VARVARA KEIDAN SHAVROVA ANMELDER DEN AKTUELLE SKULPTURUTSTILLINGEN PÅ HAYWARD GALLERY LONDON.
Utstillingen «When Forms Come Alive: Sixty Years of Restless Sculpture», som for tiden vises på Hayward Gallery i London frem til 6. mai, er en omfattende oversiktsutstilling under kuratorisk ledelse av Ralph Rugoff og assistent Katie Guggenheim.
Utstillingen presenterer over 50 kunstverk av 21 internasjonale kunstnere over tre etasjer i galleriets brutalistiske interiør, og viser utvidede skulpturelle verk som har sin opprinnelse i den naturlige verden og spørre om skulptur som en metodikk for transformasjon og endring. 'When Forms Come Alive' tar for seg ustabiliteten i den moderne verden, der alt forandrer seg hele tiden, og hvor ingenting er trygt, forutsigbart eller statisk.
Hvis du studerer naturprinsippet, er alle svarene der
– Ruth Asawa 1
Ved første øyekast ser dette ut til å være en umulig oppgave, å representere konstant fluks gjennom skulpturelle former som typisk er laget av stabile materialer og som ellers tradisjonelt kan anta den autoritative statusen til 'monumenter'. Likevel kunne varigheten og monumentaliteten ikke være lenger unna interessene til kunstnerne og kuratorene for denne utstillingen. Snarere ser deres interesser ut til å ligge i å utforske skulpturer som reagerer på abstraherte ideer om naturen, antropocen, den post-menneskelige og eksistensialistiske usikkerheten foranlediget av klimakrisen og eskalerende militarisme. Gjennom abstraksjonens strenghet, presenterer ulike skulpturelle identiteter seg, og lar oss verdsette deres materialitet og målrettede menneskelige skapelse på den ene siden, mens vi samtidig utforsker de lunefulle, nesten tilfeldige egenskapene til form og sidestilling på den andre.
Jeg lager ikke skulpturer; Jeg lager vesener som er i live
– Marguerite Humeau 2
Den kuratoriske tilnærmingen i 'When Forms Come Alive' setter opp en serie samtaler der skulpturer og installasjoner med felles spørsmål og tilnærminger grupperes sammen. Som et resultat flyter utstillingen organisk, og forsterker dermed den kuratoriske påstanden om at de utvalgte skulpturene henter inspirasjon fra og reflekterer vårt forhold til den naturlige verden.
For eksempel, ved inngangen blir betrakteren konfrontert med to svært ambisiøse, men likevel skjøre og tidsbaserte skulpturelle installasjoner: Shylight (2006–14) av DRIFT og Bouquet Final (2012) av Michel Blazy. Den første består av underskjørtlignende former som senkes og heves, åpnes og lukkes som blomstrende blomster i en koreografert kinetisk lysinstallasjon. Blazys kunstverk utstråler en lignende følelse av uopphørlig forandring og skjørhet gjennom den konstante akkumuleringen av skumbobler som danner skylignende bølger av skjelvende materie som kryper, isbrelignende, fra en stillasstruktur, som om de var en del av en endeløs produksjonslinje.
Flere kunstverk responderer aktivt på selve bygningens arkitektoniske struktur, inkludert beliggenheten ved elvebredden. Holly Hendrys Slackwater (2023) er plassert på en vinduskarm i andre etasje mot bakteppet av det eneste utsynet som sees fra galleriet. Inspirert av Themsens abstrakte rytmer og flytende bevegelser i menneskekroppen, sprer den enorme skulpturelle sammenfiltringen seg innenfra og ut på takrommet, ved hjelp av stålkanaler, skum og marmor.
Ernesto Netos fiberinstallasjon, Iaia Kui Dau Arã Naia (2021), er briljant plassert over den støpte betongspiraltrappen, som i kontrast fremhever dens gjennomsiktighet, skjørhet og gravitasjonskraft. Festet til galleriveggen og med utløp ned på gulvet, inneholder Senga Nengudis vidunderlig finurlige komposisjoner – RSVP Reverie (Scribe) (1977), RSVP Reverie 'D (2014) og Water Composition I (1969-70/2019) – sandfylte, strekkfaste nylonstrømpebukser og vinylstrukturer fylt med farget vann, som er både rørende og humoristiske i sin sårbarhet. Dream – Spontaneous Combustion (2008) av Olaf Brzeski minner om populærkulturelle bilder av atomkatastrofer, og er en skylignende form i svart sot, aske og polyuretanharpiks som er forsteinet og urovekkende.
Det er tydelig å se hvordan materie påtvinger form sin egen form
– Henri Focillon 3
Installasjonsvisning, Franz West, 'When Forms Come Alive'; fotografi av Jo Underhill, med tillatelse fra Hayward Gallery
Phyllida Barlows uten tittel: jente ii (2019) presenterer betrakteren for et arrangement av steinlignende former, som minner om en stendysse, et megalittisk monument eller en annen forhistorisk menneskeskapt struktur. Gjennom denne kraftfulle fremkallingen av abstrakt kroppslig tilstedeværelse oppnår Barlows skulptur dermed en ureffekt; en eldgammel tilstedeværelse med taktile overflater og kurvede former, tilsynelatende gjennomsyret av tidløs feminin kraft. Man lurer på om denne skulpturen alltid kan ha eksistert siden uminnelige tider.
Inntil en gang, i en stående sirkel av steiner,
Jeg kjente skyggene deres passere
Inn i den mørke varigheten av eldgamle former.
– John Montague 4
Ved å unngå representativ skulptur og dens idiomer om frosset liv, lar denne utstillingen betrakteren engasjere seg i de bredere og dypere begrepene forfall og fornyelse; av endring og dens uunngåelighet, ja, dens nødvendighet. Den utmerkede kurasjonen av showet reiser en rekke spørsmål og inviterer besøkende til å reflektere over mulige svar.
Varvara Keidan Shavrova er billedkunstner, kurator, forfatter og doktorgradskandidat ved Royal College of Art. Hun gjennomfører for tiden sin 12-måneders AHRC-finansierte forskerplassering ved Science Museum i London. Som en del av forskningen hennes samarbeider hun også med Rolls-Royce Aviation.
varvarashavrova.com
1 Utdrag fra åpningstalen til Ralph Rugoff, direktør for Hayward Gallery og kurator for «When Forms Come Alive», 6. februar 2024.
2 Ralph Rugoff, Når former blir levende: Seksti år med rastløs skulptur , utstillingskatalog (London: Hayward Gallery Publishing, 2024) s. 9.
3 Henri Focillon, Formenes liv i kunsten , oversatt av George Kübler (New York: Zone Books, 1992) s. 19.
4 Utdrag fra John Montague, Like Dolmens Round my Childhood , først publisert i Poisoned Lands and Other Poems (London: MacGibbon & Kee, 1961).
