«Fotografer, fotografer og kunstnere som bruker mediet er der for å minne oss på det vi verken vil høre eller se.» – Christoph Wiesner, direktør for Rencontres d'Arles.
Jeg går langs en tilsynelatende endeløs strekning av støvete vei i utkanten av Arles, en gammel romersk hovedstad i Provence, Frankrike, og hjem til den 53. utgaven av Rencontres d'Arles – en årlig festival for fotografi og linsebasert kunst som tiltrekker seg tusenvis av besøkende hvert år, som er anerkjent som en av de mest respekterte plattformene for samtidsfotokunst (rencontres-arles.com). Middagsvarmen stiger over asfalten, nådeløs mot skosålene mine, kroppen min og sjelen min, og smelter alle tre komponentene til en blanding av støv og svette.
I første omgang virker det helt galt å ha valgt denne lille provinsbyen i Sør-Frankrike som stedet der de siste trendene innen samtidsfotografi og linsebasert kunst presenteres for publikum. Hvem sitt lunefulle ønske drev dette valget av sted – og enda mer merkelig – hvorfor sjarmerer det meg så fullstendig og umiddelbart, og oppmuntrer meg til å fortsette pilegrimsreisen uforskrekket? Utstillingsstedene strekker seg over byens historiske bygningsarv, og spenner fra det ødelagte romerske amfiteateret og elegante, men for det meste ubrukte middelalderkirker til banebrytende stiftelser og museer for samtidskunst, sammen med falleferdige industriskur og halvforlatte fabrikksteder fra det nittende århundre.
Jeg befinner meg i det bekmørke mørket, oppslukt av severdighetene og lydene fra Live Evil (2022), en totalinstallasjon som inkluderer en rekke nye og nylige verk av den afroamerikanske kunstneren Arthur Jafa. Denne installasjonen var egentlig ikke en del av Rencontres d'Arles-programmene, men falt sammen med festivalen, ettersom den ble laget av Jafa spesielt for de to enorme utstillingsområdene på LUMA Arles, som ligger i de postindustrielle hallene La Mécanique Générale og La Grande Halle (luma.org).
Den smertefulle kontrasten som betrakteren opplever når man beveger seg fra den brennende varmen og det gjennomtrengende lyset utendørs til det enorme, hule rommet i La Grande Halle, er tydeligvis en ønsket effekt som Jafa ønsker at vi skal føle med hver fiber i våre sansekropper, og samtidig engasjere vår hørsel, syn, lukt og berøring. Den perfekt iscenesatte multimediainstallasjonen er en antropocen refleksjon over den menneskelige tilstanden, presentert gjennom de nytolkte visuelle og lydsekvensene som skildrer svarthet i mange kraftige iterasjoner. For meg ble den sterkeste effekten oppnådd i AGHDRA (2021), et helt digitalt verk som utgjør en unik tese: det ufattelige tapet og den ubeskrivelige smerten ved slutten av sivilisasjonen slik vi kjenner den. Verket presenteres som en 85 minutter lang gigantisk projeksjon av et konstant bevegelig havlandskap av svarte steiner, som danner bølger som intensiveres og trekker seg tilbake mot solnedgangens truende dyprøde lys.
Åpenbare paralleller dukker opp i tankene når man opplever Jafas Gesamtkunstwerk , knyttet til fotografiske prosesser, som hviler på sammenstillingen av de motstridende, samavhengige kreftene lys og mørke, svart og hvitt. Jafa bringer oss mesterlig til opplevelsen av svarthet som et vitnesbyrd om den århundrelange koloniale utvinningen og kulturelle utnyttelsen av svarte befolkninger. Dette presenteres både som et sterkt symbol på naturens slutt, fremstilt som svertede, brente, forkullede, ugjestmilde steiner, i kontrast til historiske forestillinger om en fruktbar, rikholdig og alltid givende jord – planeten slik vi fortsatt kjenner den, men som har blitt satt i alvorlig fare på grunn av klimakatastrofer forårsaket av menneskeheten.
Plassert i Parc des Atelier, nå en del av LUMA-stiftelsens mangfold av utstillingsrom, tilbød 'A Feminist Avant-Garde: Photographs and Performances of the 1970s from the Verbund Collection, Vienna' et helt annet syn på fotografi som dokumentasjon, og presenterte arkiv materiale som registrerer ytelse som protest (verbund.com). Perfekt balansert i presentasjonen og omhyggelig kuratert når det gjelder innhold, representerer denne internasjonale turnéutstillingen de linsebaserte oeuvrene til viktige skikkelser innen feministisk kunst. Den dekker perioden mellom 1968-1980, da feministiske protester og prestasjoner slo seg sammen i kampen for kvinners rettigheter, og fryktløst utfordret mannlig autoritet ved å vise direkte heroisme i møte med flere hundre år lang sexisme og undertrykkelse.
Samlingen inkluderer over 200 verk av 71 kvinnelige kunstnere, med iterasjonen på Rencontres d'Arles med verk av ikoniske feministiske aktivister, fotografer og performancekunstnere som ORLAN, Lynda Benglis, Karin Mack, VALIE EXPORT, Cindy Sherman, Ana Mendieta, Howardena Pindell, og Francesca Woodman, for å nevne noen. Oppmerksomheten min ble fanget av mange bemerkelsesverdige verk av utrolig modige kvinnelige kunstnere, mange av dem er mine samtidige, som bor og arbeider rundt om i verden i dag. Dette inkluderer den skotske kunstneren Elaine Shemilt, som bodde og jobbet i Nord-Irland under The Troubles, hvor hun iscenesatte og dokumenterte multimediekunstverkene sine. I dag har Shemilt en mangfoldig og imponerende smidig karriere som akademiker (hun er professor i trykkeri ved University of Dundee), trykkeri, fotograf og klimaaktivist (elaineshemilt.co.uk). En serie på seks svart-hvitt-fotografier av Shemilt (datert fra rundt 1976) viser kunstneren stående mot en murvegg, naken og bundet. Hodet, håndleddene og føttene hennes er merket på veggen for å markere omrisset av kroppen hennes, og minner om krittkonturene tegnet av politiet på åsteder. På noen av fotografiene holder Shemilt en glassplate og ser gjennom den, som gjennom et skjold som kan brukes til forsvar.
Opptak av liveopptredener, mange serier med fotografier og flere videoverk av kvinnelige artister representert i Verbund-samlingen er bemerkelsesverdig allsidige når det gjelder deres tilnærminger, men er også sammenhengende forent i deres besluttsomhet om å reflektere over en pågående undertrykkelse som manifesterer seg i underkastelse av kvinner generelt, og kvinnelige kunstnere spesielt, til fetisjiserte roller som hjemlige gudinner, fødekar, uendelig mat for det mannlige blikket og kapitalistisk forbruk. Kunstnerne i utstillingen peker på endemisk, strukturell og familievold mot kvinner, og fremstiller ofte seg selv som dempet, kneblet, behersket, bundet, sårbare og nakne. De er ofte plassert i fengselslignende miljøer og klaustrofobiske rom, dominert av solide strukturer og omsluttet av murvegger.
Denne utstillingen hadde spesielt sterke resonanser for meg, da verket i Verbund-samlingen dekker perioden fra 1968, året jeg ble født. Dette var også året da den amerikanske krigen i Vietnam nådde sitt høydepunkt; og da sovjetiske tropper invaderte og okkuperte Tsjekkoslovakia, og dermed betegnet et strategisk maktskifte innenfor den kalde krigens kontekst. Verkene representert i samlingen fortsetter til og med 1980, et år som så den sovjetiske hærens invasjon av Afghanistan, og toppen av konflikteskaleringen mellom Amerika og kommunistblokken. Disse historiske hendelsene gir gjenklang med de voldelige væpnede konfliktene vi er vitne til som utspiller seg foran øynene våre i dag, sammen med miljøkatastrofer, matmangel og den kontinuerlige fremveksten av ytre høyre ideologier, som gjeninnfører reproduktiv kriminalitet, i et forsøk på å slå tilbake grunnleggende og mest grunnleggende menneskerettigheter for kvinner over deres kropper.
Jeg kom først over Rencontres d'Arles Photography Festival i 2010, på et sted tusenvis av miles unna Sør-Frankrike, ved Caochangdi PhotoSpring, Arles i Beijing. Denne søsterfestivalen ble initiert gjennom kuratoriske samarbeid mellom Bérénice Angremy of Thinking Hands, og RongRong og inri - en kinesisk-japansk fotografisk duo som grunnla Three Shadows Photography Art Centre, designet av Ai Weiwei, og som ligger nær 798 Art District i nord av Beijing. To år senere besøkte jeg den faktiske Rencontres d'Arles for første gang, og i 2013 returnerte jeg til Three Shadows Photography Arts Center for å delta i 'The New Irish Landscape', den første utstillingen av moderne irsk fotografi i Beijing, kuratert av Tanya Kiang (utstillingskurator ved Photo Museum Ireland) som inkluderte fotografiske verk av Anthony Haughey, David Farrell og Patrick Hogan.
Opprinnelig lansert i 1970, under tittelen 'Rencontres Photographiques' av fotograf Lucien Clergue, kurator Jean-Maurice Rouquette og forfatter Michel Tournier, er Rencontres d'Arles en byomfattende, lokal festival av global betydning. Den årlige festivalen, som er anerkjent og besøkes av både fotograffagfolk og amatører, har som mål å representere de siste trendene og strømningene innen fotografi og linsebasert kunst, samtidig som den presenterer banebrytende samtidsfotografisk kunst innenfor konteksten av sin historie.
"Initialt fokuserte festivalen stort sett på Magnum fotodokumentar, og ikke kritisk kunstpraksis", bemerker Kiang, som i løpet av de siste 30 årene har utført mange porteføljeanmeldelser og nominert unge fotografiske kunstnere til den årlige Rencontres d'Arles Discovery Award. Hun legger til at fokuset på festivalen og dens programmering har endret seg betydelig i løpet av de siste 50 årene, og stadig beveget seg bort fra en typisk fransk festival – der fotografering ofte ble sett på som en unnskyldning for å presentere utnyttende, kvinnefiendtlige og sexistiske bilder av kvinner, tatt av menn – for å ta opp temaer og opptattheter som er synlige innenfor den bredere globale diskursen i samtidskunst.
Sånn sett er årets utgave fenomenalt postfeministisk i sine temaer, leveranser og budskap. Og i motsetning til andre nøkkelbegivenheter i den globale kunstkalenderen – for eksempel Venezia-biennalen, Art Basel eller Frieze kunstmesser, med deres globale merkevarebygging og kommersielle imperativer – er Rencontres d'Arles en forfriskende original, frittstående begivenhet som tilbyr en roman format, et sted mellom en filmfestival og en lokal bymesse. I løpet av de siste 50 årene har artister som er omtalt i festivalen inkludert Robert Doisneau, William Eggleston, Frank Horvat, Mary Ellen Mark, Frank Capa og Robert Mapplethorpe. Etter hvert som fotografering ble tettere knyttet til samtidskunst, har utstillinger av ikoniske kunstnere inkludert David Hockney, Robert Rauschenberg, Sophie Calle og Taryn Simon blitt iscenesatt på Arles, med gjestekuratorer invitert til festivalen fra 2004, inkludert Martin Parr, Raymond Depardon , og Nan Goldin, blant andre.
Varvara Keidan Shavrova er billedkunstner, kurator, pedagog og forsker. Hun er for tiden doktorgradskandidat ved Royal College of Art. Hun er født i Sovjetunionen, og bor og arbeider mellom London, Dublin og Berlin. Shavrova vil presentere forskningen sin på IMMAs internasjonale forskningskonferanse «100 Years of Self Determination» (10.–12. november).
varvarashavrova.com
