RACHAEL GILBOURNE INTERVJUERER ALBERTA WHITTLE OM HENNES TO-PERSONSUTSTILLING MED CAMILLE SOUTER SOM FOR TIDEN VISES PÅ IMMA.
Rachael Gilbourne: Da vi møttes første gang i 2019, snakket vi om våre felles erfaringer med omsorg, og forskjellen mellom empati og medfølelse. Arbeidet ditt bærer også dette med seg – en dyp følelse av helbredelse og håp i en brutal verden. Hvordan snakker du om traumer og vold gjennom praksisen din uten at det synker ned i fortvilelse?
Alberta Whittle: Å tenke på den tiden minner meg om hvor ensomt det kan være å være kunstner, men også hvordan globale kriser kan bringe mennesker sammen i samhørighet og håp. Hjertet mitt var sårt den gangen, og jeg prøvde å finne ut av stemmen min. Jeg ble forstyrret av sorgen og raseriet i det sosiopolitiske landskapet, som i ettertid virker mye roligere enn i dag. Jeg er barn av to fagforeningsfolk, og jeg har lært at fellesskap er det som hindrer meg i å synke ned i fortvilelse. Fellesskap kan komme fra slekt og vennskap, eller fra den utvalgte familien jeg er heldig som får jobbe med. Isolasjon kan snevre inn ens tenkning, og vi trenger folk som minner oss på hva som står på spill når vi mister kontakten med vår individuelle mykhet. Samhold holder oss bevisste.
RG: Du har tidligere nevnt at du ser på deg selv som en selvlært kunstner. Hvordan forener du akademiske prestasjoner med dine autentiske, organiske og intuitive tilnærminger til skapende arbeid?
AW: Selv om jeg mener at kunstutdanning er et uunnværlig sted for tenkning og samfunnsbygging, er jeg en motvillig student. Akademia og utdanning i Storbritannia, Europa og Nord-Amerika er utrolig kolonialt, og insisterer på å følge konservative parametere for vurdering og læreplaner som ignorerer og tilslører den globale majoritetens erfaring. Utdanningssystemene jeg deltok i passer sjelden mine behov. Siden jeg kommer fra en familie av utmerkede lærere og kunstnere, er jeg klar over deres enorme rolle som pastorale omsorgspersoner, spørsmålsstillere og pedagoger. Vi må imidlertid fortsatt endre selve systemet. Jeg ser frem til å tenke nytt om kunstutdanning som foreleser eller lærer selv en dag. For meg har utdanning alltid vært et grunnleggende pedagogisk rom, men det viktige arbeidet kan skje utenfor disse miljøene.
RG: Hvor representativt er utvalget av verkene dine i «Fisherwoman, Fisherwoman», utstillingen din med to personer på IMMA med Camille Souter (1929–2023)?
AW: Jeg er alltid nysgjerrig på hva som vil utfolde seg når man jobber med en ny kurator og institusjon. Jeg er oppriktig fornøyd med hvordan dere har brakt verkene i samtale med hverandre for første gang. For eksempel er det spennende at RESET- installasjonen står ved siden av viktige akvarellsuiter. Jeg synes utstillingen gir et godt innblikk i min praksis, samtidig som den snakker om Camilles arbeid. Dette er i stor grad en tomannsutstilling, og det har vært spennende å se hvordan sammenkoblingen av verkene våre utfyller og stiller forskjellige spørsmål. Den snakker veldig tydelig om våre felles bekymringer rundt miljøkatastrofer, samtidig som den tenker på sorg, familie og andre helbredende praksiser.
RG: Arbeidene til sentrale tenkere og filosofer har vært viktige for utviklingen av din praksis. Kan du dele noen av disse forskningsinnflytelsene med oss?
AW: Doktorgradsstudiene mine var uunnværlige for å oppmuntre meg til å balansere min kunstneriske praksis med å forske på tenkere og filosofer som Edwidge Danticat, Kamau Brathwaite, Christina Sharpe, bell hooks, Maud Sulter og Saidiya Hartman. Dette lærte meg avgjørende at humaniora er uunnværlig for å forestille meg forskjellige fremtider, og det åpnet øynene mine for mitt ansvar som kunstner. For eksempel var det viktig å lese Maya Goodfellows * Hostile Environment: How Immigrants Became Scapegoats* (Verso Books, 2019) for å forstå de grunnleggende strukturene av rasisme og anti-svarthet som har fortsatt å fyre opp under britisk imperialisme og ødelegge tryggheten til den globale majoriteten. Jeg ser sporene etter denne boken i mine høstjevndøgnsmalerier og i den vannaktige konsistensen i mine spiralformede skulpturer.
RG: Dine perlebesatte arbeider, omtalt som «spiraler», er vevde hengende skulpturer med kauriskjell, perler, bjeller og andre materialer, som strømmer vertikalt fra takbjelker til de håndlagde rammene i maleriene dine. I «Fisherwoman, Fisherwoman» har du laget din lengste spiralskulptur hittil, på over 11 meter. Kan du snakke om spiraler som en tilbakevendende form i din praksis?
AW: Jeg begynte å lage perler som et svar på den kollektive lesningen av Audre Lordes essay fra 1978, «Uses of the Erotic: The Erotic as Power». Jeg var en del av en fantastisk tverrfaglig gruppeutstilling, «Sex Ecologies» på Kunsthall Trondheim, kuratert av Stefanie Hessler i 2022, og ved å lese Lorde fant jeg meg selv tiltrukket av kraften i nytelse og kjærlighet mellom arter. Det føles fortsatt som en massiv retningsendring å huske hvordan dette manifesterte seg. Spiralen er en måte for meg å tenke på forbindelser mellom generasjoner, men også relasjoner mellom arter. Det er en maritim snor; en linje fra land til havbunnen. Den er en formidler av kunnskap mellom tidevannet så vel som hukommelsesarbeid. Når jeg trer perlene på snoren, teller jeg dem og ordner dem i bestemte permutasjoner knyttet til primtall. Å tre disse perlene inn i en spole blir en meditasjonshandling og en måte å huske på.
RG: Dette er første gang arbeidet ditt har blitt vist i Irland. Hva har blitt tydelig for deg når du tenker på publikum her?
AW: Når jeg blir invitert til å vise frem arbeidet mitt i nye kontekster, prøver jeg alltid å forestille meg hvilke eksisterende samtaler jeg går inn i, men også hvilken kunnskap som kanskje mangler for publikummet mitt. Jeg tar ikke publikums kunnskap eller instinkter for gitt, og prøver å gi dem ledetråder til tankegangen min. Dette er første gang jeg har kunnet samarbeide med en kurator for å utvikle en så fullstendig tidslinje for arbeidet mitt. Noen av disse detaljene er intenst personlige, som for eksempel foreldrenes begrunnelse for å returnere til Karibia for å oppdra barna sine familie. Andre detaljer avslører de historiske, sosiale og kulturelle problemstillingene jeg tiltrekkes av i arbeidet mitt. Jeg lurer på om publikum her vil være interessert i den sammenkoblede kolonihistorien mellom Karibia og Irland.
RG: Kan du dele dine erfaringer med arbeidet med «Fisherwoman, Fisherwoman»?
AW: Det har vært en ære å bli kjent med Camilles to barn, Tim og Natasha, som har delt tid og personlige historier med meg. Det var spesielt spesielt å besøke studioet hennes i Achill med deg og Natasha, og skåle for henne med en liten whisky. Siden jeg kom tilbake til studioet mitt i Glasgow, har jeg tenkt på Camille og hennes energiske praksis, som har hjulpet meg videre som en del av en ny generasjon. Men en av de mest spesielle stundene, i forberedelsene til denne utstillingen, var å jobbe med Camilles sønn, Tim Morris (og hans assistent Gem) i støperiet hans, på Summoning Spirit – Experiments in Alchemy . Det var noe så magisk med prosessen. Vi snakket om så mange ting, fra Benin-bronse til minner om Camille, til kjærlighet og sorg – alt er til stede i disse bronseskulpturene. Denne skaperprosessen ble litt av en gjenfødelse for min praksis, å prøve noe helt annet, samtidig som jeg vektla tilstedeværelsen av kjærlighet, vennskap og arbeid i dette samarbeidet. Jeg er forandret for alltid. Takk.
Alberta Whittle er en barbadisk-skotsk tverrfaglig kunstner basert i Glasgow.
albertawhittlestudio.com
Rachael Gilbourne er kurator for «Fisherwoman, Fisherwoman» og assisterende kurator: Utstillinger – prosjekter og partnerskap ved IMMA, der «Fisherwoman, Fisherwoman» fortsetter til 13. september.
imma.ie
