JONATHAN CARROLL INTERVIEWS EVA ROTHSCHILD OVER DE VERTEGENWOORDIGING VAN IERLAND OP DE 58STE BIENNALE VAN VENETI.
Jonathan Carroll: Je biografie is de perfecte antithese van Brexit: je bent geboren in Dublin; studeerde aan de Universiteit van Ulster, Belfast; woon in Londen en heb een MA van Goldsmiths; en je wordt naar Venetië gebracht door Void Gallery in Derry, met een curator uit Cork. Is het een goede timing voor zo'n Europees streven?
Eva Rothschild: We waren niet de enigen die bezorgd waren om alles vóór de oorspronkelijke Brexit-datum naar Venetië te vervoeren. De Schotse, Welshe en Britse paviljoens waren allemaal vroeg geïnstalleerd om problemen te voorkomen. Er is niets in de show dat direct verband houdt met Brexit - ik maak geen werk dat op die manier een verhaal heeft. Het is interessant om in Noord-Ierland te werken tijdens dit cruciale moment in de Brits-Ierse betrekkingen. Omdat ik in het VK woon, is het erg belangrijk voor mij om me te identificeren als een Ierse kunstenaar.
JC: Het selectieproces voor de Biënnale van Venetië is zeer competitief en omvat veel samenwerking tussen opdrachtgever, curator en kunstenaar. Kunt u inzicht geven in hoe uw team tot stand is gekomen?
ER: Ik wilde al heel lang naar Venetië, maar ik had me niet gerealiseerd dat je daarvoor moest solliciteren. Als onderdeel van het open-call-proces nomineren curatoren en opdrachtgevers kunstenaars met wie ze willen werken. Mary Cremin en ik wilden al een tijdje samenwerken, en toen werd ze benoemd tot directeur van Void in Derry. Mary is een kracht om rekening mee te houden - een dynamisch maar kalm persoon die alles aankan en een geweldige curatoriële flair heeft. Je moet er ook voor zorgen dat er een soort van institutionele ondersteuning is, om te coördineren en te zorgen voor structuren om het project te laten slagen. Een groot probleem is natuurlijk extra financiering.1
JC: Een van de belangrijkste criteria van de Arts Council voor Venetië-artiesten is het vermogen om hun praktijk naar een ander niveau te tillen – werd je gevraagd om “groot te denken”?
ER: Ik ben bijna 50 en werk al 25 jaar als kunstenaar. Ik veronderstel dat als je wilt dat ik een project doe, je weet dat het waarschijnlijk beeldhouwkunst zal zijn, hoewel dit niet hetzelfde is als het maken van een show voor een kleine commerciële ruimte of het doen van een architectonisch project. Je houdt in ieder geval rekening met de context van de tentoonstelling. Tonen in Venetië is alsof je de meest openbare tentoonstelling doet die je je kunt voorstellen. Er is een verwachting dat het werk een schaal en ambitie zal vertonen die niet geschikt zijn in andere contexten. Als beeldhouwer heb ik het gevoel dat veel internationaal erkende hedendaagse Ierse kunst nogal verhalend is, of veel te maken heeft met op tijd gebaseerde media. Ik vond het belangrijk dat mijn werk trouw bleef aan een sculpturale kern, dus dat is heel erg hoe ik het paviljoen benader, om fysieke sculpturale betrokkenheid te benadrukken. Het is vermeldenswaard dat het Ierse paviljoen zich bevindt als een voortzetting van de belangrijkste tentoonstelling van de Biënnale van Venetië - dit jaar samengesteld door Ralph Rugoff - in tegenstelling tot de op zichzelf staande nationale paviljoens in de Giardini. Het is de enige overgebleven artworld-show die is georganiseerd rond nationale identiteit. De geschiedenis en levensduur van de Biënnale van Venetië en de positionering van de paviljoens weerspiegelen de koloniale structuur die nu is uitgehold. Het Ierse paviljoen bevindt zich een beetje in het 'postkoloniale' gedeelte - het is een goede plek om te zijn.
JC: Kunnen we iets van de omvang van uw Duveen Commissie 2009 verwachten, Koude Hoeken, voor Tate Britain?
ER: Het past binnen het idioom van mijn werk, maar ik heb nagedacht over de architectuur van de ruimte en de doorstroming van mensen. Ik was gewaarschuwd dat niets je kan voorbereiden op de drukte die de eerste dagen doorkomt. De vier belangrijkste sculpturale elementen die ik zal laten zien, zijn zeer veeleisend, in termen van hun fysieke vereisten. Dat is een van de grote voordelen van exposeren in de Arsenale - er zijn niet zoveel verdiepingen in Venetië die betonblokken of zware sculpturen kunnen bevatten. De locatie kon niet beter zijn, in termen van toegang. Deze ruimte is ook vrij ruw en klaar, dus het werk moet robuust en coherent genoeg zijn om met dat soort omstandigheden om te gaan en stand te houden. Mijn werk is ofwel episodisch of bestaat uit meerdere elementen - hoewel je het op één manier ziet gerangschikt, biedt het de mogelijkheid om het op verschillende manieren te tonen.
Ik ben erg geïnteresseerd in hoe mensen een ruimte met sculpturen zien die ook door andere mensen wordt bevolkt - ze geven een kinesthetisch gevoel van schaal en mogelijkheid in relatie tot de objecten. We hebben allemaal de ervaring om naar deze blockbuster-tentoonstellingen te gaan en over de hoofden van mensen te turen, in een poging een glimp op te vangen van de ijle kunstwerken. Dat is geen ideale situatie, maar ik denk dat je met beeldhouwkunst te zien krijgt hoe mensen naar dingen kijken, hoe ze zich gedragen ten opzichte van het object, en hoe ze zich ordenen in hun manier van kijken. Ik ben geïnteresseerd in toeschouwers, vooral in een spectaculaire situatie als Venetië. Ik ben me er terdege van bewust dat de tijd die mensen aan een kunstwerk besteden miniem is. Binnen deze paar seconden is er een wanhoop om de taal te vinden die daarbij hoort, dus een zoektocht naar het paneel en de titel volgt. Om de neiging van het Ierse paviljoen om een gang te worden tegen te gaan, heb ik zitplaatsen in de tentoonstelling opgenomen, om mensen aan te moedigen een tijdje te blijven. Ik heb ook een soort geforceerde interactie met het werk toegevoegd, door barrières op te werpen die de bezoekers opsluiten. Je kunt niet zomaar langs het werk lopen; je moet er op de een of andere manier omheen.
JC: Misschien zal er een soort van opluchting zijn voor de kijker, nadat ze door deze zwaar samengestelde verhalende sectie zijn gekomen, om 'dingen in een kamer' te vinden?
ER: Ja. Tegen de tijd dat ze bij het Ierse paviljoen aankomen, zullen kijkers al veel shows in de Arsenale zijn tegengekomen. En daar komt het op neer: het is 'spullen in een kamer', dingen die je nergens anders zult vinden. Ik denk dat als je met beeldhouwers praat die erg betrokken zijn bij het maken, er veel dingen zijn die hun werk informeren, maar meestal worden ze overschreven door de wens om iets te zien bestaan, of om het materiaal te dwingen iets te doen. Er is dus een neiging om het idee boven het object te plaatsen, maar voor mij staat het object centraal. Ik denk dat er nu zo'n scheiding van materialiteit is, dat ik me elke dag zeer bevoorrecht voel om echt met 'dingen' te werken in plaats van schermen. Ik plet iets in een doos, of ik zag iets in tweeën, of ik maak een mal. Dat is wat ik het liefst de hele dag zou doen – ik hou van lichamelijkheid, ik hou van het gevoel van arbeid, het gevoel van werken. Als ik dit niet zou doen, zou ik liever iets fysieks doen dan iets stoelgebonden.
JC: Kun je de betekenis van titels in je werk bespreken?
ER: Ik vind titels erg belangrijk. Titels sturen het taalfunctionerende deel van de hersenen naar het creëren van betekenis voor het visuele. Mensen zien de titel ook als een soort kruk, dus ik vind het belangrijk dat ik die ondersteuning ontwerp. Ik veronderstel dat ik mijn auteursrol voortzet via de titels van de werken. Ik haat het als werken geen titel hebben. Tijdens het ontwikkelen van deze tentoonstelling heb ik de titel van een kunstwerk gewijzigd, wat problematisch was, omdat het catalogus-essay al was bewerkt. Dit amendement was echter belangrijk voor mij, aangezien het werk nu is geregeld, terwijl het voorheen een beetje onrustig aanvoelde.
JC: Er is een zekere druk op kunstenaars om relevant te zijn voor het huidige moment, maar je werk behoudt een zekere afstandelijkheid die het isoleert van deze behoefte om voortdurend commentaar te leveren op het heden. In uw persbericht voor Venetië wordt gesproken over het toestaan van "beschouwing van de materiële erfenis" van zowel "huidige als vroegere beschavingen". Vindt u het belangrijk om tijdgebondenheid binnen uw werk te vermijden?
ER: Een van de rare dingen aan iets als Venetië doen, is het niveau van discussie voorafgaand aan de opening en de drive om dingen in een reeks onderwerpen te passen. Deze dingen informeren het werk, in die zin dat ze mijn kijk op de wereld vormen, maar het werk zelf is niet illustratief voor deze dingen. Ik zou heel erg van het soort Susan Sontag 'Against Interpretation' zijn. Ik wil wel dat het werk vrij van die dingen zweeft, maar dat wil niet zeggen dat mijn eigen zorgen niet de zorg van het werk zijn. Er is meestal niet de drang om het werk een soort van schoenlepel te geven in een verhaal, zoals dat wel het geval is bij het doen van zoiets als de Biënnale van Venetië.
JC: Het Ierse paviljoen keert meestal terug naar Ierland nadat de biënnale eind november is gesloten. Waar wordt het getoond?
ER: Ik heb in Belfast gestudeerd, heb een sterke band met Noord-Ierland en wilde heel graag exposeren in de Void Gallery in Derry. Daarna zullen we optreden in VISUAL Carlow en ergens in Dublin – een locatie hebben we nog niet beslist.
Jonathan Carroll is een curator en schrijver gevestigd in Dublin.
Eva Rothschild is een kunstenaar die momenteel in Londen woont en werkt. De 58e Biënnale van Venetië vindt plaats van 11 mei tot 24 november 2019.
Opmerkingen:
1 Eva heeft een serie prints en sculpturen gemaakt om het uiteindelijke project te financieren.
Functieafbeelding:
Eva Rothschild, 'Kosmos', installatieoverzicht, Australian Centre for Contemporary Art, Melbourne, 2018; foto door Andrew Curtis.
