JOANNE LAWS INTERVIEWT DAPHNE WRIGHT VOORAFGAAND AAN HAAR SOLOTENTOONSTELLING IN HET ASHMOLEAN MUSEUM.
Joanne Laws: We hebben beiden gestudeerd aan Sligo RTC (nu Atlantic Technological University). Ik studeerde beeldende kunst eind jaren 90, een inspirerende periode voor vrouwelijke Ierse beeldhouwers. Was er in die tijd sprake van optimisme, of was er juist een momentum tegen alle verwachtingen in?
Daphne Wright: Nou, iedereen vertrok in de jaren 80 – de recessie was bruut. Ik verliet Ierland in 1989. In de jaren 90 herinner ik me alleen nog dat ik van fellowship naar fellowship en van residency naar residency ging om mijn praktijk te kunnen voortzetten. Ik was fellow in Cheltenham, een Henry Moore fellow in Manchester en bracht een jaar door aan de British School in Rome. Tijdens mijn opleiding in Sligo, begin jaren 80, werden we constant gewezen op echt sterke vrouwelijke beeldhouwers; ik leerde voortdurend door te praten en conversaties. De docenten in Sligo bestonden destijds uit Seán Larkin, Seán McSweeney, Fred Conlon, Con Lynch, Nuala Maloney, Ruairí Ó Cuív, Seán O'Reilly en John O'Leary. Er waren ook Robert Stewart en Peter Charney – hij was Australisch en kwam met een heel andere kijk op de wereld. Ik heb beeldhouwkunst en keramiek gestudeerd, maar we waren zo'n kleine groep dat we allemaal aardig tegen elkaar konden praten.
JL: Nu je terug bent in Dublin, heb je een studio?
DW: Ik heb twee kamers in mijn huis tot één ruimte omgebouwd, en dat is waar ik normaal gesproken werk. Daar ben ik erg dankbaar voor, want een atelier huren is gewoon zo duur. Zo heb ik het moeten doen, al sinds ik kinderen heb; het is een bijzonder proces geworden, en ik hou van die routine. Als ik een groot beeldhouwwerk maak, huur ik tijdelijk de werkplaats van een meubelmaker in het noordwesten van Ierland.
JL: Hoe ziet je dagelijkse studioroutine eruit?
DW: Ik besteedde veel tijd aan het testen, verkennen en maken van dingen. Ik testte niet alleen de materialen; ik las, deed onderzoek en voedde mijn hersenen tegelijkertijd. Zodra ik begon te begrijpen wat ik aan het doen was, begon ik te maken – wat vaak het leukste is. Soms werkte ik toe naar een heel groot stuk, dat niet alleen om het maken ging, maar ook om het inzamelen van geld om het te financieren.
JL: De levensgrote figuren van je twee zonen zijn al eerder in je werk te zien geweest. Zijn ze via een gietproces gemaakt?
DW: Toen de jongens kleiner waren, maakte ik Kitchen Table (2014) van handbeschilderd Jesmonite, waarbij ik elk van hen afzonderlijk in kleinere stukken goot. Dit was in de periode dat ze net de kindertijd ontgroeiden en de puberteit ingingen. Ruim tien jaar later, nu ze op de drempel van volwassenheid staan, heb ik toestemming gekregen om ze opnieuw te gieten voor een nieuw werk genaamd Sons and Couch (2025), dat deze zomer voor het eerst tentoongesteld zal worden.
De figuren zijn volledig gegoten en hol. Ze zijn gemaakt met behulp van de ouderwetse techniek van het afgieten van levende wezens, en dat is echt belangrijk. Het is niet computergegenereerd of 3D-geprint; het is een zeer arbeidsintensief, traditioneel proces. Het is ook een behoorlijke klus voor de persoon die wordt gegoten, omdat het lichaam volledig is ingekapseld, zij het op verschillende momenten. Je gebruikt het gips om een mal van het lichaam te maken, alsof je een moment in de tijd vastlegt.
Wanneer de afgietsels tot een complete sculptuur zijn samengevoegd, wordt alles vervolgens geschilderd in een ingetogen kleur – een kleur die de essentie van herinnering in zich draagt. Het is geen echte kleur, maar hoe je je kleur herinnert. De figuren worden vervolgens samengevoegd tot een installatie of sculpturale scène. Daar worstel ik momenteel mee, omdat ik soms meer elementen heb dan ik nodig heb. Het kan een pijnlijk proces zijn om te bewerken tot alleen wat nodig is en wat functioneert.
JL: Het huiselijke lijkt een terugkerend thema te zijn in je sculpturale composities, waaronder figuren, persoonlijke bezittingen, planten en huishoudelijke apparaten. Hoe komt dat?
DW: Nou, er zijn een paar dingen die dit ingewikkeld maken. Ten eerste, als je naar musea gaat, ontdek je dat er maar weinig vrouwelijke kunstenaars in collecties vertegenwoordigd zijn. Er is iets heel interessants aan de afgietsels en de vastlegging van de tijd die het huiselijke monumentaliseren, terwijl moederschap en het vrouwelijke centraal staan in het museum. Bovendien vraag ik me vaak af waarom sommige objecten in onze musea stil of stil zijn. Ze raken stil, denk ik, en hun gevoel van kunstwerk-zijn verdwijnt. Voor mij is dat een centrale zorg. Wanneer een kunstwerk een eigen aanwezigheid en ziel heeft, worden de andere dingen slechts rekwisieten.
Naast Sons and Couch zijn er nog andere objecten te zien in de tentoonstelling, waaronder Fridge Still Life (2021) – een open koelkast van ongebakken klei, met de gebruikelijke dingen op de planken, zoals een kip, klaar voor de oven. Bovenop de koelkast staat een grote vaas met tulpen die aan het verwelken zijn. Het is dus in veel opzichten een hedendaags stilleven, dat vragen oproept die centraal staan in het huiselijke leven: wie vult de koelkast, wie leegt de koelkast en voor wie koken we?
JL: Deze zomer is er een solotentoonstelling van je werk te zien in het Ashmolean Museum in Oxford. Er zal nieuw werk te zien zijn, ontwikkeld naar aanleiding van sculpturen in de Ashmolean Cast Gallery. Wat kun je ons over deze tentoonstelling vertellen?
DW: De tentoonstellingstitel, 'Deep Rooted Things', is ontleend aan een regel uit het gedicht van Yeats, The Municipal Gallery Revisited (1939): "Mijn kinderen vinden hier misschien diepgewortelde dingen." De Ashmolean Cast Gallery is werkelijk verbazingwekkend. Het bevat bijna complete afgietsels van oude Griekse en Romeinse figuren. Er is een fascinerende collectie atleten die nog steeds de eigenschappen van jonge mannen bezitten. Ik nam de kinderen vaak mee naar het Ashmolean toen ze klein waren, dus in zekere zin maakt het deel uit van hun opvoeding en hun leerproces. De fascinatie die je als moeder en als kunstenaar voelt voor objecten, wekt die fascinatie vervolgens weer bij hen op.
De tentoonstelling speelt ook in op de collectie van de Hugh Lane Gallery en richt zich specifiek op de traditie van het stillevenschilderen. De collectie bevat bloemenschilderijen van enkele van de allereerste Ierse vrouwen die naar de universiteit of kunstacademie gingen, van wie velen in het Verenigd Koninkrijk of Frankrijk studeerden. Hun bloemenschilderijen zijn bijzonder mooi en subtiel radicaal. Er zijn ook enkele zeer aangrijpende portretten, waaronder een prachtig portret van W.B. Yeats als jongen die een boek leest, geschilderd door zijn vader, John Butler Yeats, rond 1886.
Deze kunstwerken worden gereproduceerd in een begeleidende publicatie, met teksten van Emily LaBarge en van Alexander Sturgis, directeur van het Ashmolean Museum, en Barbara Dawson, directeur van de Hugh Lane Gallery. De tentoonstelling combineert deze instellingen en belicht de verschillen in hun collecties: de ene is een wereldklassecollectie van oudheden, terwijl de andere een modernere nationale collectie is met hedendaagse werken. Ze gebruiken verschillende talen, maar voor mij is het allemaal museologie, doordrongen van het huiselijke.
JL: Het lijkt erop dat er door de eeuwen heen een terugkerend thema is van jonge mannen?
DW: Dat klopt – jonge mannen op een keerpunt in hun leven, of het nu de jonge atleten in de Ashmolean-collectie waren, of mijn eigen zonen op de drempel van volwassenheid. Je zou kunnen stellen dat er in zowel de klassieke als de hedendaagse tijd vergelijkbare druk bestond voor jonge mannen. Veel van deze onderliggende boodschap is niet verbaal; we weten het echter instinctief. Ik denk dat mijn werk zich grotendeels daar afspeelt – op dit soort drempels die universeel begrepen worden.
'Ashmolean Now, Daphne Wright: Deep-Rooted Things' is van 13 juni 2025 tot en met 8 februari 2026 te zien in het Ashmolean Museum in Oxford. De totstandkoming van nieuwe werken voor deze tentoonstelling is mogelijk gemaakt door een Visual Art Project Award van The Arts Council of Ireland.
ashmolean.org
