SARAH HAYDEN INTERVIEWT PÁDRAIG SPILLANE OVER HET TRAJECT VAN ZIJN PRAKTIJK EN ZIJN RECENTE TENTOONSTELLING, 'WAT GAAT TUSSEN ONS DOOR', IN SIRIUS ARTS CENTRE.
Sarah Hayden: Sinds enkele jaren neigt uw praktijk naar drie dimensies, en toch blijft het een preoccupatie met oppervlakken. Hoe zie je deze ontwikkeling en hoe verhoudt deze zich tot je interesse in het bevragen van 'diepteloze', tweedimensionale beelden?
Pádraig Spillane: Mijn interesse in oppervlakken gaat over hoe ze opnieuw kunnen worden gerangschikt. Dit kan het doorzoeken van de ingewanden van materialen zijn, of het knippen en scheuren van drukwerk, om te onderzoeken hoe dingen eruitzien en aanvoelen in de nabijheid van elkaar. De afbeeldingen en objecten die ik gebruik – gevonden of gezocht – zijn over het algemeen commerciële, industriële of in massa geproduceerde materialen. Deze dingen zijn vaak vertrouwd, alomtegenwoordig of op de een of andere manier gemeenschappelijk ervaren via onze gedeelde beeldcultuur. Ik deconstrueer deze beelden en leg ze over elkaar, op zoek naar aanwijzingen en opwinding en om onverwachte effecten te creëren. De evolutie van het werk van twee naar drie dimensies kwam voort uit dit onderzoek en uit mijn verlangen om tactiele transformaties te produceren binnen een met beelden verzadigde hedendaagse context.
Ik hou wel van de dubbelzinnigheid van het woord 'diepteloos'. Het suggereert iets dat geen diepte heeft en zich enorm kan uitstrekken. Oorspronkelijk werkte ik met 'platte' materialen, zoals drukwerk voor collage en décollage. Ik word vaak aangetrokken door hoe een figuur of een lichaam in een afbeelding wordt geplaatst. Ik concentreer me op overwegingen als de betekenis van kleur, de ruimte rond een lichaam, welk gebaar wordt getoond en de rekwisieten of symbolen die worden gebruikt. Ik ben ook geïnteresseerd in de werking van een scheur of snee in dergelijke beelden, vooral met betrekking tot de spanningen die worden veroorzaakt door het samenkomen van ongelijksoortige elementen. Ik werk ook veel met spiegels om de schijnbaar virtuele ruimtes te benutten die worden gecreëerd door reflecterende oppervlakken.
SH: Veel van je werk lijkt hyperafgestemd op gevallen van nabijheid en punten van fysiek contact. Wat motiveert deze fascinatie voor het maken van kunstwerken die in beslag genomen lijken door aanraking?
PS: Met behulp van een collagestrategie wordt de relatie tussen beeldfragmenten (of afbeeldingen en objecten in mijn sculpturale assemblages) geleid door nabijheid; Op basis van de plaatsing van deze beelden ontstaan relaties en associaties. Contact en nabijheid zijn fundamenteel voor hoe ik werk. Het is de opwinding van pauzes en onderbrekingen - de openingen die worden gegenereerd door veranderingen in context en inhoud - die mijn praktijk drijft. Ik ben geïnteresseerd in concepten van spiegelen en verdubbelen, evenals in wat iets volledig onderscheidt. Tastbaarheid, stimulatie en de simulatie van haptisch verlangen staan centraal in dit proces.
SH: Je werk is de laatste tijd te zien geweest in verschillende groepstentoonstellingen. Is er een constellatie van kunstenaars, stromingen of tendensen (actueel of kunsthistorisch) waarmee uw werk verbinding probeert te maken?
PS: Voor mij komt het neer op een heel simpele artistieke prioriteit om werk te maken dat ik wil zien. Ik bewonder kunstwerken die niet alleen de status quo weerspiegelen of versterken, maar deze bekritiseren, afbreken of verdraaien tot iets nieuws door middel van verschillende vormen van representatie. Isa Genzken, Hannah Höch en Jimmy De Sana zijn kunstenaars waar ik regelmatig naar zou kijken en aan zou denken. Ik bewonder hun vermogen om objecten naast de figuur te configureren en hun toewijding om commentaar te ontwikkelen door het gebruik van gefabriceerde materialen, evenals de geïdealiseerde 'push-and-pull' die zich in hun werk manifesteert.
SH: In welke mate beschouwt u uw praktijk als door onderzoek geleid? Wat ben je momenteel aan het lezen en wat heb je gelezen dat je recente werk heeft geïnformeerd?
PS: Mijn achtergrond ligt in de filosofie en als zodanig is mijn onderzoek gericht op het absorberen van nieuwe theoretische perspectieven, om te zien hoe ze kunnen helpen bij het genereren van nieuw werk. Voor mijn recente tentoonstelling 'What Passes Between Us' in Sirius Arts Center (2 september – 15 oktober) heb ik Zonefragmenten voor een geschiedenis van het menselijk lichaam, onder redactie van Michel Feher, en Van communie tot kannibalisme: een anatomie van metaforen van incorporatie door Maggie Kilgour. Beide zijn verhelderend in het onderzoeken van zowel hoe als waarom we veel verschillende constructies van menselijke belichaming hebben gegenereerd.
Daarnaast, Ruimte, tijd en perversie: essays over de politiek van het lichaam door Elizabeth Grosz en Cruise Utopia door José Esteban Muñoz stelt voor dat de manier waarop we spreken het lichaam tot een sociaal wezen brengt, en dat het lichaam iets is dat voortdurend wordt geproduceerd en omgevormd. Ik heb ook het nieuwe boek van Franco 'Bifo' Berardi gelezen, Toekomstbaarheid: het tijdperk van impotentie en de horizon van mogelijkheden en #ACCELERATE MANIFESTO voor een versnellende politiek door Alex Williams en Nick Srnicek. Deze zijn allemaal terug te vinden in mijn werk. China Miéville is een sciencefictionschrijver die ik ook bewonder. Tijdens het werken aan mijn tentoonstelling, de verhalenbundel van Miéville, Drie momenten van een explosie, zat altijd ergens in mijn achterhoofd.
SH: In hoeverre was 'What Passes Between Us' opgevat als een locatiespecifiek project?
PS: Om te lenen van Alice Jardine's discussie 'Of Bodies and Technologies', zou een geschikte oriëntatie voor de tentoonstelling de uitdrukking "rituelen voor toekomstige lichamen" kunnen zijn.1 'What Passes Between Us' overdacht productiewijzen die verschillende transformaties van – en in – het lichaam. Bij het bedenken van het concept met de curator, Miranda Driscoll, is expliciet de locatie van Sirius gebruikt om de tentoonstelling te oriënteren. Het kunstencentrum bevindt zich in het industriële wereldwijde centrum van Cork Harbour - een locatie met een concentratie van farmaceutische en technologische fabrieken die producten en grondstoffen produceren om menselijke lichamen te veranderen. Het idee dat lichamen onderhevig zijn aan interventie vormt thematisch de basis van niet alleen deze tentoonstelling, maar ook mijn bredere lopende praktijk.
De werken die op 'What Passes Between Us' werden gepresenteerd, leenden van minimalisme in hun gebruik van eenvoudige structuren, herhaling, rasters, uitbestede fabricage en industriële materialen zoals zacht staal en PVC. Ze werden ook beïnvloed door het post-minimalisme en het queer-minimalisme, met kale assemblages die tot doel hadden lichamelijke gevoelens op te wekken. Deze minimalistische esthetiek werd ondermijnd door de introductie van een herhaalde handpalm die op zijn beurt werd gemanipuleerd en vreemd gemaakt met behulp van de logica van het raster, wat de sensatie en het gevoel verhoogde. Iets dat bestaat 'om aan te raken' is veranderd in iets 'om aan te raken' be aangeraakt', bekeken en gevoeld. Dit beeld werd zowel boeiend als gruwelijk, door de herhaling en de herformulering binnen de reeks.
SH: Wat was de aanleiding voor je beslissing om een sonisch element in deze installatie op te nemen?
PS: Ik was geïnteresseerd in het onderzoeken van de stem als site en generator van verlangen. Ik luisterde veel naar koormuziek en genoot ook van zang, ad-libs en refreinen in house- en popnummers. De erotische potentie van vocale articulatie is iets waar zowel mijn medewerker, de moderne componist Simon O'Connor, als ik door gefascineerd zijn. Voor de show in Sirius maakten we twee partituren, gebaseerd op de thema's aantrekking, afstoting, intimiteit en ontmoeting tussen lichamen en objecten.
SH: Gezien de toekomstgerichte, speculatieve houdingen die zich manifesteren in uw recente werk, word ik ertoe aangezet om te eindigen met de vraag: wat gebeurt er vervolgens in uw praktijk? Heb je een richting in gedachten?
PS: Het is mijn bedoeling om te onderzoeken hoe belichaming cultureel en technologisch wordt geproduceerd, in Foucauldiaanse zin. Ik wil barsten openen in hoe we onze biopolitieke relatie met technologie begrijpen. In 2018 zal mijn werk te zien zijn in een groepstentoonstelling in de Crawford Art Gallery. Samen met fotograaf Claire Ryan zal ik ook een tentoonstelling samenstellen in Sirius Arts Centre voor het tweejaarlijkse Cork Photo Festival 2018. Sinds 2013 ben ik parttime docent fotografie aan het Crawford College of Art and Design (CIT) en kritische discussies over hoe composities en beelden gestructureerd zijn, is een steeds belangrijker onderdeel van mijn onderzoek geworden.
Pádraig Spillane is een beeldend kunstenaar die werkt met fotografie, collage en assemblage. Hij is gevestigd in Cork.
Sarah Hayden is schrijfster en docent aan de Universiteit van Southampton.
Note
1. Alice Jardine, 'Over lichamen en technologieën' in Dia Art Foundation's Discussies in de hedendaagse cultuur nummer één, red. Hal Foster (Seattle: Bay Press, 1987), pp.151-158.
Gebruikte afbeeldingen: Pádraig Spillane, Wens Landschap Droomliefhebber, 2015, installatieoverzicht, TACTIC, Cork; foto met dank aan Roland Paschhoff. Pádraig Spillane, Pulsposities, 2017, digitale collage op Hahnemühle 310 grams, 32 x 37 cm. Pádraig Spillane, Ogen Toekomstige Tijd, 2017, digitale collage op Hahnemühle 310 grams, 25 x 16 cm.
