Studio 12, Backwater Artists Group, Cork
20. juli - 17. august 2018
Klaudia Olszyńskas utstilling på Studio 12 i Backwater Artists Group består av fire blandede medier som kan best beskrives som 'utvidede malerier'. Utstillingen henter tittelen fra GPS-kartkoordinatene til et område avslørt via Google maps for å være langs Fennells Bay Road i Myrtleville, County Cork. Resonansen til verkene er posisjonert (i en avsnittslang kontekstualisering) som bosatt i de forlatte bygningene som er tilstede på stedene de deler koordinater med.
Verkets fargevalg dreier seg om svarte, gråtoner, off-white gips nyanser og diffuse, nær mold-farget greener. Alle inneholder drypp av vannaktig maling. De har også områder med overdrevet bygd maling, og danner porøse strukturer som stikker en tomme eller to fra brettet som de påføres på. To verk er i portrettformat, de to andre i landskap, med små variasjoner i størrelse. Den generelle estetiske ordningen signaliserer ganske tydelig forfall, med flekker og søl som betyr at konstruksjonene slites over tid.
Malerienes glassflater er det som slo meg mest når jeg ser dem på nært hold. Disse lakkerte overflatene ser ut til å bli fanget eller festet på plass, slik de glans av keramiske fliser. Visuelt står de i kontrast til den underforståtte bevegelsen som finnes i utslippsmønstrene. Når ting forverres, sies de å 'miste glansen'. Patentalt er disse verkene i en tilstand av 'konstruert forverring', snarere enn å være produkter av ødeleggelse eller gradvis dekonstruksjon.
Det er imidlertid vanskelig å føle seg optimistisk i nærvær av disse verkene. De fanger et felt av estetikk som ofte presenteres på en romantisert måte - tenk på ruinene avbildet i et Caspar David Friedrich-maleri, for eksempel. I tradisjonell japansk estetikk, forestillingen om wabi-sabi sentrerer seg om en tro på at tidens arbeid skal verdsettes. Glans og glans av det nye blir ansett som flyktig og trivielt, mens aldring og ubestandighet - manifestert gjennom ufullkommenheter, som en rustikk patina - blir æret. Det er ingen sublim utholdenhet av et objekt i tid; det er bare oppslukingen i de mugne flekker av forfall, til disse funksjonene er alle som gjenstår. Tiden kan uttrykke seg estetisk og påvirkende på mange måter gjennom blomstring, modning og forfall. Forfall fortsetter lenge etter døden og er følgelig noe som ikke er spesifikt for objektet. Olszynskas malerier, motivert av opplevelse av ruiner, forvandler en naturlig forekomst til et kunstverk og verdsetter dermed denne prosessen. Imidlertid, i motsetning til wabi-sabi prinsipper, er dette forfallet løst i en spesifikk konfigurasjon og forhindret fortsatt forfall.
Det er interessant at fotografiske reproduksjoner av Olszyńskas malerier ser ut til å estetisere verkene for mye. I dette digitale formatet - med alt flatt og opplyst på skjermen - har verkene faktisk et sublimt aspekt. Glassets hardhet forsvinner fra syne, erstattet av 'pene' diffusjoner, i motsetning til flekker. Imidlertid er disse verkene i virkeligheten mer konfronterende, ettersom de aktivt undersøker hvordan man kan fange og presentere forfall riktig. Vi må lese disse verkene i henhold til hvordan forfall marsjerer fremover, blir tøffere og mer brutalt, i motsetning til forestillinger om entropi. Det er en sapping og treghet til den entropiske prosessen - en gradvis utarmning. Derimot er forfallets estetikk bygget på en slags blomstring, tydelig i haugene med maling og hauger av gips, og deres tunge teksturer vender mot organiske skulpturelle former.
Forfall er et allestedsnærværende fenomen, men Olszyńska reagerer på en konkret forekomst med en dyster palett, abstrakt tittel og skulpturelle former, og danner dermed bro mellom noe lokalt og noe universelt. I følge utstillingsteksten ble kunstneren rørt av "minnene inngrodd i stoffet i forlatte bygninger", men som seere er vi blokkert fra å kjenne dette stedet på en så direkte måte. Å være bundet til et bestemt sted trenger imidlertid ikke å utelukke vårt engasjement med arbeidet. Vi kan tolke tittelkoordinatene som å betegne noe utenfor stedet de refererer til, og uttrykke en spenning mellom abstraksjon og spesifisitet - trekk som verkene selv legemliggjør og stoler på.
John Thompson er kunstner og medkurator for The Guesthouse Project, Cork.
Bilde Studiepoeng:
Klaudia Olysznska, '51.791384 .8.29109, -12 ', installasjonsvisning, Studio XNUMX, Backwater Artist Studios, Cork; fotografering av Johnny Bulger
Klaudia Olysznska, 51.791384, -8.29109 (4), blandet media om bord, 76 x 101 cm
