Jeg har alltid vært kunstner. Jeg er født inn i en irsk-gresk-amerikansk familie, og kultur og identitet har alltid vært lagdelt. Å vokse opp mellom forskjellige kulturer ga meg denne følelsen av at ingenting bare har én betydning. Det har definitivt formet min kreative tilnærming og designfølsomhet. Denne blandingen ga meg en dyp nysgjerrighet for symbolikk, historie og historiefortelling, som naturlig fant veien inn i smykkene mine.
Kunst ble alltid oppmuntret hjemme hos oss. Moren min pleide ofte å la oss samles rundt en skål med frukt for å øve på stillebentegning – ikke bare for å tegne, men for å observere. Som et introvert mellombarn var det lett å gå ubemerket hen midt i kaoset i en travel husholdning. Kunst ble min flukt – et trygt rom hvor jeg kunne leve i fantasien min så lenge jeg ville, og gi mening til følelser jeg ennå ikke hadde språket til. Lenge før jeg visste at jeg ville bli gullsmed, skapte jeg små emosjonelle landskap med hendene mine – små gaver til folk jeg brydde meg om. Denne opplevelsen lærte meg den sanne verdien og kraften i hva det vil si å få noen til å føle seg sett.
Da jeg var rundt sju år, fant jeg fargerik tråd i syskrinet vårt og tenkte å lage en enkel vevstol med en treplanke og to spiker. Jeg brukte timevis på å veve vennskapsarmbånd til mine syv beste venner. Neste dag på skolen ville alle ha et. Snart tok jeg imot bestillinger, fylte på lager og tok 2 euro per stykk (eller 3 euro hvis de ville ha perler). Det får meg til å le nå, for når jeg ser tilbake, var skiltene alltid der. Det var sannsynligvis min første smykkeforretning. Jeg elsket bare å lage noe som andre ville bruke og sette pris på.
Da jeg først søkte på NCAD, kom jeg ikke inn – det viste seg å være det beste som noen gang har skjedd meg. Det førte meg til porteføljekurset ved Bray Institute of Further Education, som i stor grad formet hvordan jeg jobber og tilnærmer meg kreativitet. Det var første gang jeg virkelig begynte å utforske prosess, materiale og konsept på en måte som føltes personlig, og som la grunnlaget for hvordan jeg tenker som skaper. Andre gang jeg søkte, ble jeg tatt opp på smykke- og metallarbeidskurset ved NCAD, og det var da ting virkelig begynte å få fart. Etterpå etablerte jeg mitt eget studio og bygde meg en gullsmedbenk, slik at jeg kunne fortsette å finpusse ferdighetene mine mens jeg var lærling hos Da Capo Goldsmiths – alt som forberedelse til den intensive opplæringen ved Design & Crafts Council of Ireland i Kilkenny. Det var her jeg skapte porteføljen min med forskjellige arbeider, og der en helt ny verden åpnet seg for meg for å se hva som var mulig i metall.
Jeg har alltid vært tiltrukket av bevegelse og ren form – hvordan en kurve flyter, hvordan den fanger lyset. S-kurven dukker ofte opp i arbeidet mitt uten at jeg engang innser det med det første. Jeg finner inspirasjon på uventede steder – gamle gjenstander, mytologi, arkitektur, til og med bildesign – men jeg liker å tolke disse tingene på nytt gjennom et moderne perspektiv.
Jeg er også fascinert av den delte symbolikken mellom ulike kulturer og religioner – hvordan ting som virker separate kan speile hverandre. Jeg er mer interessert i hva som forbinder oss enn hva som skiller oss, og den nysgjerrigheten viser seg i måten jeg tilnærmer meg form, mening og materiale.
Etter å ha trukket meg tilbake en stund, kom jeg tilbake til smykker med et mer indre fokus. Jeg tenker mer på symbolikk, forandring og hvordan gjenstander kan holde på minner eller følelser. De nyere smykkene er roligere, mer reflekterende og fokusert på balansen mellom feminin og maskulin energi, og å skape rom for personlig kontakt.
Et av de mest personlige verkene jeg har laget er Ouroboros-halskjedetDet ble laget som en del av et kulturelt samarbeid med Irlands nasjonalmuseum, og jeg er takknemlig for at det senere ble anskaffet til de permanente samlingene. Det var inspirert av en japansk drage viklet rundt en blomstervase i samlingen deres – som et ekko av Ouroboros, slangen som spiser sin egen hale – som representerer fornyelse, sykluser og transformasjon. Da jeg lagde dette verket, reflekterte jeg over hvordan ødeleggelse og gjenfødelse er sammenflettet, hvordan vi blir den vi er ment å være, ikke til tross for avslutninger, men på grunn av dem, og hvordan vi holder rom for forandring og vekst. Arbeidene mine bærer ofte bevegelse, symbolikk eller stille gester av personlig utvikling – noen ganger mekaniske, noen ganger emosjonelle.
Autoboksen og Ring for frontlykt kom fra min kjærlighet til klassisk bildesign – alle disse kurvene, mekanikken og de bevegelige delene. Jeg var nysgjerrig på hvordan jeg kunne bringe den følelsen av bevegelse inn i smykker. Så jeg integrerte kulelager, kinetiske elementer og lysrefleksjoner i arbeidet mitt. Det var en måte å utforske ingeniørfag på i en liten, taktil form, samtidig som jeg lagde noe brukbart og uventet.
Den båndbesatte torcen er litt av et ordspill – det nikker til Irlands eldgamle, antiklastiske bånd-torc-smykker. Jeg gjenskapte det med bevegelsen til et flagrende bånd. Noe av det var også inspirert av de svingete veiene på Monaco Grand Prix-banen, slik at det blander arv med fart. Jeg elsker når et smykke bringer sammen motsetninger – gammelt og nytt, fart og stillhet, mykt og sterkt.
Apex-brosjen handler om S-kurven, den er minimalistisk, behersket og bevisst. Den er oppkalt etter toppen: det mest dramatiske og farlige punktet på racerbanen. Lou Ruvo-halskjedet ble inspirert av denne bygningen i Las Vegas, Nevada – Lou Ruvo Center for Brain Health. Kurvene er surrealistiske og desorienterende, og jeg ville oversette den følelsen til metall. Det virkelig utfordret meg, både teknisk og kreativt, som en meditasjon over flyt og forvrengning.
Hvert av disse verkene har noe personlig for meg, men ikke alltid på en åpenbar måte. De ga meg, som skaper, en utforskning, et spørsmål eller en følelse løst gjennom metall.
Jeg utvikler for tiden et nytt verk som er mer filosofisk og symbolsk. Det handler om hukommelse, identitet og hvordan vi utvikler oss gjennom erfaring, med verk designet for å føles som personlige relikvier eller moderne talismaner. Tempoet i dette nye arbeidet er lavere, mer bevisst. Jeg gir mer plass til stillhet, intuisjon og mening.
Teknisk sett gleder jeg meg til å innlemme mer steinsetting i arbeidet mitt. Jeg ønsker også å utdype forbindelsen min til tradisjonell gullsmedkunst samtidig som jeg fortsetter å utvikle min egen stemme. Jeg ser dette neste kapittelet som en syntese av alt jeg har utforsket så langt. På lang sikt vil jeg gjerne utforske hvordan smykker kan bli et medium for historiefortelling, helbredelse og tilknytning. Enten det er forankret i den gamle fortiden eller forankret i nåtiden, ønsker jeg at arbeidet mitt skal være stemningsfullt – noe som inviterer til refleksjon.
Etter hvert som jeg fortsetter å utvikle praksisen min, gleder jeg meg til å stille ut på Milano Jewellery Week i perioden 18.–20. oktober 2025. Arbeidene mine vil bli vist som en del av Artistar Jewels på Palazzo Bovara, en kuratert utstilling som samler nye og etablerte kunstnere innen samtidssmykker. Det er en viktig mulighet til å dele arbeidet mitt internasjonalt og representere irsk håndverk i en bredere global samtale. Jeg ser frem til å dele dette nye kapittelet i arbeidet mitt og komme i kontakt med andre gjennom det.
Siobháin O'Sullivan er en irsk-gresk/amerikansk designer-gullsmed. Hun blander symbolikk, bevegelse og historiefortelling for å skape stemningsfull, moderne og bærbar kunst.
