EMMA DWAN O'REILLY RAPPORTEERT OVER 'THE VALUE OF CRITICISME' SYMPOSIUM, DAT OP 26 FEBRUARI 2016 IN DE LEWIS GLUCKMAN GALLERY, CORK, plaatsvond[I]
In Ierland zijn praktijken van kunstkritiek blijven ontwikkelen in een veranderend landschap. Hoewel de zaken onzeker blijven met betrekking tot het opzetten van publicaties en het veiligstellen van financiering, bestaat er de afgelopen jaren een levendige energie rond het schrijven over kunst in Ierland. Nieuwe publicaties, schrijvers en redacteuren zijn ontstaan met nieuwe initiatieven en ideeën, en er is een toegenomen belangstelling voor het ontwikkelen van nieuwe ruimtes, publicatieplatforms en publiek, en voor het cultiveren van alternatieve benaderingen om over kunst te schrijven.
Het symposium 'De Waarde van de Kritiek' ging in op de rol van kunstkritiek en de criticus bij het bepalen van zowel de historische als economische waarde van kunst. De rol van de criticus in het veranderende landschap van kunstkritiek en publiceren werd ook onderzocht, met bijzondere aandacht voor hoe schrijvers, redacteuren, curatoren en omroepen hun onderwerpen benaderen en evalueren en het publieke begrip en de waardering van kunst beïnvloeden.
Grondtoon
Editor van Art Monthly, Patricia Bickers, ging in op de definitie van kritiek en sprak over de historische, tijdelijke jurisdicties die kunstkritiek en kunstgeschiedenis scheiden. Ze verwierp het idee dat kunstkritiek alleen bestaat om de kunstgeschiedenis van dienst te zijn: "Kunstgeschiedenis en kritiek zijn onderdeel van een continuüm, onafscheidelijk en van gelijke waarde zoals in elke goede relatie, maar ze worden maar al te vaak uit elkaar gedrukt."
Bickers bracht ook de kwestie van klasse en hiërarchie tussen geschiedenis, kunstgeschiedenis en kunstkritiek ter sprake, waarbij hij uitlegde dat de intrede van kunstgeschiedenis in de academie kunstgeschiedenis en kunstkritiek verdeelde, en dat de eerste bijgevolg een discipline werd genoemd, en de laatstgenoemde als een praktijk, een indeling die "riekte naar handel, de markt". Ze voerde aan dat deze indeling was gebaseerd op de veronderstelde onpartijdigheid van de wetenschap, een visie die niet langer relevant is, omdat alle commentaar op kunst het potentieel heeft om door de markt te worden gebruikt.
Bickers besprak hoe schrijven heeft bijgedragen aan het begrip en waardering van kunst, en hoe theorie kunst en kritiek verder heeft geïnformeerd, wat heeft bijgedragen aan de evolutie van beide. Ze sloot af door te stellen dat kritiek het voorwerp is geweest van veel analyse en dat de voorwaarden ervan voortdurend evolueren als reactie op veranderingen in kunst en samenleving: "Nieuwe kunst verwekt nieuwe vormen van schrijven, die op hun beurt de kunst informeren en ons begrip van haar en haar plaats in onze levens."
Deel één – De legitimiteit van kritiek (voorgezeten door Lucy Dawe-Lane)
Sarah Kelleher opende de sessie 'Legitimacy of Criticism', verwijzend naar kunstkritiek als "steeds meer een angstig genre van schrijven". Ze verwees naar de vele gebeurtenissen waar de angst voor kritiek, de duurzaamheid, invloed, nauwkeurigheid en relevantie ervan zijn besproken, en nam het voorstel van James Elkins op dat kritiek massaal wordt geproduceerd en massaal wordt genegeerd.
Kelleher twijfelde aan de relevantie van kritiek in het online tijdperk, met het argument dat veel van de angst binnen kritiek voortkomt uit het gebrek aan invloed en autoriteit, evenals de onzekere positie van de criticus. Ze benadrukte het belang van oordeel en aanvaardde dat autoriteit en invloed misschien niet langer op dezelfde manier van toepassing zijn, en zag dit als een kans voor critici om hun eigen rol strenger te evalueren. "Hoewel de invloed van kritiek kan afnemen en de kwaliteit van het schrijven kan variëren," zei ze, "vervult de criticus nog steeds deze rol van ambassadeur, pleitbezorger, analist en taxateur en een bijdrager aan de eerste versie van de kunstgeschiedenis".
Kunst 'persoonlijk' nemen stond centraal in Cristín Leachs bijdrage aan het symposium. Ze benadrukte het belang van “in het moment zijn met de kunst”. Hoewel ze erkende dat de criticus veel rollen heeft, benadrukte ze dat het hun belangrijkste rol is om kunst persoonlijk te nemen. Ze benadrukte dat "het enige dat de moeite waard is om te schrijven, het ding is dat alleen jij kunt schrijven", en legt uit dat dit van invloed is op de reden waarom bepaalde schrijvers onze favorieten worden, dat hun kenmerkende stijl voortkomt uit het persoonlijk opvatten van kunst, wat de lezer overkomt in hun unieke reactie. Leach suggereerde dat terwijl schrijvers een professioneel masker dragen, gedachten en gevoelens uit hun persoonlijke leven op een onzichtbare manier in hun schrijven kunnen materialiseren en op een persoonlijk niveau tot de lezer kunnen spreken.
Leach voerde aan dat de vaardigheid om deze persoonlijke connectie of reactie te geven, is om dit te doen zonder de eerste persoon of zelfs de tweede of derde persoon te gebruiken. "Het 'ik' moet onzichtbaar zijn, maar altijd aanwezig en altijd persoonlijk opvatten." Later was er echter enige discussie over de vraag of specifieke omstandigheden van een bepaalde show incidenteel gebruik van het voornaamwoord van de eerste persoon zouden kunnen rechtvaardigen.
Caoimhín MacGiolla Leith erkende de moeilijkheid bij het categoriseren van de huidige stand van zaken of toekomstige vooruitzichten op het gebied van kunstkritiek, en stelde voor dat kritiek en de criticus niet één rol maar vele hadden. Hij stelt het publiek centraal bij het schrijven over kunst en sprak over het verschil tussen schrijven over onbekend werk en werk dat al vele malen is beoordeeld.
Hij suggereerde dat kritiek in verschillende categorieën zou kunnen vallen en noemde de zeven categorieën van Elkins. Erkennend dat, hoewel dit classificatiesysteem nog steeds nuttig is, hij van mening was dat het "gemakkelijk kon worden bijgewerkt, aangevuld of uitgebreid om tegemoet te komen aan die recent opkomende of heroplevende vormen van kunstschrijven die zich losmaken van beschrijving, analyse, evaluatie en contextualisering ten gunste van meer nieuwe en excentrieke manieren van aanspreken". Soorten schrijven (hier verwijzend naar Gertrude Stein), "bestaan naast het kunstwerk op een parallel vlak, in plaats van het alleen maar te dienen".
Panel twee – Voor wie is kritiek bedoeld? (Voorgezeten door Fergal Gaynor)
Declan Long opende dit panel door zijn eigen persoonlijke verslaving aan kritiek te noemen, met details over de stilistische kenmerken die hem naar bepaalde critici trekken en de lessen die kunnen worden getrokken uit het lezen van kritiek.
Hij besprak hoe er in gespecialiseerde publicaties verwachtingen zijn, "niet alleen van gedeeld vocabulaire, maar van gedeeld enthousiasme, gedeelde verantwoordelijkheden, collectieve culturele voorkeuren". Hij suggereerde dat de schrijvers hun eigen eerste publiek zouden kunnen zijn: "Misschien zou het ook voor mij kunnen zijn terwijl ik het schrijf ... Ik schrijf iets waarvan ik denk dat ik het wil lezen". Long ging verder in de richting van het beantwoorden van de vraag van: die kritiek is voor, vragen voor wie kritiek pleit, in plaats van tegen wie. Hij concludeerde dat "kritiek gericht is tegen het reeds besloten, het dogmatische".
Rebecca O'Dwyer wendde zich af van 'publiek' als antwoord op de vraag 'voor wie is kritiek?' Ze pelde lagen van de vraag weg en voerde aan dat het 'wie' draait om de veronderstelling dat de waarde van kritiek alleen wordt bepaald door het 'gebruik' ervan. Ze verwierp de waarde van kritiek die wordt beoordeeld op 'gebruik' en 'gelezen worden', en legt uit dat deze voortkomen uit de professionalisering van het veld en de overtuiging dat het 'iets moet doen'.
O'Dwyer benadrukte de waarde van zowel lezen als schrijven bij het verkrijgen van een beter begrip van kunst en overwoog hoe kritiek kan worden voor betere de criticus. Ze kwam tot de conclusie dat het schrijven van kritiek voor een groot deel iets voor haar is, als schrijver, maar ook voor “niemand en tegelijkertijd voor iedereen”.
Brian Fay dacht ook na over het idee dat schrijven een creatief proces is voor de schrijver. Hij antwoordde op de vraag van die met "wie het nodig heeft", stelde voor dat het publiek van kunstkritiek heterogeen is, en verlegde de vraag naar het identificeren van wie die mensen zouden kunnen zijn en waarom ze het zouden willen.
Hij identificeerde praktiserende kunstenaars als een groep die consequent en actief met kritiek omging, en die vaak de kunstproductie informeerde, en presenteerde een model van drie fasen, van productie tot tentoonstelling, tot de laatste fase waarin de werken een reactie oproepen. Hij voerde aan dat dit model geen rekening hield met het feit dat fase drie fase één zou kunnen informeren, en noemde het een "gedraaide cilinderlus", met kritiek, interpretatie en evaluatie "ingebed, verstrengeld in de productiehandeling".
Fay besprak ook de recensie van voltooid werk, waarbij hij benadrukte hoe kunstenaars weerstand nodig hebben, en pleitte voor de waarde van kritiek als dialoog in plaats van alleen als bevestiging.
Paneel drie – De toekomst van kritiek (Voorgezeten door Chris Clarke)
Clíodhna Ní Anluain opende het derde en laatste panel en overwoog hoe radio en televisie vaak als vluchtig worden beschouwd en merkte op dat er in de eerdere werkzaamheden van het symposium geen enkele verwijzing naar was. Ze benadrukte het belang van verhalen op radio en televisie, en de kracht die een uitgezonden discussie kan hebben om de perceptie van zowel de inzenders als het publiek te veranderen. Ze dacht na over de belangrijke historische erfenis van het gesproken archief dat RTE heeft opgebouwd door middel van interviews en opnames.
Centraal in de bijdrage van Gemma Tipton stond het idee dat kunst werelden overschrijdt. Ze pleitte voor het schrijven dat kunst en kunstenaarsideeën in andere disciplines en gesprekken bracht. Ze erkende de lijnen binnen disciplines en de veelheid aan contexten waarin schrijven kan zitten, elk met verschillende mandaten en doelgroepen, maar moedigde ze aan om het idee van het specialistische en universele publiek te scheiden.
Tipton benadrukte het belang van inclusiviteit in zowel taal als discours, aangezien de toekomst meer multidisciplinaire manieren van denken en maken zou brengen. Hoewel ze begreep dat specialismen hun eigen taal hebben, stelde ze voor om technisch jargon te gebruiken om slecht schrijven te verbergen, wat een grote bedreiging vormt voor kunstkritiek.
Tipton beschouwt de toekomst van kritiek rooskleurig en pleitte voor "door te gaan met het streven naar uitmuntendheid aan de specialistische kant, om het lawaai te doorbreken en de onzekerheden weg te nemen, en het idee van plezier te onthouden".
Nathan Hugh O'Donnell beschreef kritiek als een uitwisseling, bemiddeling tussen kunst en een soort publiek. De toekomst van kunstkritiek, zo betoogde hij, ligt bij tijdschriften en stelde dat tijdschriften (ook die online) belangrijk zijn vanwege de manier waarop ze publiek construeren en historisch gezien zijn verschenen op elk moment dat het publiek zich uitbreidde. Hij betoogde dat publieken heterogeen zijn, dat er geen definitief publiek is: “De meeste mensen kruisen disciplines en specialismen.”
'The Value of Criticism'-symposium bouwde voort op de erfenis van soortgelijke gebeurtenissen die hebben geprobeerd het doel van kunstkritiek te bepalen, aangezien het breekt en evolueert in een tijd waarin traditionele definities, functies en benaderingen minder gelden. Het symposium had een optimistischer gevoel ten opzichte van andere hartslagmetingsessies over het onderwerp. Gelukkig stuurden de bijdragers weg van de goed ingestudeerde discussie over de eeuwigdurende crisis en in de richting van gesprekken over inclusie en de waarde van kritiek, wat een gevoel van een mooie toekomst gaf, met ruimte voor meer stemmen, publiek en schrijven.
Emma Dwan O'Reilly is een schrijver en onderzoeker gevestigd in Tipperary.
[I] Twitter-handelingen bij #VOC16
Afbeelding: Keynote door Patricia Bickers; afbeelding met dank aan de Glucksman Gallery.
