JOANNE LAWS INTERVIEWS EIMEAR WALSHE EN SARA GREAVU OVER DE AANKOMENDE VERTEGENWOORDIGING VAN IERLAND OP DE 60E BIENNALE VAN VENETIË.
Joanne Laws: Kun je kort het nieuwe werk bespreken dat je dit jaar hebt ontwikkeld voor het Ierse paviljoen op de Biënnale van Venetië?
Eimear Walshe: De tentoonstelling heet 'ROMANTIC IRELAND' en omvat een sculpturaal werk, dat op zijn beurt een video-installatie bevat, die vervolgens wordt begeleid door een operawerk. Deze drie elementen hebben een complexe temporele relatie met elkaar, bijna als een verleden, heden en toekomstformaat. De video toont een chaotische en sociaal beladen bouwplaats, waarin zeven personages op een of andere manier door de tijd hebben gereisd vanaf verschillende momenten in de geschiedenis om zij aan zij te werken aan een bouwwerk op aarde. Er zijn twee personages uit een laat negentiende-eeuwse pachtersklasse; een politicus of zakenman uit het begin van de twintigste eeuw en zijn huisvrouw; een advocaat uit het einde van de twintigste eeuw en haar thuisblijvende boer; en ik als eenentwintigste-eeuwse alleenstaande huisbaas. Op de bouwplaats ontvouwt zich een soapserie, met momenten van conflict, en momenten van harmonie en samenwerking, terwijl ze naar hetzelfde doel streven.
De opera is het volgende werk in de chronologische volgorde. De in Cork gevestigde componiste Amanda Feery nodigde me uit om een libretto te schrijven naar aanleiding van de toespraak van Éamon de Valera, ' Het Ierland waar we van droomden' (of 'Over taal en de Ierse natie') , die hij als Taoiseach (premier) op St. Patrick's Day in 1943 hield. In Venetië presenteren we slechts één akte van deze veel grotere opera. De toespraak van De Valera bevat veel controversiële beelden, maar één zin beschrijft "een platteland vol lichte en gezellige boerderijen" en "eerbied, respect en zorg voor ouderen". Het libretto sluit nauw aan bij deze thema's door middel van het verhaal van een oude man die op zijn sterfbed naar deze toespraak luistert en wakker wordt door het geluid van een uitzetting. Het libretto beschrijft de relatie van de man met het gebouw en de symbiotische relatie met de omgeving. Als een optimistisch, speculatief gebaar anticipeert het gebouw op structuren en omgevingen die in de toekomst door mensen zullen worden gebruikt. Het libretto sluit aan bij de periode na de revolutie in gekoloniseerde gebieden en benadrukt begrippen als verraad en het mislukken van de belofte van opbouw.
Eimear Walshe, ROMANTISCH IERLAND, 2023, nog steeds in productie; foto's van Faolán Carey, met dank aan de kunstenaar en Ierland in Venetië.
JL: Misschien kunt u uw onderzoeks- en schrijfprocessen voor het libretto schetsen?
EW: Amanda is een klassiek begaafde componiste, maar ze is ook een zeer experimentele muzikante. Qua schrijfmogelijkheden kom je zelden een beter scenario tegen. Een van mijn eerste beslissingen was om het libretto grotendeels conventioneel te laten rijmen, wat een leuke schrijfuitdaging was. Daarnaast waren Amanda en ik erg geïnteresseerd in niet-tekstuele 'mondgeluiden', dus er is een nadruk op klinkers. Een belangrijke historische bron waren Ierse volksballades, die me in staat stelden de emotionele impact van een verhaal te ervaren, doordat de personages getuige zijn van zowel het alledaagse als het tragische. Belangrijke liederen waren onder andere ' Tumbling Through the Hay' – dat ik voor het eerst hoorde in Ian Lynchs podcast ' Fire Draw Near' , en dat de orgiastische uitspattingen van arbeiders tijdens de oogsttijd beschrijft; en 'The Limerick Rake' , een ruig en insinuerend lied over een vrouwenversierder die ernaar streeft een boerderij te stichten met al zijn minnaressen. en de ballade Dónal Óg , die ik behoorlijk aangrijpend vind, zowel qua rijmschema's en woordkeuze als qua weergave van afwijzing en verraad.
Een andere belangrijke invloed op het schrijven was de samenwerking met Dr. Lisa Godson, die mij adviseerde over de historische nauwkeurigheid van de scenario's die ik beschreef. Ik werd ook geïnspireerd door de podcast Blúiríní Béaloidis van Jonny Dillon , afkomstig van de National Folklore Collection van UCD, met name een aflevering over de mythologie rondom het huis, waarin de begrafenis van paardenhoofden en munten en verschillende bouwtradities worden beschreven. Het hielp me om na te denken over de relatie van deze man met zijn huis als iets dat veel verder reikt dan alleen bezit, en om zijn intrinsieke verbondenheid met de bouwmaterialen te overwegen – van het aanbrengen van riet en kalkpleister tot het kennen van de persoon die de eerste stenen legde. Dit staat in contrast met de hedendaagse vervreemding van onze gebouwde omgeving – het gevolg van het uitbesteden van materialen aan onderbetaalde arbeiders in het mondiale Zuiden. Tegenwoordig worden we niet alleen benadeeld doordat we niet begrijpen hoe onze gebouwen werken, maar creëren we ook elders vreselijke omstandigheden door het gebruik van goedkopere materialen die ecologisch gezien zeer inefficiënt zijn.
JL: Hoe resoneert het sculpturale artefact met uw lopende onderzoeksvragen met betrekking tot huisvesting, bewoning en onderdak?
EW: In het systeem van het werk bestaat de sculptuur als een soort nasleep. Het betreurt de Sisyphean-arbeid om een gebouw te maken dat nooit iets anders zal worden dan een ruïne. Hoewel het sculpturale object zelf potentieel behoorlijk grimmig is, vind ik het bouwen van aarde een ongelooflijk spannend en inspirerend proces. Ik leerde onder meer over het bouwen van maïskolven toen ik een cursus volgde bij Harrison Gardner bij Common Knowledge – een sociale onderneming voor het delen van vaardigheden voor duurzaam leven in County Clare, waar later de setbuilding en opnames van 'ROMANTIC IRELAND' plaatsvonden. Er is iets bemoedigends aan de herinnering dat gemeenschappen ooit samenkwamen om dit ongelooflijk arbeidsintensieve, langzame bouwproces op zich te nemen met materialen die goedkoop, gratis of ter plekke verkrijgbaar waren. Dit is spannend op het niveau van de gemeenschap, omdat je je vrienden en verwanten moet uitbreiden met een breder netwerk van medebouwers. Het is fascinerend om het proces te zien, dat zeer zintuiglijk, diepgeworteld en fysiek is, en het is ook verbijsterend dat zulke eenvoudige structuren, waarbij gebruik wordt gemaakt van samengeperste aarde, zo lang hebben overleefd. Een voorbeeld is de oude gemeenschappelijke nederzetting Tell es-Sultan, gelegen ten noordwesten van Jericho in Palestina, die dateert uit 10,000 voor Christus – een moment in de menselijke geschiedenis waarop mensen zich begonnen te vestigen en samenkwamen om niet alleen woongebouwen te creëren, maar ook veel grotere collectieven. ruimtes om te verzamelen. Het bouwen van maïskolven kan worden gezien als een lokale traditie in Ierland, maar ook als een mondiale traditie die eeuwen teruggaat met regionale verschillen. Deze sociale, ecologische en historische elementen hebben ertoe geleid dat dit materiaal zo’n centraal onderdeel van de tentoonstelling is geworden.
JL: Zoals vermeld in het persmateriaal, spreekt uw werk “van en van een precaire generatie” en “komt het voort uit de context van een natie die zich in een escalerende crisis bevindt.” Kunt u dit nader toelichten?
EW: De reden dat ik een bouwcursus heb gevolgd en over cob heb geleerd, was omdat ik het gevoel had dat als ik ooit een huis zou bezitten, ik waarschijnlijk de vaardigheden zou moeten hebben om er zelf een te bouwen. Ik was destijds een busje aan het ombouwen, dus veel van deze vaardigheden waren van toepassing. Wat mij naar het materiaal van de maïskolven leidde, was de onzekerheid over de huisvesting, en het opende een poort naar het verleden. Wanneer je in een crisis leeft die zo acuut, onlogisch, woedend, nodeloos gewelddadig en destructief is als deze, kijk je uiteindelijk naar de geschiedenis voor leiding. Bij mijn onderzoek naar de geschiedenis van het huisvestings- en grondactivisme leerde ik over de eisen die mensen aan het eind van de negentiende eeuw stelden, en over de politieke beloften die werden gedaan en gebroken.
JL: Hoe krijg je grip op de enorme logistiek van Venetië – van verzend- en installatiebeperkingen tot taaloverwegingen?
Sara Greavu: We zijn sterk afhankelijk van partners en medewerkers met kennis en ervaring. Ik denk dat we leren hoe we op een andere schaal over een project moeten nadenken en erop kunnen vertrouwen dat deze partners elementen van het werk met hun eigen expertise zullen dragen. We hebben het geluk om met zulke briljante installatie-, technische en communicatiepartners samen te werken, die ons helpen door deze wateren te navigeren.
JL: Hebben enkele voormalige curatoren, commissarissen en kunstenaars van Ierland in Venetië contact opgenomen om hun ervaringen en advies te delen?
SG: Iedereen is zo genereus geweest! Ik zou vooral Temple Bar Gallery + Studios willen opmerken, wiens advies en ervaring zo essentieel voor ons zijn geweest toen we met de planning en het werk begonnen. Michael Hill heeft vorig jaar aan iedereen die zich had aangemeld voor de open oproep een openbaar aanbod gedaan dat hij graag met hen over het proces zou willen spreken, en hij is in deze geest van vrijgevigheid en zorg doorgegaan. Ik denk dat het zinvol is om een robuustere manier te bedenken om de kennis die we tijdens dit proces hebben opgedaan over te dragen, en we zullen een aantal van onze ervaringen terugkoppelen. We zullen ook proberen net zo genereus te zijn als onze voorgangers in het delen van informatie met toekomstige teams.
JL: Is het pragmatisch gezien een uitdaging geweest om zo'n grootschalige internationale solotentoonstelling te conceptualiseren?
EW: Ik heb geen tijd gehad om erover na te denken! Ik kwam er in mei 2023 achter en de werkzaamheden moesten in december klaar zijn, dus er is geen tijd geweest om te twijfelen. Ik moest vanaf het begin uiterst besluitvaardig zijn en ontwikkelde het werk door mijn bestaande onderzoek uit te breiden en te kiezen waar ik me op nieuw, ambitieus terrein wilde begeven. Ik heb bijvoorbeeld nog nooit met zo’n grote filmploeg of cast gewerkt. Ik heb het geluk dat ik een geweldige kritische gemeenschap om me heen heb, in de vorm van mijn vrienden die kunstenaars beoefenen. Als assistent-regisseur hield Niamh Moriarty het hele project op koers, terwijl Aoife Hammond contact hield met de artiesten om er zeker van te zijn dat ze tevreden waren met de omstandigheden; ze traden op, filmden, regisseerden elkaar, droegen ongemakkelijke maskers en droegen geen schoenen. Wanneer je de productieambitie opschaalt, heb je dus ook iemand nodig die het project en de betrokken mensen behartigt. Het samenwerken met al deze experts en ongelooflijke artiesten is voor mij een enorm hoogtepunt in mijn carrière geweest.
JL: Hoe heeft het Ierse paviljoen (gebouw en terrein) de tentoonstelling geïnformeerd die u in de ruimte wilt presenteren, vooral met betrekking tot de toegang en de circulatie van bezoekers?
SG: We hebben vanaf het begin veel gesproken over de ontmoeting van het publiek met het werk en de uitgeputte aandachtseconomie van Venetië. Mensen komen naar het Ierse paviljoen nadat ze al zoveel hebben gezien en voelen zich moe, overweldigd of zelfs afgemat. Ik denk dat Eimear heel slim is geweest in het verbeelden van dit moment en heeft nagedacht over hoe hij mensen de ruimte in kan lokken en hun aandacht kan vasthouden, door verschillende punten van verbinding en betrokkenheid bij het werk aan te bieden.
JL: Wat zijn jouw gedachten over de Biënnale van Venetië – of mondiale biënnales in bredere zin – als platforms voor de praktijken en urgenties van de hedendaagse kunst?
SG: Ja, dit is een enorme vraag die meer aandacht en een aanhoudende kritische discussie verdient. Ik heb in het algemeen gemengde gevoelens over biënnales, terwijl ik tegelijkertijd erken wat een ongelooflijke kans het is om te kunnen deelnemen aan deze belangrijke internationale ruimte voor het delen van ideeën en praktijken. Natuurlijk kunnen alleen bepaalde soorten werk daar gedijen. En de momentopname van de praktijken en urgenties van de hedendaagse kunst die we daar zien, wordt zo bepaald door economische en politieke macht en privileges. Er zijn zoveel landen die het zich niet kunnen veroorloven een paviljoen op te zetten en een kunstenaar te sturen, of die niet de politieke erkenning hebben om dat te doen.
JL: Wat betekent dit voor jou om Ierland in Venetië te vertegenwoordigen, in deze fase van je carrière?
EW: Ik voelde me er helemaal klaar voor om een werk van deze omvang te maken, en het was opwindend om de kans daartoe te krijgen. Wat mijn ambitie betreft, wil ik met dit project doorgaan met het ontwikkelen van shows, optredens, projecten en samenwerkingen in Ierland. Ik heb een lopend project genaamd 'TRADE SCHOOL' dat, als ik snel werk, waarschijnlijk 45 jaar in beslag zal nemen. Het gaat om het maken van een filmwerk in elke provincie van Ierland. Af en toe aan de slag gaan in andere landen is voor mij net zo spannend, inspirerend, productief en belangrijk.
JL: Kun je de nationale tournee van Ierland en Venetië bespreken?
SG: Ons plan voor de Ierse tour bouwt voort op de gevestigde methodologie van Eimear om naar landelijke en perifere locaties te reizen en daaruit te putten om het werk te maken en te delen. We hebben erover gesproken in termen van handelen binnen de bardische traditie van het overbrengen van verhalen van de ene plaats naar de andere, en ze zullen terugkomen om dit project te presenteren op enkele van de specifieke plaatsen die het werk inspireerden. Materieel gezien denkt de tentoonstelling over en door middel van ideeën over maakbaarheid, dus je kunt verwachten dat het werk verschillende vormen aanneemt in verschillende ruimtes.
De 60e Internationale Kunsttentoonstelling loopt van 20 april tot en met 24 november 2024 (preview 17-19 april).
labiennale.org
Ireland at Venice is een initiatief van Culture Ireland in samenwerking met de Arts Council, met hoofdsponsoring van de gemeenteraad van Dublin.
ierlandatvenice2024.ie
