Thomas Pool: Hva kan du fortelle oss om praksisen din? Hvordan kom du til å bli illustratør, og hva motiverer arbeidet ditt?
Conor Nolan: Jeg var faktisk ikke alltid interessert i illustrasjon, men jeg har gjort det siden jeg ble ferdig med college i 2016. Da jeg sluttet på skolen, visste jeg ikke hva jeg ville gjøre og hadde ikke en portefølje sammen eller noe så jeg endte opp med å gjøre et porteføljekurs i et år. Det var et flott kurs, men jeg var veldig nervøs da jeg var yngre og endte opp med å bare skrape inn i NCAD etter huden på tennene mine. Jeg tror følelsen av at jeg knapt hadde kommet inn, fikk meg til å føle at jeg måtte jobbe ekstra hardt for å ta det igjen, og i det første året ble jeg virkelig opptatt av en haug med forskjellige ting, inkludert skulptur og analog fotografering. Jeg var på vei til å studere media eller skulptur og laget til og med en full svart-hvitt fotobok i et mørkerom på et tidspunkt for en oppgave. Men for et senere prosjekt i andre år på college, måtte vi gjøre illustrasjon som en del av briefen, og det holdt seg på en måte derfra.
Illustrasjon for meg har vært noe veldig nært knyttet til trykking og andre prosesser, og jeg tror det å fortsette å være nysgjerrig på ulike prosesser har holdt meg motivert. Jeg føler at hvis du prøver å finne ut en ny prosess som å male på en vase eller lage noe av leire, så stopper engasjementet med prosessen og prøver å finne ut det meg fra å tenke for mye på bildene eller prøver å gjøre det for perfekt, noe det aldri vil bli. Jeg har bare prøvd å fortsette å lære hele tiden.
TP: Arbeidets distinkte bruk av dristige, kantete former med lyse fargepaletter fanger blikket i trykkerier, eller når du går langs George's Street eller forbi The Bernard Shaw Pub. Hvordan har stilen din utviklet seg gjennom årene?
CN: Jeg endte opp med å studere visuell kommunikasjon på college, som på den tiden i NCAD var en samlebetegnelse for det som hovedsakelig var et grafisk designkurs hvor studentene var frie til å utforske andre områder som illustrasjon, bevegelige bilder og fotografi. Jeg tror denne basen i grafisk design, og innsikten jeg fikk i hvordan design passer inn i en kommersiell kontekst, virkelig hjalp meg med å finne ut hva jeg gjorde.
Mens jeg prøvde å etablere en stil, lærte jeg å bryte ting ned i deres grunnleggende former og komponenter og bygge dem opp igjen. Så var jeg veldig interessert i gamle silketrykte plakater og generelt påvirket av taktile trykte medier som føltes veldig håndgripelige og tilgjengelige, som om man kunne se prosessene i produksjonen, noe som var med på å forme min tilnærming til farge og tekstur.
Da jeg først startet denne prosessen, var jeg i stor grad fokusert på hvordan jeg ville tegne folk og karakterer, og jeg brukte mye tid på å finne ut hvordan jeg kunne lage folk som følte seg realistiske. Ikke i fotorealistisk forstand, men i den forstand at de kunne eksistere i en verden og jeg kunne da bruke menneskenes visuelle regler – deres proporsjoner, farger, teksturer – for å bestemme hvordan resten av den verden så ut. Nylig har jeg løsnet litt og prøvd å ta hver brief for seg og se hvordan jeg kan få folk og ting til å passe inn i et rom på en slik måte at det oppfyller briefen. Det er en litt løsere tilnærming, men en som jeg synes er mer utfordrende, mindre repeterende, mindre forutsigbar. Også å fortsette å eksperimentere med flere prosesser har informert ting på en lignende måte.
TP: Arbeidet ditt som illustratør har ført til skapelsen av mange unike klesplagg, som gensere, t-skjorter, hatter og skjerf, samt kort, vesker, sjokoladeesker, flagg, tepper og til og med en action figur. Hvordan ser du på skjæringspunktet mellom håndverk og illustrasjon?
CN: Det er mange grunner til at jeg gjør dette. Jeg har for vane å se på forskjellige objekter/utganger/applikasjoner som jeg ikke har brukt tidligere, og lurer på hvordan arbeidet jeg gjør ville føles i den sammenhengen. Prosessene som er involvert i å lage kunstverket tar i stor grad vekten av beslutningen, og gjør mye for å holde oppmerksomheten min, som kan være litt spredt. For eksempel, hvis prosessen ikke tillater meg å legge til halvtoner til et bilde, klarer jeg meg uten dem. Hvis jeg maler et 3D-objekt og bare én side av det er synlig om gangen, prøver jeg å lage et bilde som fungerer når bare den siden er synlig, og så videre.
På et annet plan synes jeg det er fint å lage ting som folk kan holde og bruke. For meg er det en fin måte å komme i kontakt med mennesker enn de bare ser arbeidet på en skjerm. På de mer individuelle gjenstandene, som et håndmalt skateboard eller en actionfigur, synes jeg prosessen er veldig synlig, og som jeg sa, er jeg virkelig tiltrukket av hvor metodene har innvirkning på utseendet til sluttproduktet .
TP: Du har tidligere jobbet med irske og internasjonale kunder som Facebook og Jameson. Ettersom mange andre selskaper begynner å bruke AI for billigere markedsføringsalternativer, hvordan ser du på fremtiden for oppdragsdesign og illustrasjon?
CN: Det er noen problemer jeg har med det egentlig. Den ene er situasjonen der en kunstner eller illustratør taper på arbeid fordi AI blir brukt, og den andre er at denne AI-programvaren blir trent opp ved å skrape biblioteker med arbeid laget av faktiske mennesker, og deretter gjenopprette det for å lage nye bilder. Jeg synes mye AI-kunst bare er dårlig, selv om det går forbi problemet med folk som har rare hender og ekstra armer. Det er ingen original tanke bak det, og alt det er i stand til å gjøre, på dette tidspunktet, er å omstille informasjonen den allerede har. Som et resultat er kvaliteten dårlig, bildene blir ikke vurdert, og hvis bedrifter bruker det, sender de beskjeden om at de ikke bryr seg om kvalitet, og de får et dårligere produkt også. Nylig hørte jeg på en podcast der en av de to medvertene foreslo å be ChatGPT om å faktasjekke et litt komplekst spørsmål som dukket opp, og den andre medverten skjøt det ned ved å si "Jeg tror du sannsynligvis vil få en vagt, generisk svar som kanskje er sant eller ikke». Det er det samme kvalitetsnivået som følger med den visuelle siden av ting.
På den andre utgaven er det ikke akkurat et nytt problem. Kunstnere får alltid arbeidet sitt kopiert av andre, og jeg tror den beste måten å bekjempe det på er å lage arbeid som er vanskeligere å kopiere. Det er noe jeg aktivt prøver å gjøre i mitt eget arbeid – å gjøre arbeid som er litt travlere, fyldigere, mer forseggjort, mer detaljert, for på noen måter er stilen min veldig forenklet, og jeg liker ikke ideen om noen person eller programvare bare kopierer det som om de kom opp med disse ideene. AI-siden av ting er åpenbart mer urettferdig fordi AI kan gjøre dette så mye raskere enn en person, og jeg tror at det er utnyttende av folks arbeid og at folks intellektuelle eiendom bør beskyttes mot AI. Fordi mitt eget arbeid er så forankret i å føle seg taktil, organisk og håndgripelig, håper jeg at eventuelle potensielle kunder forstår at bruk av AI i stedet ikke vil gi dem det samme.
TP: Hva er det neste for deg? Er det noen kommende prosjekter du vil dele med oss?
CN: Vel, min partner Izzy og jeg har nettopp avsluttet vår første utstilling med vårt risografstudio, 'Way Bad Press', på Hen's Teeth i Dublin, og vi vil forhåpentligvis ha noen zines og andre ting som blir utgitt der snart. Jeg legger mye energi i det og har også en håndfull småting i horisonten som jeg nok ikke kan nevne helt ennå. Men hold øye med Instagramen min, som vanligvis er navet for alt jeg gjør.
Conor Nolan er en kunstner og illustratør.
