordt gepresenteerd als een krachtig symbool van het einde van de natuur, afgebeeld als zwartgeblakerde, verbrande, verkoolde, onherbergzame rotsen, in contrast met historische opvattingen over een vruchtbare, overvloedige, altijd gevende aarde – de planeet zoals we die nog steeds kennen, maar die in groot gevaar verkeert door de klimaatcatastrofe die door de mensheid is veroorzaakt.
'A Feminist Avant-Garde: Photographs and Performances of the 1970s from the Verbund Collection, Vienna', gelegen in het Parc des Atelier, nu onderdeel van de veelheid aan tentoonstellingsruimten van de LUMA Foundation, bood een heel andere kijk op fotografie als documentatie. materiaal dat prestaties registreert als protest (verbund.com). Perfect uitgebalanceerd in zijn presentatie en minutieus samengesteld qua inhoud, vertegenwoordigt deze internationale reizende tentoonstelling de op een lens gebaseerde oeuvres van belangrijke figuren van feministische kunst. Het bestrijkt de periode tussen 1968-1980, toen feministische protesten en optredens hun krachten bundelden in de strijd voor vrouwenrechten, waarbij de mannelijke autoriteit onbevreesd werd uitgedaagd door regelrechte heldendom te tonen in het licht van eeuwenlang seksisme en onderdrukking.
De collectie omvat meer dan 200 werken van 71 vrouwelijke kunstenaars, met de iteratie in Rencontres d'Arles met werken van iconische feministische activisten, fotografen en performancekunstenaars zoals ORLAN, Lynda Benglis, Karin Mack, VALIE EXPORT, Cindy Sherman, Ana Mendieta, Howardena Pindell en Francesca Woodman, om er maar een paar te noemen. Mijn aandacht werd getrokken door vele opmerkelijke werken van ongelooflijk dappere vrouwelijke kunstenaars, van wie velen mijn tijdgenoten zijn, die tegenwoordig over de hele wereld wonen en werken. Dit geldt ook voor de Schotse kunstenaar Elaine Shemilt, die tijdens The Troubles in Noord-Ierland woonde en werkte, waar ze haar multimediakunstwerken opvoerde en documenteerde. Tegenwoordig heeft Shemilt een diverse en indrukwekkend behendige carrière als academicus (ze is hoogleraar prentkunst aan de Universiteit van Dundee), graficus, fotograaf en klimaatactivist (elaineshemilt.co.uk). Een serie van zes zwart-witfoto's van Shemilt (ca. 1976) tonen de kunstenaar naakt en gebonden tegen een bakstenen muur. Haar hoofd, polsen en voeten zijn op de muur gemarkeerd om de contouren van haar lichaam aan te geven, wat doet denken aan de krijtlijnen die de politie op plaats delict heeft getekend. Op sommige foto's houdt Shemilt een glasplaat vast en kijkt er doorheen, als door een schild dat ter verdediging kan worden gebruikt.
Opnames van live-optredens, vele fotoseries en meerdere videowerken van vrouwelijke kunstenaars die vertegenwoordigd zijn in de Verbund-collectie zijn opmerkelijk veelzijdig in termen van hun benaderingen, maar zijn ook coherent verenigd in hun vastberadenheid om na te denken over een voortdurende onderdrukking die zich manifesteert in de onderwerping van vrouwen in het algemeen, en vrouwelijke kunstenaars in het bijzonder, in gefetisjiseerde rollen van huisgodinnen, vruchtbare vaten, eindeloos voer voor de mannelijke blik en kapitalistische consumptie. De kunstenaars in de tentoonstelling wijzend op endemisch, structureel en huiselijk geweld tegen vrouwen, portretteren zichzelf vaak als gedempt, gekneveld, ingetogen, gebonden, kwetsbaar en naakt. Ze worden vaak geplaatst in gevangenisachtige omgevingen en claustrofobische ruimtes, gedomineerd door solide structuren en omsloten door bakstenen muren.
Deze tentoonstelling had voor mij bijzonder sterke weerklank, aangezien het werk in de Verbund-collectie de periode beslaat vanaf 1968, mijn geboortejaar. Dit was ook het jaar waarin de Amerikaanse oorlog in Vietnam zijn hoogtepunt bereikte; en toen Sovjettroepen Tsjechoslowakije binnenvielen en bezetten, wat een strategische machtsverschuiving in de context van de Koude Oorlog betekende. De werken die in de collectie zijn vertegenwoordigd, lopen tot en met 1980, een jaar waarin het Sovjetleger Afghanistan binnenviel en het hoogtepunt van de escalatie van het conflict tussen Amerika en het communistische blok. Deze historische gebeurtenissen resoneren met de gewelddadige gewapende conflicten die we vandaag voor onze ogen zien plaatsvinden, naast milieurampen, voedseltekorten en de voortdurende opkomst van extreemrechtse ideologieën, die reproductieve misdaad opnieuw introduceren, in een poging om de fundamentele en meest fundamentele mensenrechten van vrouwen over hun lichaam.
Ik kwam voor het eerst het Rencontres d'Arles Photography Festival tegen in 2010, op een locatie duizenden kilometers verwijderd van Zuid-Frankrijk, in Caochangdi PhotoSpring, Arles in Peking. Dit zusterfestival werd geïnitieerd door curatoriële samenwerkingen tussen Bérénice Angremy van Thinking Hands en RongRong en inri - een Chinees-Japans fotografisch duo dat het Three Shadows Photography Art Centre oprichtte, ontworpen door Ai Weiwei, en gelegen nabij het 798 Art District in het noorden van Peking. Twee jaar later bezocht ik de eigenlijke Rencontres d'Arles voor de eerste keer en in 2013 keerde ik terug naar het Three Shadows Photography Arts Centre om deel te nemen aan 'The New Irish Landscape', de eerste tentoonstelling van hedendaagse Ierse fotografie in Beijing, samengesteld door Tanya Kiang (tentoonstellingscurator van Photo Museum Ireland), waaronder fotografisch werk van Anthony Haughey, David Farrell en Patrick Hogan.
Oorspronkelijk gelanceerd in 1970, onder de titel 'Rencontres Photographiques' door fotograaf Lucien Clergue, curator Jean-Maurice Rouquette en schrijver Michel Tournier, is Rencontres d'Arles een stadsbreed, lokaal festival van mondiaal belang. Het jaarlijkse festival, dat erkend en bezocht wordt door zowel fotografieprofessionals als amateurs, heeft tot doel de nieuwste trends en stromingen binnen de fotografie en lensgebaseerde kunst te vertegenwoordigen, en tegelijkertijd de allernieuwste hedendaagse fotografische kunst te presenteren in de context van haar geschiedenis.
"Aanvankelijk was het festival grotendeels gericht op Magnum-fotodocumentaires en niet op kritische kunstpraktijken", merkt Kiang op, die de afgelopen 30 jaar veel portfolio-reviews heeft uitgevoerd en jonge fotografische kunstenaars heeft genomineerd voor de jaarlijkse Rencontres d'Arles Discovery Award. Ze voegt eraan toe dat de focus van het festival en de programmering ervan in de afgelopen 50 jaar aanzienlijk is verschoven, waarbij het gestaag is weggegaan van een typisch Frans festival – waarin fotografie vaak werd gezien als een excuus om uitbuitende, vrouwenhatende en seksistische beelden van vrouwen te presenteren, genomen door mannen - om thema's en preoccupaties aan te pakken die zichtbaar zijn binnen het bredere wereldwijde discours in hedendaagse kunst.
In die zin is de editie van dit jaar fenomenaal postfeministisch in zijn thema's, deliverables en berichten. En in tegenstelling tot andere belangrijke evenementen op de wereldwijde kunstkalender – bijvoorbeeld de Biënnale van Venetië, Art Basel of de kunstbeurzen Frieze, met hun wereldwijde branding en commerciële vereisten – is Rencontres d'Arles een verfrissend origineel, op zichzelf staand evenement dat een roman biedt formaat, ergens tussen een filmfestival en een lokale stadskermis. In de afgelopen 50 jaar waren er artiesten op het festival, waaronder Robert Doisneau, William Eggleston, Frank Horvat, Mary Ellen Mark, Frank Capa en Robert Mapplethorpe. Naarmate fotografie steeds meer in verband werd gebracht met hedendaagse kunst, werden in Arles tentoonstellingen van iconische kunstenaars zoals David Hockney, Robert Rauschenberg, Sophie Calle en Taryn Simon georganiseerd, met gastcuratoren die vanaf 2004 voor het festival waren uitgenodigd, waaronder Martin Parr, Raymond Depardon , en Nan Goldin, onder anderen.
Varvara Keidan Shavrova is beeldend kunstenaar, curator, docent en onderzoeker. Momenteel is ze promovendus aan het Royal College of Art. Geboren in de USSR, woont en werkt ze afwisselend in Londen, Dublin en Berlijn. Shavrova presenteert haar onderzoek op de internationale onderzoeksconferentie van IMMA, '100 Years of Self Determination' (10-12 november).
varvarashavrova.com
