PÁDRAIG SPILLANE INTERVIEWS DRIE BEELDENDE KUNSTENAARS DIE IN DE FOTOGRAFIE WERKEN.
Pádraig Spillane: Ieder van jullie handhaaft wat zou kunnen worden omschreven als een 'hybride' praktijk, waarbij je je bezighoudt met zowel analoge als digitale fotografische technieken, terwijl je de parameters van het maken en weergeven van afbeeldingen verlegt. Misschien kunt u enkele van uw werkwijzen introduceren?
Roseanne Lynch: Ik woon tijdelijk in Leipzig en maak nieuw werk bij de Bauhaus Foundation, Dessau. Aanvankelijk was dit nieuwe werk een reactie op het Bauhaus-schoolgebouw (ontworpen door Walter Gropius en gebouwd in 1926), evenals op het Archief Gebouwen en Materiaalonderzoek. Het werk is echter gevorderd. Nu breng ik mijn praktijk naar de principes van de voorbereidende cursus van de Bauhaus-school, die de nadruk legde op opnieuw beginnen en experimenteren met materialen. Hiervoor is mijn belangrijkste medium het fotogram. Ik plaats objecten op lichtgevoelig papier in de donkere kamer en laat er licht op schijnen om sporen te creëren, in plaats van foto's van de objecten. Geometrische vormen en materialen geassocieerd met de Bauhaus-architectuur en het medium fotografie zijn mijn onderwerp. Ik ben op zoek naar de grammatica van materialen te begrijpen.
Darn Thorn: Voor mij betekent het idee van hybride praktijk het gebruik van bepaalde media, als middel om een provocatie uit te lokken of een reactie uit te lokken bij de kijker. Mijn werk houdt zich vaak bezig met historische onderwerpen: ideeën over utopie en de impact van cultureel trauma. Door traditionele en hedendaagse processen in mijn praktijk te combineren, ontstaat er ambiguïteit, waarbij het beeld niet 'oud' of 'nieuw' is, maar iets minder classificeerbaar – misschien zelfs iets mutants. Ook om deze reden verandert de mediakeuze die ik gebruik bij elk project.
Róisín White: Ik beschrijf mijn praktijk als voornamelijk op lenzen gebaseerd, waarbij ik gebruik maak van archief- en gevonden fotografie, gecombineerd met collage- en sculpturale technieken. Fotografie is het startpunt - of het nu afbeeldingen zijn die ik heb gemaakt of afbeeldingen die ik heb gevonden in tijdschriften, online veilingen of in levenssituaties. Elke omstandigheid van het vinden vonkt iets anders in het werk. Ik ben nooit tevreden als het 'slechts een foto' is. Ik gebruik collage om het beeld te veranderen en te intensiveren. Ik reproduceer afbeeldingen op verschillende papiersoorten en materialen, om te zien hoe ze reageren op deze oppervlakken. Ik ben op zoek naar steunen die een interessant voordeel geven, eenmaal gescheurd. Ik hou ervan om veelvouden af te drukken, ze op te scheuren, te verplaatsen en te repareren. Deze intieme en tactiele betrokkenheid bij de materialiteit van beelden is essentieel voor mijn werkproces. Ik probeer mijn praktijk uit te breiden naar beeldhouwkunst, door fotografie te integreren met 3D-objecten, zonder dat het alleen maar een afbeelding op een object is.
PS: Uitgebreide fotografische praktijk benadrukt hoe afbeeldingen werken - hoe ze worden gemaakt en geconsumeerd; hoe ze kunnen worden gewijzigd door netwerken van verspreiding, opslag en toegang; terwijl ook de machtsstructuren worden aangepakt die elkaar via afbeeldingen kruisen. Door een prestatiegerichte rol op zich te nemen, kunnen beelden categorieën overstijgen of doorlatend maken. Hoe benader je beeldvorming binnen deze poreuze grenzen?
RL: Mijn praktijk verbindt verschillende gebieden van het medium. Hoewel ik voornamelijk in de donkere kamer werk, ben ik niet puriteins als het gaat om analoge fotografie. Ik scan mijn negatieven en fotogrammen om grotere digitale afdrukken te maken dan mijn lichaam fysiek toelaat. Ik gebruik de strategieën die het werk nodig heeft. Het is mijn interesse om vragen onopgelost te laten en tegelijkertijd een actieve uitwisseling tussen werk en kijker mogelijk te maken. Daarom print ik op aluminium en gebruik ik reflecterende oppervlakken in installaties, die verwijzen naar de blik van de kijker en op onverwachte manieren de aandacht vestigen op de beeldstructuur. De fotografische afdruk als sculpturaal object is een andere uitbreiding waar ik mee werk. In de donkere kamer breng ik de standaardvouw van een bouwkundige blauwdruk aan op een vel fotopapier. Ik vouw het papier open en steek het aan met een zaklamp. Wat wordt geproduceerd, is een weergave van zichzelf. Het is een bewijs van de situatie die het zelf heeft gemaakt, niets anders.
DT: Ik denk dat juist dit vermogen – dit andere leven dat uitgebreide oefening voor het beeld creëert – mij interesseert. Een machtsstructuur die de opdracht van het beeld kan beperken, is de institutionele categorisering van fotografie en wat een uitgebreide praktijk is. Er zijn bijvoorbeeld uitstekende instellingen en publicaties hier in Ierland die zich richten op fotografie, maar niet echt de ruimte hebben voor bewegend beeld of installatie-inhoud. Uitgebreide praktijk kan de parameters van de conventionele fotografische serie mijden. Het werkt niet altijd in het fotoboekformaat en moet in veel gevallen als een installatie worden gezien.
RW: Ik heb baat bij deze doorlaatbare grenzen. Ik ben echter nog steeds bang voor die vraag: "wat voor soort fotografie doe je dan?" Mijn praktijk is zo gevarieerd, dat het moeilijk uit te leggen is als een 'elevator pitch'. Het is zelden een enkel beeldwerk. Als ik aan projecten werk, zal een centrale onderzoekspijler de productie van al het kunstwerk bepalen. Ik werk misschien een paar weken aan sculpturen, ga dan terug naar beelden en kijk hoe ze elkaar kunnen kruisbestuiven. Deze procesmatige benadering van het maken van afbeeldingen is bevrijdend en productief. Hoewel het meeste werk in de studio nooit het licht van de galerij of zelfs mijn website ziet, vind ik het leuk om snapshots van mijn proces op Instagram te kunnen delen. Hierdoor heb ik stukken kunnen testen en foto's van achter de schermen kunnen delen met mensen van over de hele wereld. Evenzo krijg ik inzicht in hun werk. Hoewel veel dingen die ik deel, uiteindelijk worden tentoongesteld, zijn er versies van werk die alleen op Instagram overleven. Ik gebruik het platform als een openbaar notitieboek dat openstaat voor kritiek. Ik vind het een handige manier om mijn collega's op de hoogte te houden van mijn praktijk.
PS: Beelden (en onze relaties daarmee) zijn verstrikt in een complexe reeks van concurrerende en beïnvloedende invloeden. Kunt u bespreken hoe uw werk vorm krijgt en zich manifesteert?
RL: Mijn werken bieden de kijker inzicht in mijn nieuwsgierigheid naar fotografische processen. Mijn interesse in fotogrammen is dat ze alleen zichzelf betreffen als oppervlak, object en materiaal. Een nieuwe benadering van mijn fotogramwerk is het tekenen van geometrische vormen met grafiet op het oppervlak van belicht en bewerkt halfmat fotopapier. Vervolgens breng ik een nat penseel aan, waarbij ik het oppervlak van het grafiet en de afdruk opnieuw verander. Het reflecteert het licht anders, afhankelijk van de kijkhoek. Net als mijn eerdere werken die rechtstreeks op aluminium zijn gedrukt, hangt wat een kijker ziet af van waar ze zijn geplaatst ten opzichte van het werk.
DT: In het theater kan een regisseur de beslissing nemen om een conventioneel podium te gebruiken, waar de actie plaatsvindt achter een prosceniumboog die als kader voor het drama fungeert. In deze situatie is het publiek een passieve waarnemer. In de fotografie is de parallel het fotoboek of de ingelijste afbeelding. Als weergave-indeling kunnen beide goed werken, vooral omdat ze overeenkomen met ons idee van wat een foto is. Maar wat als het werk ons vraagt om het publiek te activeren, door te suggereren dat ze een andere fysieke interactie hebben? Wat als we het fotografische beeld in een driedimensionale ruimte beschouwen? Ik denk dat dit me heeft beïnvloed om onconventionele media te gebruiken - behang, commercieel gemaakte vinylbanners, 3D-glasetsen, enzovoort - als een manier om onze veronderstellingen over wat een fotografisch beeld kan zijn in twijfel te trekken.
RW: Ik heb onlangs gewerkt met het idee hoe een afbeelding kan worden gebouwd. Ik ontwerp en bouw sculpturen, met de bedoeling ze te fotograferen, zodat de foto's fungeren als onderwerpen of decors. Ik ben geïnteresseerd in hoe dit surrealistische en griezelige beelden kan creëren. Terwijl de kijker misschien gewoon een 'foto' ziet, is er zoveel meer bij het maken van beelden. Misschien is het de fysieke arbeid die nodig is om een beeld te creëren dat lonend is; of weten dat een foto uit meer bestaat dan op het eerste gezicht lijkt.
PS: Foto's maken deel uit van onze dagelijkse uitwisselingen en interacties, vaak en gewoonlijk gemaakt op apparaten die bijna een deel van ons zijn. Hoe ziet u uw praktijk opereren temidden van deze overvloed aan democratische beeldvorming?
RL: Fotografie wordt meestal gezien als een medium om de buitenwereld te documenteren. Ik gebruik het medium echter zelfreflexief om innerlijke abstracte gevoelens uit te drukken die voortkomen uit het maken van strategieën - fragiliteit, onzekerheid en andere emotionele resonanties. Mijn praktijk onderzoekt historisch discours, het traceren van de impact van fotografie op onze interpretatie van beelden en op onze geleefde ervaringen. Ik gebruik het proces van het maken van fotogrammen om het fotografische proces uit elkaar te halen in zijn samenstellende delen: licht, tijd, lichtgevoelig oppervlak en object. Ik vraag me af hoe we waarnemen wat we herkennen, als we naar fotografische oppervlakken kijken.
DT: Door het pseudoniem Darn Thorn te gebruiken, wordt het idee van auteurschap in mijn werk automatisch in twijfel getrokken. Het is een grap, gemaakt op eigen kosten, over het begrip 'kunstenaar als enkelvoudig genie'. Technologie heeft de productie van afbeeldingen met een hoge resolutie eenvoudiger gemaakt; wat voorheen alleen mogelijk was met specialistische apparatuur en professionele training, is nu, althans theoretisch, voor velen toegankelijk. In ons huidige moment geven de nieuwsmedia de voorkeur aan amateurbeelden boven het foto-essay. In dit verband vraag ik me af wat een conventionele fotoserie te zeggen heeft? In eigen beheer uitgegeven fotoboeken zijn een democratiserend fenomeen; maar er is een tendens bij de bijbehorende fotofestivals en publicaties om te neigen naar een redactionele benadering. Ze promoten vaak een type fotografie dat de continuïteit van het verhaal deelt dat we in de fotojournalistiek zien. Op deze overwegingen speel ik speels in, door werken te maken die maar één installatie overleven, of te onhandig zijn om zomaar verkocht te worden. Ik wil dat het publiek zich afvraagt wat er aan de hand is. In die zin zit er een performatief element in mijn praktijk. Door grootschalige afbeeldingen te maken van monumentale architectuur of landschappen, stel ik de kijker iets absurds voor. Deze werken dragen een gevoel van drama en betekenis, maar zijn opzettelijk moeilijk te ontcijferen. Ze roepen ideeën op van het sublieme, deels ironisch ingeroepen: hoe kan iets zo groots en schijnbaar belangrijks zo moeilijk te lezen zijn?
RW: Mijn praktijk is gebaseerd op pre-internet drukwerk, uit een tijd dat afbeeldingen een object moesten zijn om te bestaan. Ik gebruik de overvloed aan gedrukte afbeeldingen uit een verleden toen we onze foto's afdrukten om te delen - of toen we tijdschriften, kranten en geïllustreerde encyclopedieën kochten, om andere plaatsen en dingen van over de hele wereld te zien. Wat me aantrekt in gevonden beelden is de aantrekkingskracht van verschillende esthetieken, evenals de aantrekkingskracht van een tijd waarin ik niet aanwezig was - waarbij deze beelden een bewaarplaats van betekenis werden. Met de komst van cameratelefoons produceren we nu gezamenlijk meer beelden per dag dan vroeger in een jaar. Deze digitale beelden zijn zo kwetsbaar. Ze bestaan op apparaten die niet zijn gebouwd om langer dan vijf jaar mee te gaan. Ik vraag me af hoe we over twintig of vijftig jaar beelden zullen vinden?
Roseanne Lynch is momenteel gevestigd in Leipzig en maakt werk voor een groepstentoonstelling op Ballarat International Foto Biennale, Australië, en een solotentoonstelling in Centre Culturel Irlandais, Parijs.
Darn Thorn werkt met fotografie en installatie. Recente tentoonstellingen zijn onder meer EVA International 2018 en '2116' in de Glucksman Gallery (Cork) en Broad Art Museum (VS). Hij doceert aan het CIT Crawford College of Art and Design.
Róisín White is een beeldend kunstenaar gevestigd in Dublin. Ze werkt in op lenzen gebaseerde media en gevonden materialen, met recente tentoonstellingen in het Museum of Contemporary Photography of Ireland en het Finnish Museum of Photography.
Pádraig Spillane is kunstenaar, curator en docent en doceert aan het CIT Crawford College of Art and Design. Hij werkt met fotografie, toe-eigening en objectgebaseerde assemblages, met werk dat te zien is in een aanstaande groepstentoonstelling in The Complex, Dublin.
Uitgelichte afbeelding: Verdorie doorn, Bijwerken, 2018, still uit 16mm film, zwart-wit; hoffelijkheid van de kunstenaar.
