Etter å ha fullført en diplomutdanning i kunstmaling på slutten av 90-tallet, returnerte jeg til utdanning i 2004 og studerte ungdomskunst ved Maynooth University. Kurset, som hadde som mål å jobbe kreativt med unge mennesker utenfor det vanlige utdanningssystemet, ville påvirke livet mitt enormt. På kurset møtte jeg teaterskaperen Louise Lowe, og vi to skulle jobbe sammen på slutten av året vårt. Tumbledowntown (2005). I prosjektet samarbeidet vi med 26 unge mennesker fra Ballymun i en lokal, forlatt leilighet gjennom en hel sommer. Vi jobbet på tvers av teater og visuell kunst, og utforsket de unges holdninger til området sitt. Dette tverrfaglige høyskoleprosjektet ble finansiert gjennom en oppdragsordning for «Breaking Ground Per Cent for Art», og ble vist som en del av Dublin Fringe Festival 2005, der det vant Spirit of the Fringe-prisen.
Jeg returnerte til kunstmaling og ble uteksaminert i 2010 med en mastergrad fra NCAD. Mens jeg var der, fortsatte Louise og jeg å jobbe sammen, og i 2009 bestemte vi oss for å danne ANU. ANU er et tverrfaglig produksjonsselskap som presenterer prisvinnende teater, visuell kunst og sosialt engasjerte kunstverk i eksterne kontekster. Vi setter publikum i sentrum for hvert verk og skaper en oppslukende, levende opplevelse der publikum har handlekraft og nærhet til de hypnotiserende verdenene vi skaper. Sammen har vi skapt over 50 banebrytende verk, offentlige kunstoppdrag, galleriinstallasjoner og museumstolkninger, noe som har bygd opp et nasjonalt og globalt rykte for fortreffelighet.
Min praksis er tverrfaglig og har utviklet seg på tvers av scenografi, visuell kunst og sosialt engasjerte kunstverk. Disse disiplinene er alltid i bane rundt hverandre, knyttet sammen og informerer hverandre. En del av dette er en sterk interesse for historie, arkiver, rom og sted, og sosiale og kulturelle spørsmål. Jeg tiltrekkes av rommene mellom disipliner og emner. Arbeidene mine er hovedsakelig laget som eksterne, store, multiroms, immersive installasjoner.
Design og bygging av et immersivt miljø utenfor det tradisjonelle teaterrommet har to hovedroller for meg. For det første må det støtte utøverne gjennom konstruksjonen og kurateringen av deres verden. For hver immersive forestilling skaper jeg et rom for å støtte, kartlegge og gi et bakteppe for utøverne. Dette begynner veldig tidlig gjennom samtaler med regissøren, og utvikler seg etter hvert som stykket utvikler seg med rollebesetningen og det kreative teamet, og finner til slutt en ferdig form under øvelsene.
Den andre viktige rollen for mitt off-site design er å støtte publikums opplevelse av den verdenen. Denne verdenen oppfattes i full, altoppslukende 360 grader, og er nødvendig for å engasjere publikum til enhver tid, fra den minste rekvisitten til det største kulisset. Utformingen av miljøet må være så sømløs som mulig, for å sikre at publikum alltid er oppslukt av forestillingens øyeblikk. Jeg streber etter å skape rom der publikum ikke kan se forbindelsen mellom den fysiske bygningen og scenografien min. Paradoksalt nok vet jeg at det designede rommet er vellykket når publikum ikke legger merke til at det er designet. Når dette skjer, støtter designene mine både publikum og den settte utøveren samtidig.
MONTO-SYKELEN: Begynnelsen på en designpraksis
Fra 2010 til 2014 laget jeg Verdens endevei (2010) Vaskeri (2011) Guttene i Foley Street (2012), og Vardø (2014) med ANU. Kjent som «Monto-syklusen», utforsket den fire viktige øyeblikk i løpet av det siste århundret av The Monto, en kvart kvadratkilometer stor del av Dublins nordlige indre by og, en gang i tiden, Europas største red light district. På tvers av de fire verkene skapte jeg installasjoner, videoer og lydstykker som ble møtt og opplevd samtidig med liveopptredenen.
Som en del av Guttene i Foley StreetJeg gjorde om en leilighet i Liberty House (som siden er revet) til en fullt møblert leilighet fra 1970-tallet. Denne kreative intervensjonen ble gjort for å støtte utøverne, forestillingen og publikumsopplevelsen, og så at praksisen min begynte å inkludere immersiv design, selv om jeg fortsatt så på det gjennom et kunstinstallasjonsperspektiv.
DISSE ROMMEN: Et girskifte
I 2016 samarbeidet ANU og CoisCéim Dance Theatre om et prosjekt som responderte på en tapt historie med øyenvitneskildringer om henrettelsen av 15 menn av den britiske hæren under påskeopprøret i en rekke med ti hus på North King Street. Disse rommene var et oppslukende liveopptreden- og installasjonsprosjekt som kryssbestøvet samtidsdans, visuell kunst og teater.
Jeg jobbet i en fireetasjes bygning i nærheten av stedet for det opprinnelige arrangementet, og designet og installerte 22 fullstendig immersive installasjonsrom. Jeg jobbet tett med teamet for å bygge en immersiv verden der dans, teater og visuell kunst kunne eksistere i balanse. Ved å kombinere tid og rom, la vi arbeidet vårt til 1966, noe som ga oss distanse fra det opprinnelige arrangementet i 1916 og vår egen hundreårsmarkering i 2016, som var i full gang på den tiden.
Publikum reiste gjennom bygningen og møtte hypervirkelige og hypersurrealistiske rom. Ved å engasjere meg i denne tapte historien skapte jeg et rom som presset rekken med ti hus inn i én vertsbygning. Jeg har alltid følt at de ti husene gradvis har forsvunnet over tid, sammen med historien sin. Designet mitt reflekterte dette, ettersom jeg presset rom og strukturer inn i og opp mot hverandre, som om bygningen konsumerte seg selv.
Dette prosjektet føltes som et girskifte i skala og ambisjon, ettersom et sterkt personlig visuelt språk begynte å dannes. Noe skjedde, noe utviklet seg, og dette var et veldig viktig øyeblikk for arbeidet mitt, ettersom det satte alle fasetter av praksisen min i fokus.
HAMMAM: Oppslukende design
Hammam (2023) på Abbey Theatre, designet i samarbeid med Maree Kearns, avsluttet ANUs kreative respons på hundreårsjubileet etter svimlende 22 prosjekter siden 2013. Som en respons på de siste øyeblikkene av slaget om Dublin under den irske borgerkrigen, ble publikum invitert til å reise gjennom dypet av de ødelagte bygningene på O'Connell Street. Jeg designet og plasserte disse ruinene på scenen, i auditoriet og bak scenen på selve Peacock Theatre. Jeg lekte med rom og struktur og brettet bygninger og rom oppå hverandre. Å gå gjennom en dør kan føre deg til det tyrkiske hammambadet eller inn på soverommet på Hotel Granville eller til et midlertidig feltsykehus.
Ved hjelp av forsikringsdokumenter som oppbevares på Irish Architectural Archive, kunne jeg fastslå hva som hadde gått tapt i ødeleggelsene og utforme deretter. Igjen skapte jeg et fullstendig oppslukende sted for forestillingen vår. Mitt inngrep i bygningen var utrolig komplekst, og la en ortodoks teaterplan over en mye mer uvanlig og komplisert utforming der ikke-offentlige områder, som greenroomet, ble forvandlet og krysset spilleområdet. Jeg ønsket at faste besøkende på Peacock Theatre ikke skulle vite hvor de var til enhver tid; å endre deres oppfatning av et virkelig kjent sted, slik at de kunne fordype seg fullstendig i rommet, fortellingen og forestillingen.
Kommende arbeid
ANU har blitt invitert av Riksarkivet til å svare på folketellingen fra 1926 (den første folketellingen i den nydannede Irske fristaten). Resultatet er en ambisiøs, engasjerende, stedsspesifikk produksjon, som har premiere neste sommer i Riksarkivets nye, toppmoderne arkiv, før de 350 000 arkivboksene, som skal oppbevares der, returneres. Dette ekstraordinære portrettet av en nasjon ved et veiskille blir utgangspunktet for FRAMING THE NATION, en dristig ny flerårig syklus som utforsker øyeblikkene som formet det moderne Irland.
Vi har også samarbeidet med den Drumcondra-baserte organisasjonen ChildVision på et sosialt engasjert kunstprosjekt som undersøker moderne bydesign og virkningen på funksjonshemmede. Jeg har avsluttet en serie workshops og samler for tiden informasjonen til et kunstverk, som også skal presenteres i 2026.
Owen Boss er en designer og billedkunstner basert i Dublin. I 2009 var han med på å grunnlegge ANU og er kunstnerisk leder.
