MANUELA PACELLA INTERVJUER PAUL O'NEILL OM HENNES KURATORIALE PRAKSIS OG HANS KUNSTLIGE DIREKTØR PÅ OFFENTLIGE HELSINKI.
Manuela Pacella: Din praksis er preget av flere overlappende interesser. Jeg er enig med deg i at definisjonen av en 'forskningsorientert kurator' kan være ganske reduktiv. Du forener de ulike delene av forskningen din som ganske enkelt 'kuratoriet' - hva betyr dette begrepet for deg?
Paul O'Neill: Mange argumenter i forhold til 'kuratoriet' ble spilt ut i diskusjoner på midten av 2000-tallet: Irit Rogoff snakket om kuratoriet som en 'kritisk tanke' som ikke skynder seg å legemliggjøre seg, snarere utspiller den seg over tid ; Maria Lind diskuterte kuratoriet som å gå utover det som allerede er kjent; Beatrice von Bismarck innrammet kuratoriet som et kontinuerlig forhandlingsrom; mens Emily Pethick beskrev kuratoriet som å tillate at ting smelter sammen i ferd med å bli realisert. Jeg fant disse fire forslagene viktige når jeg hevdet utstillingen som en samarbeidende forskningsaksjon. Jeg tror at kuratoriet eksisterer i alle aspekter av arbeidet mitt som lærer, forfatter, forsker, utstillingsmaker, arrangør, organisasjonsdirektør og så videre. Men jeg bruker også kuratoriet som et slags omstridt uttrykk - ennå ikke fullstendig avslørt eller konstruert - som fanger opp former for kuratorisk praksis som ikke nødvendigvis resulterer i utstillinger, gjenstander eller materielle former. Utstillinger kan være veldig produktive utfall, men jeg tror at utstilling bare er en del av kuratorkonstellasjonen.
MP: Kanskje du kan diskutere den kommende boken din, Curating After the Global: veikart for nåtiden (redigert med Lucy Steeds, Mick Wilson og Simon Sheikh)?
PO'N: Boken (ut i september) er den tredje antologien i en forlagsserie mellom Center for Curatorial Studies, Bard College, Luma Foundation og MIT Press. Den første boka het Curatorial Conundrum: Hva å studere? Hva skal jeg undersøke? Hva skal jeg øve på?; den andre var Hvordan institusjoner tenker: mellom samtidskunst og kuratorisk diskurs, som undersøkte fremtredende institusjonelle praksiser som ble utviklet globalt av små og mellomstore kunstorganisasjoner. Denne tredje antologien dukket opp fra et symposium holdt på Luma Foundation i Arles i 2017. Den ser på det dynamiske forholdet mellom politikk, kuratering, utdanning og forskningspraksis innen institusjoner, og hvordan disse relasjonene forestiller seg krysset mellom det lokale og det globale, det regionale og nasjonale, i løpet av et øyeblikk av politisk skjørhet for menneskerettigheter over hele verden. Boken tar for seg kuratering med hensyn til denne nye globale tilstanden, definert av spørsmål om lokalitet, geo-politisk endring, gjenopprettelse av nasjonalstater og herding av nasjonale grenser. Den profilerer lokale initiativer som engasjerer seg med det globale på forskjellige måter, utover begrensningene for nasjonalisme, sekterisme eller proteksjonisme.
MP: Ideen om "samproduksjon" har blitt stadig viktigere i din praksis. Kan du diskutere begrunnelsen og forholdene som ligger til grunn for noen av dine langvarige prosjekter?
PO'N: 'Coalasce' var en åpen utstillingsmodell der mange forskjellige kunstnere samarbeidet under temaet: "Hvordan kan vi bygge en utstilling sammen?" 'Coalesce' er en metafor for utstillingen som 'landskap', som fungerer som en strukturerende enhet for de tre forskjellige grunnene: bakgrunnen som omgir betrakteren som beveger seg gjennom den; midtveien som stedet hvor betrakteren delvis kan samhandle med den (tenker på belysning, utstillingsmøbler, veggmerker, sitteplasser, vitrineskap og så videre); og forgrunnen, er den som inneholder betrakteren i utstillingsområdet. Kunstnere fikk i oppdrag å delta i en av de spesielle koordinatene. Det begynte med tre artister i 2001 i London Print Studio og endte med kanskje 100 artister i 2009 på SMART Project Space i Amsterdam. Det var en utstilling under utvikling som utvidet seg over tid, ettersom kunstnere inviterte andre kunstnere, skapte forskjellige lag og kryssbefruktet forskjellige kunstneriske posisjoner i prosjektet.
Omvendt, i den første fasen av 'We are the Center for Curatorial Studies' ved Bard College, ble hver av de inviterte kunstnerne (30 på det stadiet) invitert til å stille ut, forske og undervise (med unntak av William McKeown, som ikke er lenger hos oss). Primært stilte de ut arbeid som kunne defineres som kuratorisk, og samlet en konstellasjon av forskjeller; holde foredrag, workshops eller seminarer med studentene på Graduate Program ved CSS; og gjennomføre forskning med studenter og ansatte. Vi utforsket måter for den endelige utstillingsformen å dukke opp over lang tid, med kunstnere som besøker på forskjellige stadier. Selve utstillingen ble et lærings- og læringsmiljø for studentene; hver fase ga muligheter for å lære om å bygge en utstilling, jobbe og samarbeide med kunstnere og så videre. Det var også en annen utstilling kalt 'We are the (Epi) Center' som skjedde på P! Galleri på Manhattan. Flere artister gjorde forestillinger, visninger eller foredrag der, i tillegg til å jobbe på Bard College, som ligger nesten to timer utenfor byen.
MP: Avslutningsarrangementet for friskoleprosjektet 'Our Day Will Come' (2011) ved University of Tasmania, ble avholdt i en nattklubb med et symposium og et diskotek. Hvordan tror du de to forskjellige 'publikum' oppfattet disse opplevelsene?
PO'N: 'Our Day Will Come' var et svar på en invitasjon om å delta i en månedslang serie med offentlige kunstprosjekter, kuratert av David Cross, kalt 'Iteration Again' i Hobart, Tasmania. Jeg jobbet som kunstner-kurator, og satte opp prosjektets 'free-school' struktur med kurator Fiona Lee, og inviterte Sarah Pierce, Gareth Long, Mick Wilson, Jem Noble, Rhona Byrne og mange andre til å delta sammen med lokale aktører, agenter og skolemedlemmer. Hver uke i det månedslange prosjektet begynte med et spørsmål: Hva er en skole? (Uke en); Hva er fjernhet? (Uke to); Hva er autonomi? (Uke tre); Hva er nyttighet? (Uke fire). Disse fire henvendelsene strukturerte aktivitetene våre, med en skole hver uke. Den lille skolebygningen vår ble plassert i et gammelt arbeideres sal, inne i den sentrale gårdsplassen til University of Tasmania, hvor kunstskolen holder til. Vi jobbet med eksisterende skoleaktiviteter - fra klasser og workshops til skolemiddager - og vi ga ut en skolesine på slutten av hver uke, redigert, designet og skrevet ut med den ekspanderende gruppen av deltakere. Vi hadde også noen formelle foredrag og en skolestasjon, utviklet av Garrett Phelan. Skolediskoteket var det endelige prosjektet, formelt tittelen Død av en diskursdanser, som satt sammen to diskursive samtidige former: nattklubben og konferansen. Hver av konferansetalerne dejayed også. Jeg var interessert i disse to forskjellige målgruppene: en som kom til symposiet, som så på temaet skolegang, avstand, autonomi og nytte; den andre kom til nattklubben, hvor folk bare kunne danse. Jeg var veldig interessert i dette offentlighetsrommet - sammensmeltingen av forskjellige valgkretser i løpet av øyeblikk av strid. Jeg hadde tidligere vedtatt dette prosjektet på Club One i Cork i 2005, på invitasjon fra Annie Fletcher, Charles Esche og Art / not art. Det ble opprinnelig kalt 'Mingle Mangled, Cork Caucus' og fungerte veldig effektivt, med alle som omfavnet arrangementet. Mens det i Hobart var det litt mer konflikt eller antagonisme, fordi mange av de faste besøkende til klubben i Hobart ikke var like mottagelige for at dette kom sammen av forskjellige publikum under deres nattlige festligheter.
MP: Begrepet 'Publics' har blitt stadig viktigere for deg, ikke minst siden du ble utnevnt til kunstnerisk leder for Checkpoint Helsinki. Kanskje du kan diskutere hvordan organisasjonens arv og kjernevirksomhet har informert om denne nye fasen?
PO'N: For omtrent 18 måneder siden ble jeg utnevnt til kunstnerisk leder for Checkpoint Helsinki, et initiativ som ble opprettet i 2013. Invitasjonen var å tenke på nytt hvordan Checkpoint Helsinki kunne utvikle seg og utvikle seg i fremtiden. Checkpoint Helsinki ble opprettet som en forening av en gruppe kunstnere og aktivister for å motstå Guggenheim som kom til Helsingfors. De utviklet offentlige kunstprosjekter, konferanser og publikasjoner og brakte internasjonale kuratorer og utøvere til å engasjere seg i finsk kunst og vise sammen med lokale kunstnere. Som en aktivistorganisasjon var en annen prioritering å overvåke hvordan beslutninger tas i byen, når det gjelder fordelingen av midler til kultur og kunst. Noen av disse elementene og forpliktelsene - som kritisk og sosial tenkning, samarbeid og engasjement i nye debatter - er fremdeles veldig viktige for PUBLIKENE. Jeg foreslo for styret at vi kunne endre navnet til noe mer proaktivt og positivt. Begrepet 'publikum' antyder en konstellasjon av forskjellige metoder, prosjekter og produksjoner. Det er mange forskjellige grupper av mennesker som utgjør publikum, enten det er forestilt eller abstrakt, ekte eller aktualisert. Publikum betyr forskjellige ting i forskjellige deler av verden og har avvikende implikasjoner for ulike fagområder, fra sosiologi og antropologi, til samtidskunst og filosofi. Alltid flertall, begrepet 'publikum' beveger seg kanskje også bort fra denne binæren av privat og offentlig, noe som tyder på at alle rom er offentlige på en eller annen måte, mens de knytter seg til omstridte romtemporale steder og diskurs over hele verden.
Vi har nå et fysisk rom, og det er det primære nettstedet for PUBLICS Library (designet av Julia studio som også designet PUBLICS 'identitet). Vi har et spesialbestilt lysboksskilt - kalt Spis de rike (2018) av Liam Gillick - som sitter utenfor PUBLICS. Det kan sees når du nærmer deg rommet og er plassert over en av PUBLIKER store, åpne, godt synlige vinduer på gateplan, slik at forbipasserende får en følelse av hva som skjer inne. PUBLICS ligger i et hovedsakelig boligområde, tradisjonelt et arbeiderklasseområde, i et øyeblikk av tidlig gentrifisering. Helsingfors kunstakademi ligger bare ti minutters gange, så vi samarbeider mye med dem gjennom undervisning og tilgang til biblioteket. Biblioteket - som for tiden har rundt 6,000 publikasjoner - er unikt i byen og muligens i Europa, med et så spesifikt fokus på kuratorialitet, offentliggjøring, aktivisme og rom hvor filosofi og politisk tenking krysser seg med samtidskunst. Samtaler, arrangementer og forestillinger skjer regelmessig på PUBLICS, ofte i samarbeid med andre organisasjoner i byen, regionalt og internasjonalt. Ryggraden i programmet vårt er igangsetting og samproduksjon av offentlige kunstverk utenfor de normative områdene til gallerier og museer. Noen ganger er PUBLICS et utstillingsområde, en kino, en skole, noen ganger forblir vi et bibliotek eller et samlingsrom. Vi har tidligere stilt ut arbeid med kunstnere som Chris Kraus (da vi installerte alle filmene hennes), Harold Offeh, Karrabing Film Collective, Kathrin Böhm og holdt visninger med Tony Cokes og mange andre - men PUBLICS er ikke først og fremst et galleri .
MP: Hvordan føler du PUBLICS resonerer, både innenfor den lokale konteksten til den finske kunstscenen og internasjonalt?
PO'N: Det resonerer definitivt betydelig innen den lokale scenen. Da vi satte den opp, gjorde vi mange offentlige samtaler og arrangementer, og vi var alltid fullpakket. Vi ønsker å bygge bro over visse diskusjoner som allerede skjer i byen, med samtalene vi ønsker å ha rundt ulikhet i kunsten og med diskriminering i alle former. Vårt fokus er å prøve å diversifisere publikum for kunst, så det betyr å ta på seg spørsmål knyttet til kjønnspolitikk, skeiv politikk og så videre. Vi holdt 'lytteøkter' der vi samlet mennesker (som kanskje ikke kjente hverandre) for å lytte til hverandre. Våre Parahosting-arrangementer har vært en annen måte å markere saker som ikke var så godt representert før PUBLIK. 'Parahosting' kan være alt fra en boklansering, opphold eller varighet, til en lesegruppe, ukes konferanse eller popup-installasjon. Parahosting handler om PUBLICS som gir opp sitt program til andres arbeid, og til de initiativene som har behov for plass til å øve og støtte publikumets realisering av prosjektene. PUBLIK blir verten for andre mennesker, andre kropper og deres ideer; det blir overtatt og er opptatt av mange nivåer. Vi prøver å fullt ut engasjere oss i den lokale scenen, og fungerer som en slags støttepunkt for ulike og relevante kritisk lokaliserte diskusjoner, men vi tenker også bredere på Norden og Baltikum. Når vi prøver å 'desentrere' Helsinki, jobber vi for tiden med samarbeidsprosjekter med Index i Stockholm, det latviske senteret for samtidskunst i Riga og Oslo-biennalen i Norge.
Vårt nåværende fokus er økonomisk bærekraft og å bygge bro over gapet mellom små organisasjoner og de større institusjonene, som museer, over hele byen. Det er veldig mye en prosjektbasert kultur her, hvor organisasjoner og initiativer er finansiert i kanskje tre til fire år, og så har du disse store infrastrukturene, som Kiasma eller HAM, som er sikret utover det. I midten er det veldig lite aktivitet. Vi prøver å utvide organisasjonen vår til en mellomstor organisasjon, som en måte å støtte det pågående, bærekraftige og langsiktige økonomiske systemet for støtte til kultur og samtidskunst i byen og regionen. For 'Today is Our Tomorrow' - et årlig samarbeidsfestivalprosjekt initiert av PUBLICS som finner sted i september - prøver vi å etablere en samarbeidsmetodikk der forskjellige organisasjoner kan samarbeide om å representere mangfold og forskjell. Dette kan ende opp med å bli et betydelig årlig prosjekt, som en ny modell for å jobbe lokalt og internasjonalt, for å opprettholde små organisasjoner.
Manuela Pacella er frilans kurator og forfatter basert i Roma.
Dr Paul O'Neill er en irsk kurator, kunstner, forfatter og pedagog. Han er kunstnerisk leder for PUBLICS.
publics.fi
Funksjonsbilde
Liam Gillick, Spis de rike, 2018, utendørs lysboks bestilt av PUBLICS; fotografi av Noora Lehtovuori; høflighet av PUBLICS.
