JOANNE LAWS INTERVJUER EILIS O'CONNELL OM UTVIKLING AV HENNES PRAKSIS OVER FEM TIDER.
Joanne Laws: Kanskje du kunne begynne med å skissere miljøet og appetitten for skulpturpraksis i Irland på slutten av 70-tallet, da du ble uteksaminert fra Crawford School of Art and Design?
Eilis O'Connell: Det var en lidenskap og intensitet for skulptur på den tiden. Jeg husker et show kalt 'OASIS' (Open Air Show of Irish Sculpture) og årlige utstillinger som Living Art og Independent Artists. Jeg stilte ut arbeidet mitt for første gang som en del av The Irish Exhibition of Living Art i 1972. Kan du tro at jeg var så frekk å sette arbeidet mitt inn i en nasjonal utstilling da jeg bare gikk andre året på kunsthøgskolen? Vi ble oppmuntret av John Burke til å sende inn arbeid, og den opplevelsen var strålende; det ga meg selvtillit. Det var mange dyktige folk rundt omkring, men dessverre emigrerte mange av dem. Det var ingenting å bo for; det var veldig tøft. Jeg vet at artister klager i dag over at de ikke har plass, men det var helt forferdelig på 70- og 80-tallet. Du aksepterte nettopp at du måtte jobbe i en gammel, iskald, forlatt bygning. Eiendommen hadde ingen verdi, så den ble ikke vedlikeholdt, men på plussiden kan du leie plasser ganske billig. Mange mennesker emigrerte under lavkonjunkturen og kom ikke tilbake. Jeg emigrerte til slutt på slutten av 80-tallet.
JL: Du var en av grunnleggerne av National Sculpture Factory i Cork. Hvordan oppsto dette?
EC: Jeg jobbet med Vivienne Roche, Maud Cotter og Danny McCarthy på å sikre et studio for skulptører i Cork by på midten til slutten av 80-tallet. Jeg var medlem av Kulturrådet i to år tidligere og gjorde dem oppmerksomme på mangelen på studioplass i byen, som ble skrevet inn i politikken og bevilgningen ble bevilget. Så, det var bare å finne en bygning. Det gamle trikkedepotet på Albert Road i sentrum var ideelt, men det tok lang tid å få prosjektet i gang. Maud, Vivienne og Danny gjorde det meste av jobben, da jeg på den tiden var basert i London.
Rundt denne tiden kom det en offentlig motreaksjon mot et av mine offentlige kunstverk, The Great Wall of Kinsale (1988), som bare var et mareritt, så jeg bestemte meg for å forlate Irland. Jeg flyttet til London alene med så å si ingenting. Så fikk jeg PS1-residensen, så jeg dro til New York, hvor jeg møtte en kvinne fra Delfina Studios, som spurte om noen ønsket et gratis studio i London. Jeg søkte og fikk et gratis studio i to år, noe som var et lykketreff. Delfina var strålende og veldig støttende; i løpet av de to årene hadde jeg fire åpne studioer, noe som var en flott måte å møte folk på.
Så begynte jeg å søke på offentlige kunstoppdrag i Storbritannia. Merkelig nok ble Kinsale-verket min redning og åpnet dører for meg; mulighetene bare strømmet på. Jeg vant en konkurranse for Cardiff Bay Arts Trust, Secret Station (1992), en skulptur i patinert bronse og galvanisert stål. Jeg lagde en annen i Milton Keynes, The Space Between (1992), i bronse og fiberoptikk, og en annen for London Docklands Development Corporation. Jeg var i ferd med å vinne konkurranser og trodde det aldri ville ta slutt. Etter en stund ble offentlige kunstkonkurranser en stor greie i England, med enorme budsjetter, og folk som Anthony Gormley gikk for dem. Det var virkelig spennende tider.
JL: Når vi snakker om Gormley, fikk hans «Sculpture for Derry Walls» (1987) også en veldig sterk offentlig reaksjon. Jeg tror den var dekket av graffiti og til og med hadde smeltet plast helt over den på et tidspunkt?
EC: Ja, en av figurene hadde brennende dekk rundt halsen. Gormley hadde en flott linje om det; han sa at skulpturen var "katarsis for byen" - noe for folk å få ut all sin sinne på stykket. Den er laget av støpejern, så den kan tåle misbruket. På en måte er det et perfekt stykke for den tid og rom.
JL: Din praksis involverer to tråder: offentlige kunstverk som ofte er store i størrelse; og de skulpturelle objektene du lager i en mer hjemlig skala. Hvordan nærmer du deg denne spenningen?
EC: Jeg lager alt lite, selv som forberedelse til noe større, så jeg kan løse alle problemene i liten skala først. Hvis du lager en liten versjon av noe, er det bare å skalere det opp og konstruere, noe jeg gjør ganske instinktivt. Jeg foretrekker å bare jobbe med store ting hele tiden, men den eneste måten å finansiere det på er gjennom provisjoner. Konteksten for hvor og hvordan en skulptur er plassert er så viktig; det må få lov til å skape sin egen atmosfære.
JL: Dramatiske variasjoner i skala ble også sett i undersøkelsesutstillingen din på VISUAL Carlow, som inkluderte en enorm ny kommisjon for Main Gallery. Med en lengde på over 21 meter er det muligens den største skulpturen jeg noen gang har møtt i et galleri i Irland. Hva kan du fortelle oss om dette arbeidet?
EC: Jeg hadde en helt annen plan for den utstillingen, men Benjamin Stafford (kurator for visuell kunst hos VISUAL) så et verk i hagen min, Capsule for Destinies Unknown , som jeg hadde laget for en utstilling av samtidsskulpturer i England kalt «ARK» i 2017. Jeg tenkte på arken som et symbol på tilflukt i en tid da så mange flyktninger krysset Middelhavet og tragisk druknet. Det originale verket er asymmetrisk og er boltet inn i betong på utsiden, så jeg kom opp med en idé om å lage en andre versjon som ville være symmetrisk for å balansere. Capsule for Destinies Unknown – serie to (2024), deles fra hverandre i tre deler. Den holdt hovedrommet i VISUAL perfekt; bredden på rommet er flott, så det var interessant å håndtere det diagonalt. Betrakteren måtte gå rundt verket og ble tvunget til å virkelig se på det.
JL: Hvordan selger du arbeidet ditt?
EC: Jeg viser med et galleri i London og med Solomon Fine Art i Dublin, så de holder meg på en måte. Og så har jeg skulpturhagen min – en hektar med land rundt studioet mitt på The Creamery i Cork. Det var en betongjungel da jeg først fikk den, og jeg har brukt mye tid på å omforme landskapet, plante trær og jevne ut områder. Det er alle bakker, og jeg har lært så mye av å plassere skulpturene, flytte rundt på dem, se hvordan en brikke påvirker de andre, og så videre. Folk avtaler å besøke, og jeg har åpne studiodager, og det er slik jeg selger de store bitene.
JL: Det høres veldig DIY ut.
EC: Å, det er ren DIY. Den eneste måten å overleve som skulptør er ved å gjøre ting selv. Ingen kommer og gjør det for deg; det er mye arbeid, å vedlikeholde skulpturene og få dem til å se uberørte ut. Noen ganger blir jeg overveldet av studioet mitt med bokstavelig talt 50 års arbeid lagret der inne. Jeg beholder ting jeg setter pris på, men jeg har av og til tømmer. Jeg har fortsatt en 40 fots container full av ting fra Douglas Hyde-showet mitt på 80-tallet. Det er stykker jeg brukte måneder på å lage, og det er veldig vanskelig å vite hva jeg skal gjøre med dem.
JL: Hva jobber du med for øyeblikket?
EC: Jeg gjør et stykke for Wilton Park i Dublin som er en hyllest til den banebrytende irske forfatteren Mary Lavin, som skrev for The New Yorker og andre publikasjoner. I en verden av mannlige forfattere var hun virkelig forut for sin tid. Jeg bestemte meg for å støpe et biomorfisk stykke i speilpolert rustfritt stål, noe som er en veldig vanskelig prosess. Få artister bruker dette mediet, så jeg ville bare se om jeg kunne gjøre det. Vi har gjort et teststykke og så langt er det strålende. Jeg lager det i Spania og Hellas. Jeg pleide å gjøre mye av oppdragsarbeidet mitt i Storbritannia med gode fabrikasjonsselskaper og støperier, men med Brexit er dette nå umulig.
JL: Hva tror du er utfordringene for irske skulptører?
EC: Med et ord, mellomrom. Det er mangel på plass til å vise samtidskunst i stor skala. Tilgang til rimelige studioer og boliger er enorme problemer for kunstnere i Irland akkurat nå, men kanskje bolig i større grad. Ser man på den lyse siden, har den digitale verden gjort det mulig å være kreativ uten studio, men for en skulptør er det viktig å ha et dedikert rom for å rote rundt, lære å bruke verktøy og utvikle ferdigheter. Det haptiske elementet er avgjørende; det er noe veldig tilfredsstillende med å lage noe for hånd fra bunnen av.
JL: For å konkludere, hva kan du fortelle oss om materialene og verdiene dine som produsent?
EC: Vel fundamentalt sett elsker jeg å lage ting. Jeg har alltid rundt 20 ting på farten. I en ideell verden ville jeg vært i studioet mitt og laget ting hele dagen, men det er ikke realistisk. Jeg må forholde meg til e-poster og samarbeid, som kan ta fra ens personlige kreative tid. Jeg liker det sosiale aspektet ved å samarbeide – det holder tankene mine åpne for nye muligheter og prosesser.
Jeg pleide å lage alt selv i stål, men for å være ærlig er jeg langt over det nå. Jeg vil ikke bruke hver dag på å slipe metall; det er en veldig vanskelig måte å lage ting på. Jeg bruker fortsatt stål av og til til armaturer og ting, men nå bruker jeg Jesmonite; det er et veldig allsidig medium som du kan helle eller bruke som leire. Jeg er veldig nysgjerrig på nye materialer. Jeg jobbet med harpiks i evigheter og bestemte meg til slutt for at jeg hater det; harpiks ser vakkert ut, men det er giftig som faen. Saken med skulptur er at uansett hvilke materialer du bruker – tre, stein, betong, gips – er støvet farlig. Jeg bytter materiale fordi jeg liker å lære nye ting. Det siste jeg vil gjøre er å gjenta meg selv.
Jeg er fascinert av strukturen og levetiden til materialene. Gode materialer er bærekraftige og det fine med metall er at det har verdi, så det resirkuleres. Noen av mine små biter blir oversatt til stein, og det har vært en annen læringskurve. Ting jeg lager i metall kan ikke lages i stein bare fordi stein ikke har noen strekkfasthet, så det er vanskelig å trosse tyngdekraften. Jeg har lært å respektere vekten mens jeg prøver å fjerne så mye materiale som mulig fra blokken. Stein og bronse er så spenstige. Når den er gravlagt i 3000 år, vil bronse bli enda vakrere, med en patina som er litt etset. Jeg elsker det faktum at en metall- eller steinskulptur vil overleve meg.
Eilis O'Connell er en artist basert mellom Cork og Kerry. 'In the Roundness of Being' ble presentert på VISUAL Carlow fra 17. februar til 12. mai 2024.
eilisoconnell.com
