JOANNE LAWS INTERVJUER EIMEAR WALSHE OG SARA GREAVU OM DEN KOMMENDE REPRESENTASJONEN AV IRLAND PÅ DEN 60. VENICE-BIENNALEN.
Joanne Laws: Kan du kort diskutere det nye arbeidet du har utviklet for den irske paviljongen på Venezia-biennalen i år?
Eimear Walshe: Utstillingen heter 'ROMANTIC IRELAND' og består av et skulpturelt verk, som igjen inneholder en videoinstallasjon, som deretter er lydsporet av et operaverk. Disse tre elementene har et komplekst tidsmessig forhold til hverandre, nærmest som et fortid, nåtid og fremtidig format. Videoen skildrer en kaotisk og sosialt preget byggeplass, der syv karakterer på en eller annen måte har reist tid fra forskjellige øyeblikk i historien for å jobbe side om side på en jordkonstruksjon. Det er to karakterer fra en leilendingsklasse fra slutten av det nittende århundre; en politiker eller forretningsmann fra det tidlige tjuende århundre og hans husmor; en advokatfullmektig fra slutten av det tjuende århundre og hennes hjemmeværende bondemann; og meg som en enkelt utleier fra det tjueførste århundre. Et såpeoperadrama utspiller seg på byggeplassen, med øyeblikk av konflikt, og øyeblikk av harmoni og samarbeid, mens de jobber mot samme mål.
Operaen er den neste i den temporale rekkefølgen. Den Cork-baserte komponisten Amanda Feery inviterte meg til å skrive en libretto som svar på Éamon de Valeras tale, The Ireland That We Dreamed Of (or On Language & the Irish Nation) , som han holdt som Taoiseach på St. Patricks dag i 1943. I Venezia presenterer vi bare én akt av denne mye større operaen. Det er mange kontroversielle bilder i de Valeras tale, men én linje beskriver «et landskap fylt med lyse og koselige gårder» og en «ærbødighet, respekt og omsorg for eldre». Librettoen responderer sterkt på disse temaene gjennom historien om en gammel mann, som lytter til denne talen på dødsleiet og våkner opp til lyden av å bli kastet ut. Librettoen kroniserer mannens forhold til bygningen og dens symbiotiske forhold til miljøet. Som en optimistisk, spekulativ gest foregriper bygningen strukturer og miljøer som vil bli brukt av mennesker i fremtiden. Librettoen knytter seg til postrevolusjonære perioder i koloniserte land, og setter forestillinger om svik og feilen i løftet om å bygge i forgrunnen.
Eimear Walshe, ROMANTISK IRLAND, 2023, produksjonsstill; fotografier av Faolán Carey, med tillatelse fra kunstneren og Irland i Venezia.
JL: Kanskje du kan skissere forsknings- og skriveprosessene dine for librettoen?
EW: Amanda er en klassisk dyktig komponist, men er også dypt eksperimentell som musiker. Så man får sjelden et bedre scenario enn det, når det gjelder rom for skriving. En av mine første avgjørelser var at mesteparten av librettoen skulle rime ganske konvensjonelt, noe som var ganske morsomt som skriveparameter. I tillegg var Amanda og jeg veldig interessert i ikke-tekstuelle «munnlyder», så det er vekt på vokallyder gjennomgående. En viktig historisk kilde var irske folkeballader, som ga meg tilgang til den emosjonelle virkningen av en historie når karakterene vitner om både det hverdagslige og det tragiske. Viktige sanger inkluderte Tumbling Through the Hay – som jeg først hørte på Ian Lynchs podkast, Fire Draw Near , og som kroniserer arbeidernes orgiastiske lek i innhøstingen; The Limerick Rake , som er bråkete og full av inuendo, og beskriver en kvinnebedårer som har ambisjoner om å skape et husmannsplass med alle sine elskere; og balladen, Dónal Óg , som jeg synes er ganske ødeleggende, når det gjelder rimsystemer og frasering, og dens skildring av avvisning og svik.
En annen viktig innflytelse på skrivingen var samarbeidet med Dr. Lisa Godson, som ga råd om den historiske nøyaktigheten til scenariene jeg beskrev. Jeg ble også inspirert av Jonny Dillons Blúiríní Béaloidis -podkast fra The National Folklore Collection ved UCD, spesielt en om mytologi rundt huset, som beskriver begravelsen av hestehoder og mynter, og ulike byggetradisjoner. Det hjalp meg å tenke på denne mannens forhold til huset sitt som noe langt utover eiendom, å vurdere hans iboende forbindelse med byggematerialene – fra montering av stråtak og kalkpuss til å kjenne personen som la de første steinene. Dette står i kontrast til dagens fremmedgjøring fra vårt bygde miljø – resultatet av å outsource materialer til underbetalte arbeidere i det globale sør. I dag er vi ikke bare vanskeligstilte ved ikke å forstå hvordan bygningene våre fungerer, men vi skaper også forferdelige forhold andre steder, gjennom billigere materialer som er dypt ineffektive i en bredere økologisk forstand.
JL: Hvordan resonerer den skulpturelle gjenstanden med dine pågående forskningshenvendelser knyttet til bolig, bolig og ly?
EW: I verkets system eksisterer skulpturen som et slags etterspill. Den beklager det sisyfiske arbeidet med å lage en bygning som aldri vil utgjøre noe annet enn en ruin. Selv om selve det skulpturelle objektet potensielt er ganske sterk, synes jeg jordbygging er en utrolig spennende og inspirerende prosess. Jeg lærte om cob-bygging, blant andre ferdigheter, da jeg tok et kurs med Harrison Gardner ved Common Knowledge – et sosialt foretak som deler ferdigheter for bærekraftig liv i County Clare, hvor "ROMANTIC IRELAND"-byggingen og filmingen senere fant sted. Det er noe styrkende ved å huske at lokalsamfunn en gang kom sammen for å gjennomføre denne utrolig arbeidskrevende, langsomme prosessen med å bygge med materialer som var billige, gratis eller tilgjengelige på stedet. Dette er spennende på fellesskapsnivå fordi du trenger å utvide dine slektninger til å inkludere et bredere nettverk av medbyggere. Det er fascinerende å se prosessen, som er veldig sensorisk, visceral og fysisk, og det er også mystifiserende at slike enkle strukturer som bruker komprimert jord har overlevd så lenge. Et eksempel er den gamle kommunale bosetningen, Tell es-Sultan, som ligger nordvest for Jeriko i Palestina, som stammer fra 10,000 XNUMX f.Kr. – et øyeblikk i menneskehetens historie da folk begynte å bosette seg og komme sammen for å skape ikke bare husbygninger, men mye større kollektiv. plasser for samling. Cob-bygging kan oppfattes som en lokal tradisjon i Irland, samtidig som den er en global tradisjon som går århundrer tilbake i tid med regionale variasjoner. Disse sosiale, miljømessige og historiske elementene er det som førte til at dette materialet ble en så sentral del av utstillingen.
JL: Som det står i pressematerialet, "snakker arbeidet ditt om og fra en prekær generasjon" og "kommer ut av konteksten til en nasjon i eskalerende krise." Kan du utdype dette?
EW: Grunnen til at jeg tok et byggekurs og lærte om cob var fordi jeg følte at hvis jeg noen gang skulle eie et hus, ville jeg sannsynligvis trenge ferdighetene til å bygge et selv. På den tiden konverterte jeg en varebil, så mange av disse ferdighetene var anvendelige. Det som førte meg til cob-materialet var boligprecaritet, og det åpnet en portal inn i fortiden. Når du lever i en krise som er så akutt, ulogisk, rasende, unødvendig voldelig og destruktiv som denne, ender du opp med å se til historien for å få veiledning. Når jeg undersøkte historien til bolig- og landaktivisme, lærte jeg om kravene folk stilte på slutten av det nittende århundre, så vel som de politiske løftene som ble gitt og brutt.
JL: Hvordan får du tak i den enorme logistikken i Venezia – fra frakt- og installasjonsbegrensninger til språkhensyn?
Sara Greavu: Vi er avhengige av partnere og samarbeidspartnere med kunnskap og erfaring. Jeg antar at vi lærer å tenke på et prosjekt i en annen skala og stole på at disse partnerne bærer deler av arbeidet med sin egen ekspertise. Vi er så heldige å jobbe med slike strålende installasjons-, tekniske og kommunikasjonspartnere, som hjelper oss med å navigere i disse farvannene.
JL: Har noen av de tidligere Irlands i Venezia-kuratorer, kommisjonærer og kunstnere tatt kontakt for å dele sine erfaringer og råd?
SG: Alle har vært så sjenerøse! Jeg vil spesielt merke meg Temple Bar Gallery + Studios, hvis råd og erfaring har vært så viktige for oss da vi gikk inn i planleggingen og arbeidet. Michael Hill ga et offentlig tilbud til alle som søkte på den åpne utlysningen i fjor om at han gjerne ville snakke med dem om prosessen, og han har fortsatt i denne ånden av sjenerøsitet og omsorg. Jeg tror det er fornuftig å etablere en mer robust måte å overlevere kunnskap som er oppnådd i denne prosessen, og vi vil gi tilbake noen av våre erfaringer. Vi vil også prøve å være like sjenerøse som våre forgjengere når det gjelder å dele informasjon med fremtidige team.
JL: I pragmatiske termer, har det vært utfordrende å konseptualisere en så storstilt internasjonal separatutstilling?
EW: Jeg har ikke hatt tid til å tenke på det! Jeg fant ut av det i mai 2023 og arbeidet måtte være ferdig innen desember, så det har ikke vært tid til å være i tvil. Jeg måtte være ekstremt bestemmende fra starten og utviklet arbeidet ved å utvide min eksisterende forskning, og velge hvor jeg skulle begi meg ut i nytt, ambisiøst terreng. Jeg har for eksempel aldri jobbet med et så stort filmteam eller rollebesetning før. Jeg er heldig som har et fantastisk kritisk fellesskap rundt meg, i form av vennene mine som praktiserer artister. Som assisterende direktør holdt Niamh Moriarty hele prosjektet på rett spor, mens Aoife Hammond tok kontakt med utøverne for å sikre at de var fornøyde med forholdene; de opptrådte, filmet, regisserte hverandre, hadde på seg ubehagelige masker og hadde ikke på seg sko. Så når du skalerer opp produksjonsambisjonen, må du også ha noen som tar vare på prosjektet og de involverte. Å få jobbe med alle disse ekspertene og utrolige utøverne har vært et enormt karrierehøydepunkt for meg.
JL: Hvordan har den irske paviljongen (bygning og tomt) informert utstillingen du har tenkt å presentere i rommet, spesielt med hensyn til tilgang og sirkulasjon av besøkende?
SG: Vi snakket mye helt fra begynnelsen om publikums møte med verket, og Venezias uttømte oppmerksomhetsøkonomi. Folk kommer til den irske paviljongen etter å ha sett så mye, føler seg slitne, overveldet eller til og med utmattet. Jeg tror Eimear har vært veldig smart når det gjelder å forestille seg dette øyeblikket og vurdere hvordan man kan lokke folk inn i rommet og holde oppmerksomheten deres, ved å tilby forskjellige koblingspunkter og engasjement i arbeidet.
JL: Hva er dine tanker om Venezia-biennalen – eller globale biennaler bredere – som plattformer for praksisen og det haster med samtidskunst?
SG: Ja, dette er et stort spørsmål som fortjener mer oppmerksomhet og vedvarende kritisk diskusjon. Jeg har blandede følelser for biennaler generelt, samtidig som jeg anerkjenner hvilken utrolig mulighet det er å kunne delta i dette viktige internasjonale rommet for deling av ideer og praksis. Selvfølgelig er det bare visse typer arbeid som kan trives der. Og øyeblikksbildet av samtidskunstens praksis og haster som vi ser der, er så betinget av økonomisk og politisk makt og privilegier. Det er så mange nasjoner som ikke har råd til å sette opp en paviljong og sende en artist, eller som ikke har politisk anerkjennelse til å gjøre det.
JL: Hva betyr dette for deg, å representere Irland i Venezia, på dette stadiet av din karriere?
EW: Jeg følte meg veldig klar til å lage et verk av denne skalaen, og det har vært spennende å få muligheten til det. Når det gjelder ambisjoner, er det jeg ønsker å få ut av dette prosjektet å fortsette å utvikle show, forestillinger, prosjekter og samarbeid i Irland. Jeg har et pågående prosjekt kalt 'HANDELSSKOLE' som, hvis jeg jobber raskt, sannsynligvis vil ta 45 år å fullføre. Det innebærer å lage en film i alle fylker i Irland. Av og til er det like spennende, inspirerende, generativt og viktig for meg å jobbe i andre land.
JL: Kan du diskutere Irland på den nasjonale turnéen i Venezia?
SG: Planen vår for den irske turen bygger på Eimears etablerte metodikk for å reise til og trekke fra landlige og perifere steder for å lage og dele arbeidet. Vi har snakket om det i form av å handle innenfor den bardiske tradisjonen med å bære historier fra et sted til et annet, og de vil komme tilbake for å presentere dette prosjektet på noen av de spesifikke stedene som inspirerte arbeidet. Materielt sett tenker utstillingen om og gjennom ideer om formbarhet, så du kan forvente å se verket ta ulike former i ulike rom.
Den 60. internasjonale kunstutstillingen varer fra 20. april til 24. november 2024 (forhåndsvisning 17.-19. april).
labiennale.org
Ireland at Venice er et initiativ fra Culture Ireland i samarbeid med Arts Council, med hovedsponsorskap fra Dublin City Council.
irlandatvenice2024.ie
