JOANNE LAWS INTERVJUERER DAPHNE WRIGHT FØR SEPARATUTSTILLINGEN HENNES PÅ ASHMOLEAN MUSEUM.
Joanne Laws: Vi studerte begge ved Sligo RTC (nå Atlantic Technological University). Jeg studerte kunst på slutten av 90-tallet, i en inspirerende periode for kvinnelige irske skulptører. Var det en følelse av optimisme på denne tiden, eller oppsto momentum mot alle odds?
Daphne Wright: Vel, alle dro på 80-tallet – lavkonjunkturen var brutal. Jeg forlot Irland i 1989. På 90-tallet husker jeg bare at jeg gikk fra fellowship til fellowship og residency til residency for å opprettholde praksisen min. Jeg var fellow i Cheltenham, Henry Moore-fellow i Manchester, og tilbrakte et år på British School i Rome. Under utdannelsen min i Sligo tidlig på 80-tallet ble vi stadig pekt ut sterke kvinnelige skulptører; jeg lærte hele tiden gjennom samtaler og samtaler. Lærerstaben i Sligo på den tiden inkluderte Seán Larkin, Seán McSweeney, Fred Conlon, Con Lynch, Nuala Maloney, Ruairí Ó Cuív, Seán O'Reilly og John O'Leary. Det var også Robert Stewart og Peter Charney – han var australsk og kom med et helt annet synspunkt. Jeg studerte skulptur og keramikk, men vi var et så lite årskull at vi alle var vennlige med hverandre.
JL: Nå som du er tilbake i Dublin, har du et studio?
DW: Jeg har gjort to rom i huset mitt om til ett rom, og det er der jeg vanligvis jobber. Jeg er veldig takknemlig for det, fordi det er så dyrt å leie et studio. Det er slik jeg har måttet gjøre det, helt siden jeg fikk barn; det har blitt en spesiell type prosess, og jeg elsker rutinen. Når jeg lager en stor skulptur, leier jeg midlertidig verkstedet til en møbelsnekker nordvest i Irland.
JL: Hvordan ser din daglige studiorutine ut?
DW: Jeg brukte mye tid på å teste, utforske og lage ting. Jeg tester ikke bare materialene; jeg leser, forsker og mater hjernen min samtidig. Når jeg begynner å forstå hva jeg gjør, så lager jeg – som ofte er den hyggeligste delen. Av og til jobbet jeg meg opp til et veldig stort verk, som ikke bare handler om å lage, men også om å skaffe penger til å finansiere det.
JL: Figurene i naturlig størrelse av dine to sønner har tidligere vært med i arbeidet ditt. Ble de laget gjennom støpeprosesser?
DW: Da guttene var mindre, lagde jeg Kjøkkenbord (2014) i håndmalt Jesmonite, som innebar å støpe hver av dem separat i mindre deler. Dette var mens de akkurat var i ferd med å komme ut av barndommen og inn i ungdomsårene. Over ti år senere har jeg fått enighet om å støpe dem igjen, nå som de er på nippet til å bli mannlige, til et nytt verk kalt Sønner og sofa (2025) som skal stilles ut for første gang i sommer.
Figurene er komplette avstøpninger og er hule. De ble fremstilt med den gammeldagse livsstøpeteknikken, og det er veldig viktig. Det er ikke datagenerert eller 3D-printet; det er en veldig arbeidskrevende, tradisjonell prosess. Det er også et ganske krevende foretagende for personen som støpes, fordi kroppen er fullstendig innkapslet, om enn på forskjellige tidspunkter. Du bruker gipsen til å ta en form av kroppen, som om du fanger et øyeblikk i tiden.
Når avstøpningene settes sammen til en komplett skulptur, males alt i en dempet farge – en som har essensen av minne. Det er ikke ekte farger, men hvordan man kan huske farger. Figurene settes deretter sammen til en installasjon eller skulpturell scene. Det er det jeg sliter med for øyeblikket, fordi jeg noen ganger har flere elementer enn jeg trenger. Det kan være en smertefull prosess å redigere ned til bare det som er nødvendig og det som fungerer.
JL: Det hjemlige ser ut til å være et tilbakevendende tema i dine skulpturelle arrangementer, som inkluderer figurer, personlige gjenstander, planter og husholdningsapparater. Hvorfor det?
DW: Vel, det er et par ting som gjør dette litt komplisert. For det første drar du på museer og oppdager at det er svært få kvinnelige kunstnere representert i samlingene. Det er noe veldig interessant med rollebesetningene og tidsfangsten som monumentaliserer det hjemlige, samtidig som de plasserer morsrollen og det feminine i hjertet av museet. I tillegg lurer jeg ofte på hvorfor det finnes visse gjenstander i museene våre som er stumme eller stille. De blir stillestående, antar jeg, og deres følelse av å være et kunstverk forsvinner faktisk. For meg er det en sentral bekymring. Når et kunstverk har en tilstedeværelse og en egen sjel, blir de andre tingene bare rekvisitter.
Bortsett fra Sønner og Sofa, vil det være andre objekter i utstillingen, inkludert Stilleben i kjøleskap (2021) – et åpent kjøleskap laget av ubrent leire, som inneholder de vanlige tingene på hyllene, som en kylling, klar for ovnen. På toppen av kjøleskapet står det en stor vase med tulipaner som er i ferd med å råtne. Så på mange måter er det et moderne stilleben som vekker spørsmål i sentrum av hjemmelivet: hvem fyller kjøleskapet, hvem tømmer kjøleskapet, og hvem lager vi mat til?
JL: En separatutstilling av arbeidet ditt vil bli presentert på Ashmolean Museum i Oxford i sommer. Den vil vise frem nye verk, utviklet som svar på skulpturer i Ashmolean Cast Gallery. Hva kan du fortelle oss om denne utstillingen?
DW: Utstillingstittelen, «Deep Rooted Things», er hentet fra en linje i Yeats' dikt, Det kommunale galleriet på nytt (1939): «Mine barn kan finne dypt forankrede ting her.» Ashmolean Cast Gallery er ganske fantastisk. Det inneholder antikke greske og romerske avstøpninger som er nesten komplette. Det er en fascinerende samling av idrettsutøvere som virkelig fortsatt har egenskapene til unge menn. Jeg tok barna ofte med til Ashmolean da de var små, så på en måte er det en del av oppveksten og læringen deres. Ens fascinasjon, som mor og som kunstner, for å se på gjenstander, fyller dem igjen med fascinasjon.
Utstillingen er også et supplement til Hugh Lane Gallery-samlingen, og ser spesielt på stilleben-maleritradisjonen. Samlingen inneholder blomstermalerier av noen av de aller første irske kvinnene som gikk på universitet eller kunsthøyskole, mange av dem studerte i Storbritannia eller Frankrike. Blomstermaleriene deres er ganske vakre og stille radikale. Det finnes også noen svært gripende portretter, inkludert et vakkert portrett av WB Yeats som gutt som leser en bok, malt av faren hans, John Butler Yeats, ca. 1886.
Disse kunstverkene vil bli gjengitt i en tilhørende publikasjon, sammen med tekster av Emily LaBarge og fra Ashmolean Museums direktør, Alexander Sturgis, og Hugh Lane Gallerys direktør, Barbara Dawson. Utstillingen handler om å kombinere disse institusjonene og se på forskjellene i samlingen deres: den ene er en antikvitetssamling i verdensklasse; mens den andre er en mer moderne nasjonal samling som inneholder samtidsverk. De bruker forskjellige språk, men for meg er det alt museologi, gjennomsyret av det hjemlige.
JL: Det ser ut til å være et tilbakevendende tema med unge menn, portrettert gjennom tidene?
DW: Det er sant – unge menn på et avgjørende punkt i livet, enten det er de unge idrettsutøverne i Ashmolean-samlingen eller mine egne sønner på terskelen til voksenlivet. Man kan argumentere for at det var lignende press for unge menn i både klassisk og samtidstiden. Mye av denne underteksten er ikke verbal; men vi vet det instinktivt. Jeg tror det i stor grad er der arbeidet mitt befinner seg – på denne typen terskler som er universelt forstått.
«Ashmolean Now, Daphne Wright: Deep-Rooted Things» vil bli presentert på Ashmolean Museum i Oxford fra 13. juni 2025 til 8. februar 2026. Lagingen av nye verk til denne utstillingen har blitt støttet av en Visual Art Project Award fra The Arts Council of Ireland.
ashmolean.org
