KEVIN BURNS ANMELDER DEN FJERDE OG SLUTTE INSTALLASJONEN AV VAIS NYE RUMUTSTILLINGSPROGRAM I DERRY.
Det er omtrent fire om ettermiddagen: Jeg har nettopp plaget noen på et kontor for å surre meg opp til første etasje; Jeg går opp en storslått georgisk trapp, foret med Rothko-plakater; Jeg venter mens de slår på alt; og nå ser jeg en scene spise seg selv. Det er fire metallstillas med scenebelysning, speilet i kvadranter, som syklisk trekker seg sammen og utvider seg, som industrielt blad. Utenfor øyekroken merker jeg at det har dukket opp en fremdriftslinje øverst på skjermen, med en tidtaker som teller 3, 4, 5 - så er den borte.
Jeg er på Fashion & Textile Design Center, et av fire eponyme 'nye rom' i Derry, hvor seksten prosjekter har vært lokalisert fra juli til desember, i fire avdrag på fire prosjekter hver. New Spaces er et joint venture mellom Visual Artists Ireland og Derry City og Strabane District Council, støttet av Arts Council of Northern Ireland Challenge Fund som, som bestemt i en tidlig pressemelding: "Lar folk oppleve spennende og utfordrende samtidskunst i nye måter ”. Visst, kunstprosjekter utenfor stedet kan tilby opplevelser som er forskjellige fra de i en mer utopisk setting av et kunstgalleri, med egenskaper som ofte bæres av friksjonen som ligger i slike prosjekter. Faktisk er en del av New Spaces ansvarsområde å oppmuntre nye kuratorer til å engasjere seg i - og lære av - utfordringene som kan skyldes kuratering av kunstprosjekter i ukonvensjonelle omgivelser. Utstillingene for hver avdeling ble kuratert av Rebecca Strain, Edy Fung, Alice Butler og Mirjami Schuppert, som ble valgt under en åpen samtale tidlig på 2018, basert på styrken i deres nettstedresponsive forslag. Den fjerde og siste utstillingsrunden gikk fra 17. november - 15. desember 2018.
På Ebrington Square lørdag 1. desember presenterte Shipsides & Beggs Projects - et kunstnerisk samarbeid mellom Dan Shipsides og Neal Beggs - 'Zombie Line, Wheel and Wire', en filmvisning og tilhørende kunstneres tale, kuratert av Alice Butler. Shipsides og Beggs reflekterer over etterkrigsgeografiene og de nedlagte militære infrastrukturene til Dolomittene i Nord-Italia, med fokus på jernkablene som opprinnelig ble brukt som meldings- og speiderruter for italienske soldater under første verdenskrig. Filmen lener seg på den desorienterte visuelle logikken til psykedelia for å figurativt spinne disse kablene til sykkelhjul, og vedta en visuell slektsforskning fra sykkelen - fra kjære av de italienske futuristene og et favorisert politisk symbol på Mussolini, til militære kjøretøy (inkludert - utrolig - den 'UVF Bicycle Corp'), og hyper-maskulin symbol, strålende i umåtelig Lycra. Bilder trekker seg syklisk gjennom, og hevder med glede mulighetene for film som et ikke-lineært medium, hvor varighet ikke nødvendigvis foreskriver at fortellingen skal gå parallelt.
Yarli Allisons '[Backspace]' er en firedelts serie installasjoner som reflekterer over vekst, degrowth og evolusjon, filtrert gjennom biografiske episoder. Del fire, Infant, skulle finne sted på Gwyn's Café & Pavillion i Derrys Brooke Park, og avslutte serien med gjenfødselsbevegelser. Men den ble avlyst. Fra det jeg samlet mens jeg ventet på kaffen min, var arbeidet ment å involvere en gjenstand hengende fra taket, som satte i gang en strid om hvorvidt den ville "passe". Artisten valgte å levere et forestillingsverk på parkområdet på åpningskvelden i stedet. Åpenbart kolliderte kunstneriske interesser med den romlige logistikken til en fungerende kafé, og tydeliggjorde noen av de praktiske begrensningene ved kunstprosjekter utenfor stedet: disse er ikke utopiske rom der vi oppfordres til å slappe av og bare tenke litt; de er ofte funksjonelle rom med sitt eget sett med krav. Jeg ville sannsynligvis ha bestilt den kaffen uansett - Gwyn's er en vakker kafé i idylliske omgivelser - men da jeg gjorde det, var jeg klar over en implisitt utveksling: ”Jeg kan ikke bare be om å se kunsten, og så gå ut! ”
På Sion Stables arvssenter i Sion Mills er et mer harmonisk forhold mellom prosjekt og beliggenhet. Presentert i et stort glassveske, Hiroko Matshushita's Dualisme av historiefortelling er en delikat kuttpapirinstallasjon, som ligner en frise, preget på begge sider av en uviklet, brettet rulle. Det er en oppfatning av Snow White, fortalt mellom to fortellende tråder på hver side av papiret, den ene på engelsk og den andre japansk. Historien er illustrert med silhuettportretter, som minner om tradisjonelle Regency-bilder, der man kan se scener med revjakt, eller frieri i elegante hatter. I et tilstøtende rom står Emma Hirsk skulptur, Den kvinnelige sveisekunsten, to langstrakte metallrammer som står oppreist med en fremspringende abstrakt form som dukker opp fra deres sentre. Begge prosjektene ble kuratert av Rebecca Strain og installert blant en permanent samling av gjenstander fra Sion Mills 'historie som selskapets by for Herdman Flax-Mill, etablert i 1835. Blant samlingen er et fotografi av menn som jobber i fabrikken og måker. gjennom en innendørs ørken av linfrø: figurenes holdning resonerer med Matshushitas illustrasjoner, som i denne sammenheng fremkaller en idealisert minne om ujevne forhold mellom herrer og leietakere, arbeidsgivere og arbeidere. Som en modellfabrikkby kan Sion Mills i seg selv ses på som symbolsk for dualiteten som er relevant for Matshushitas arbeid. Stolt som byen er fra Herdman-familiens arv, advarer Matshushita mot å forveksle adelsmenn som forplikter seg til egenkapital. Hirsk's skulptur snakker også til stallkameratene, og håper å "plassere det feminine i det naturlige miljøet". De sveisede rammene har en rettvinklet struktur og vertikalitet som er målrettet, noe som tyder på arbeidskraft og industri. De virket hjemme i et museum for hestepleieverktøy og frøveieutstyr, mens de også kanaliserte de skjulte historiene om kvinnelig industriarbeid, ikke merkbart representert av de mange arkivbildene av praktfullt moustached herrer.
Den nevnte videoen på Fashion & Textile Design Center, er et element i Dave Loders lydinstallasjon, A Wh () ly ring (ing), som bygger på Loders konseptuelt ambisiøse praksis for å fange og reprodusere omgivende hørsels- og kinetiske krefter. Curated av Mirjami Schuppert og okkuperer et stort rom, A Wh () ly ring (ing) påstår å engasjere seg i den umerkelige ringingen av Derrys bymurer. Den består av en rekke små kobbermynter som er koblet sammen, koblet til en lydmikser og sendt ut til en høyttaler. Dette utstyret er installert midt i et arrangement av geometriske stoffmønstre, en TV som viser scenen, og en annen er slått av og vendt ut av vinduet. Forutsetningen og estetikken til arbeidet innebærer at kobbermyntene på en eller annen måte mottar fenomener fra miljøet og gjør dem hørbare. Bare det gjør det ikke - jeg kan ikke høre noe. Det jeg kan høre er miljølyder: fjernsynets elektriske nynning; det milde knirken av vinduene, som om den hvite malingen kravlet av rammene; de illevarslende rumlingene fra en stor bygnings uendelig små svaiing; den svake, svingende lyden av klimaanlegg. Hvis denne høyttaleren faktisk produserer noen lyd, går den tapt blant støyen fra veien og menneskene som prater under. Men lydsystemet ser ut til å produsere noe, fordi vi kan lese skjermen på lydmikser, som indikerer at lydspor spilles i rekkefølge, omtrent som TV-en spiller video på en løkke. Den andre fjernsynet, som inaktivt stirrer ut av vinduet, er enda mer ambivalent: skal det spilles noe, eller glemte gallerideltakerne å slå det på? A Wh () ly ring (ing) skaper en upålitelig fortelling som genererer friksjon mellom tillit og kunnskap, og tenker på den urovekkende diskusjonen rundt klimavitenskap - et emne som samtidig er omgivende og fjernt, men skremmende stort i skala. Hvorvidt man 'tror' på vitenskapen eller ikke, avhenger i stor grad av vår tillit til de som praktiserer den. Ganske bortsett fra hvordan det kan fungere under studio- eller galleriforhold, i denne sammenhengen A Wh () ly ring (ing) symboliserer umuligheten av total, empirisk kunnskap. Vi må stole på tillit - institusjonelt og personlig - for å konstruere sannheten.
Konseptet med å '' bringe kunst '' til steder der normale mennesker driver hverdagen deres er ikke noe nytt, så jeg anser det ærlig talt ikke som et viktig resultat av New Spaces, som sådan. Imidlertid er det noe åpenbarende ved dysfunksjonen som kan oppstå i prosjekter utenfor stedet, der de formelle utopiske begrepene kunstutøvelse genererer produktiv friksjon med prioriteringene til ikke-kunstrom. Men betrakteren må være autonom for at dette skal skje. Medborgerlig kunstprogrammering ønsker å tegne en seeropplevelse - det er et skuespill, men lavmælt - ved å forhandle byrået vårt som seere for en opplevelse av åpenbaring. Vi må bevare bevisstheten om byrået vårt, og bestemme hvor strengt vi skal utøve det; om du skal kjøpe kaffen, eller ikke kjøpe kaffen ...
Kevin Burns er en kunstner og forfatter basert i Derry.
Bildekreditter
Skipsides og Beggs-prosjekter, Zombie Line, Wheel og Wire, stillbilde, bilde med tillatelse fra kunstnerne.
Emma Hirsk, Den kvinnelige sveisekunsten, bilde med tillatelse fra Rebecca Strain.
Hiroko Matshushita, Dualisme av historiefortelling; bilde med tillatelse fra Rebecca Strain.
