KEVIN BURNS ANMELDER DEN FJERDE OG SLUTTE INSTALLASJONEN AV VAIS NYE RUMUTSTILLINGSPROGRAM I DERRY.
Det er omtrent fire om ettermiddagen: Jeg har nettopp plaget noen på et kontor for å surre meg opp til første etasje; Jeg går opp en storslått georgisk trapp, foret med Rothko-plakater; Jeg venter mens de slår på alt; og nå ser jeg en scene spise seg selv. Det er fire metallstillas med scenebelysning, speilet i kvadranter, som syklisk trekker seg sammen og utvider seg, som industrielt blad. Utenfor øyekroken merker jeg at det har dukket opp en fremdriftslinje øverst på skjermen, med en tidtaker som teller 3, 4, 5 - så er den borte.
Jeg er på Fashion & Textile Design Center, et av fire eponyme 'nye rom' i Derry, hvor seksten prosjekter har vært lokalisert fra juli til desember, i fire avdrag på fire prosjekter hver. New Spaces er et joint venture mellom Visual Artists Ireland og Derry City og Strabane District Council, støttet av Arts Council of Northern Ireland Challenge Fund som, som bestemt i en tidlig pressemelding: "Lar folk oppleve spennende og utfordrende samtidskunst i nye måter ”. Visst, kunstprosjekter utenfor stedet kan tilby opplevelser som er forskjellige fra de i en mer utopisk setting av et kunstgalleri, med egenskaper som ofte bæres av friksjonen som ligger i slike prosjekter. Faktisk er en del av New Spaces ansvarsområde å oppmuntre nye kuratorer til å engasjere seg i - og lære av - utfordringene som kan skyldes kuratering av kunstprosjekter i ukonvensjonelle omgivelser. Utstillingene for hver avdeling ble kuratert av Rebecca Strain, Edy Fung, Alice Butler og Mirjami Schuppert, som ble valgt under en åpen samtale tidlig på 2018, basert på styrken i deres nettstedresponsive forslag. Den fjerde og siste utstillingsrunden gikk fra 17. november - 15. desember 2018.
På Ebrington Square lørdag 1. desember presenterte Shipsides & Beggs Projects - et kunstnerisk samarbeid mellom Dan Shipsides og Neal Beggs - 'Zombie Line, Wheel and Wire', en filmvisning og tilhørende kunstneres tale, kuratert av Alice Butler. Shipsides og Beggs reflekterer over etterkrigsgeografiene og de nedlagte militære infrastrukturene til Dolomittene i Nord-Italia, med fokus på jernkablene som opprinnelig ble brukt som meldings- og speiderruter for italienske soldater under første verdenskrig. Filmen lener seg på den desorienterte visuelle logikken til psykedelia for å figurativt spinne disse kablene til sykkelhjul, og vedta en visuell slektsforskning fra sykkelen - fra kjære av de italienske futuristene og et favorisert politisk symbol på Mussolini, til militære kjøretøy (inkludert - utrolig - den 'UVF Bicycle Corp'), og hyper-maskulin symbol, strålende i umåtelig Lycra. Bilder trekker seg syklisk gjennom, og hevder med glede mulighetene for film som et ikke-lineært medium, hvor varighet ikke nødvendigvis foreskriver at fortellingen skal gå parallelt.
Yarli Allisons «[Backspace]» er en serie installasjoner i fire deler som reflekterer over vekst, nedvekst og evolusjon, filtrert gjennom biografiske episoder. Del fire, «Infant» , skulle etter planen finne sted på Gwyn's Café & Pavillion i Derrys Brooke Park, og avslutte serien med gester av gjenfødelse. Men den ble avlyst. Ut fra det jeg forsto mens jeg ventet på kaffen min, var verket ment å involvere et objekt hengende fra taket, noe som utløste en krangel om hvorvidt det ville «passe». Kunstneren valgte å levere et performanceverk i parkområdet på åpningskvelden i stedet. Tydeligvis kolliderte kunstneriske interesser med den romlige logistikken til en fungerende kafé, noe som tydeliggjorde noen av de praktiske begrensningene ved kunstprosjekter utenfor kontoret: dette er ikke utopiske rom der vi oppfordres til å henge og bare tenke en liten stund; de er ofte funksjonelle rom med sine egne krav. Jeg ville nok ha bestilt den kaffen uansett – Gwyn's er en vakker kafé i idylliske omgivelser – men mens jeg gjorde det, ble jeg klar over en implisitt utveksling: «Jeg kan ikke bare be om å se kunsten, og så gå ut!»
På Sion Stables kulturarvssenter i Sion Mills er det et mer harmonisk forhold mellom prosjekt og sted. Hiroko Matshushitas « Dualism of Storytelling» , presentert i en stor glassmonter, er en delikat installasjon av utklippet papir, som ligner en frise, preget på begge sider av en utfoldet, brettet skriftrull. Det er en tolkning av Snøhvit, fortalt mellom to narrative tråder på hver side av papiret, en på engelsk og den andre på japansk. Historien er illustrert med silhuettportretter, som minner om tradisjonelle bilder fra Regency-perioden, hvor man kan se scener med revejakt eller kurtisering i elegante hatter. I et tilstøtende rom står Emma Hirsks skulptur, « The Womanly Art of Welding» , to langstrakte metallrammer som står oppreist med en fremspringende abstrakt form som stikker ut fra sentrum. Begge prosjektene ble kuratert av Rebecca Strain og installert blant en permanent samling av gjenstander fra Sion Mills' historie som kompaniby for Herdman Flax-Mill, etablert i 1835. Blant samlingen er et fotografi av menn i arbeid i møllen, mens de måker gjennom en innendørs ørken av linfrø: figurenes holdning resonnerer med Matshushitas illustrasjoner, som i denne sammenhengen fremkaller en idealisert erindring om ujevne forhold mellom herrer og leietakere, arbeidsgivere og arbeidere. Som en modellmølleby kan Sion Mills i seg selv sees på som et symbol på dualiteten som er relevant for Matshushitas arbeid. Stolt som byen er av Herdman-familiens arv, advarer Matshushita mot å forveksle adelsplikt med rettferdighet. Hirsks skulptur taler også til sine stallkamerater, og ønsker å «plassere det feminine i det naturlige miljøet». De sveisede rammene har en rettvinklet struktur og vertikalitet som er målrettet, og antyder arbeid og industri. De virket hjemme i et museum med hestestellverktøy og frøveieutstyr, samtidig som de kanaliserte de obskure historiene om kvinnelig industriarbeid, ikke merkbart representert av de mange arkivbildene av praktfulle herrer med bart.
Den nevnte videoen ved Fashion & Textile Design Centre er et element i Dave Loders lydinstallasjon, A Wh()ly ring(ing) , som bygger på Loders konseptuelt ambisiøse praksis med å fange og reprodusere omgivende auditive og kinetiske krefter. Kuratert av Mirjami Schuppert og i et stort rom, har A Wh()ly ring(ing) til hensikt å engasjere seg i den umerkelige ringingen av Derrys bymurer. Den består av en rekke små kobbermynter koblet sammen, koblet til en lydmikser og sendt ut til en høyttaler. Denne innretningen er installert midt i et arrangement av geometriske stoffmønstre, en TV som viser scenen, og en annen som er slått av og vendt ut av vinduet. Verkets premiss og estetikk antyder at kobbermyntene på en eller annen måte mottar fenomener fra omgivelsene og gjør dem hørbare. Bare det at de ikke gjør det – jeg kan ikke høre noe. Det jeg kan høre er miljøstøy: den elektriske summingen fra TV-en; den svake knirkingen fra vinduene, som om den hvite malingen krøp av rammene; den illevarslende rumlingen av en stor bygnings uendelig små svaiing; den svake, fluktuerende lyden av klimaanlegg. Hvis denne høyttaleren faktisk produserer noen lyd, går den tapt midt i støyen fra veien og menneskene som prater under. Men lydanlegget ser ut til å produsere noe, fordi vi kan lese displayet på lydmikseren, som indikerer at lydspor spilles av i rekkefølge, omtrent som TV-en spiller av video i en loop. Den andre TV-en, som inaktivt stirrer ut av vinduet, er enda mer ambivalent: skal den spille av noe, eller glemte galleribetjentene å slå den på? En hv(l)y ringing skaper en upålitelig fortelling som genererer friksjon mellom tillit og kunnskap, noe som bringer tankene til den foruroligende debatten rundt klimavitenskap – et emne som samtidig er ambient og fjernt, men skremmende stort i skala. Hvorvidt man «tror» på vitenskapen eller ikke, avhenger i stor grad av vår tillit til de som praktiserer den. Bortsett fra hvordan det kan fungere under studio- eller galleriforhold, symboliserer A Wh()ly ringing i denne sammenhengen umuligheten av total, empirisk kunnskap. Vi må stole på tillit – institusjonell og personlig – for å konstruere sannheten.
Konseptet med å '' bringe kunst '' til steder der normale mennesker driver hverdagen deres er ikke noe nytt, så jeg anser det ærlig talt ikke som et viktig resultat av New Spaces, som sådan. Imidlertid er det noe åpenbarende ved dysfunksjonen som kan oppstå i prosjekter utenfor stedet, der de formelle utopiske begrepene kunstutøvelse genererer produktiv friksjon med prioriteringene til ikke-kunstrom. Men betrakteren må være autonom for at dette skal skje. Medborgerlig kunstprogrammering ønsker å tegne en seeropplevelse - det er et skuespill, men lavmælt - ved å forhandle byrået vårt som seere for en opplevelse av åpenbaring. Vi må bevare bevisstheten om byrået vårt, og bestemme hvor strengt vi skal utøve det; om du skal kjøpe kaffen, eller ikke kjøpe kaffen ...
Kevin Burns er en kunstner og forfatter basert i Derry.
Bildekreditter
Skipsides og Beggs-prosjekter, Zombie Line, Wheel og Wire, stillbilde, bilde med tillatelse fra kunstnerne.
Emma Hirsk, Den kvinnelige sveisekunsten, bilde med tillatelse fra Rebecca Strain.
Hiroko Matshushita, Dualisme av historiefortelling; bilde med tillatelse fra Rebecca Strain.
