EMMA DWAN O'REILLY RAPPORTERER OM 'VERDIEN AV KRITISME' SYMPOSIUM, SOM TILLEGG STED PÅ LEWIS GLUCKMAN GALLERI, CORK, 26. FEBRUAR 2016[I]
I Irland har praksis med kunstkritikk fortsatt å utvikle seg i et skiftende landskap. Selv om ting forblir urolige med hensyn til å etablere publikasjoner og sikre finansiering, eksisterer det en levende energi rundt å skrive om kunst i Irland de siste årene. Nye publikasjoner, forfattere og redaktører har dukket opp med nye initiativer og ideer, og det har vært en økt interesse for å utvikle nye rom, publiseringsplattformer og publikum, og å dyrke alternative tilnærminger til å skrive om kunst.
'Verdien av kritikk' symposium undersøkte kunstkritikkens og kritikerens rolle i å bestemme både den historiske og økonomiske verdien av kunsten. Kritikkens rolle i det skiftende landskapet for kunstkritikk og publisering ble også utforsket, med særlig fokus på hvordan forfattere, redaktører, kuratorer og kringkastere nærmer seg og vurderer fagene sine og påvirker offentlig forståelse og forståelse av kunst.
Keynote
Redaktør av Art Monthly, Patricia Bickers, taklet definisjonen av kritikk, og snakket om de historiske, tidsmessige jurisdiksjonene som skiller kunstkritikk og kunsthistorie. Hun avviste ideen om at kunstkritikk bare eksisterer for å yte en tjeneste for kunsthistorien: "Kunsthistorie og kritikk er en del av et kontinuum, uatskillelig og av samme verdi som i ethvert godt forhold, men de blir altfor ofte tvunget fra hverandre."
Bickers reiste også spørsmålet om klasse og hierarki mellom historie, kunsthistorie og kunstkritikk, og forklarte at inngangen til kunsthistorie i akademiet delte kunsthistorie og kunstkritikk, og følgelig ble førstnevnte referert til som en disiplin, og sistnevnte som en praksis, en kategorisering som "smacked of trade, the market". Hun hevdet at denne kategoriseringen var basert på antatt upartiskhet fra stipend, et syn som ikke lenger er relevant, ettersom all kommentar til kunst har potensial til å bli brukt av markedet.
Bickers diskuterte hvordan skriving har bidratt til å forme forståelse og forståelse av kunst, og hvordan teori har ytterligere informert om kunst og kritikk, og bidratt til utviklingen av begge. Hun avsluttet med å si at kritikk har vært gjenstand for mye analyse, og at forholdene hele tiden utvikler seg som svar på endringer i kunst og samfunn: “Ny kunst får nye former for skriving, som igjen informerer kunsten og vår forståelse av den og dens plassering. i livene våre. ”
Panel One - Legitimacy of Criticism (ledet av Lucy Dawe-Lane)
Sarah Kelleher åpnet sesjonen 'Legitimacy of Criticism', og refererte til kunstkritikk som "stadig mer engstelig sjangre for skriving". Hun refererte til de mange begivenhetene der bekymringene for kritikk, dens bærekraft, innflytelse, strenghet og relevans har blitt diskutert, og inkluderte James Elkins forslag om at kritikk blir produsert massivt og massivt ignorert.
Kelleher satte spørsmålstegn ved relevansen av kritikk i online-tiden, og argumenterte for at mye av angsten innen kritikk stammer fra mangelen på innflytelse og autoritet, så vel som kritikerens usikre stilling. Hun understreket viktigheten av dømmekraft og aksepterte at autoritet og innflytelse kanskje ikke lenger gjaldt på samme måte, og så på dette som en mulighet for kritikere til å evaluere sin egen rolle strengere. "Selv om påvirkning av kritikk kan avta, og kvaliteten på skrivingen varierer," sa hun, "kritikeren opptar fremdeles denne rollen som ambassadør, advokat, analytiker og takstmann og en bidragsyter til det første utkastet til kunsthistorie".
Å ta kunsten "personlig" var kjernen i Cristín Leachs bidrag til symposiet. Hun understreket viktigheten av å "være i øyeblikket med kunsten". Mens hun erkjente at kritikeren har mange roller, understreket hun at deres viktigste rolle er å ta kunsten personlig. Hun understreket at "det eneste som er verdt å skrive er det bare du kan skrive," og forklarer at dette påvirker hvorfor visse forfattere blir våre favoritter, at deres særegne stil stammer fra å ta kunsten personlig, noe som kommer til leseren i deres unike respons. Leach foreslo at mens forfattere bruker en profesjonell maske, kan tanker og følelser fra deres personlige liv materialisere seg i skrivingen på en usynlig måte og snakke til leseren på et personlig nivå.
Leach hevdet at ferdigheten i å formidle denne personlige forbindelsen eller reaksjonen er å gjøre det uten å bruke første person eller til og med andre eller tredje person. "" Jeg "må være usynlig, men alltid tilstede og alltid ta det personlig." Senere var det imidlertid en del debatt om hvorvidt spesifikke omstendigheter i et bestemt show kunne rettferdiggjøre sporadisk bruk av førstepersonspronomen.
Caoimhín MacGiolla Leith erkjente vanskeligheten med å kategorisere den nåværende tilstanden eller fremtidsutsiktene innen kunstkritikk, og foreslo at kritikk og kritikeren ikke hadde en rolle, men mange. Han anser publikum sentralt i å skrive på kunst og snakket om forskjellen mellom å skrive om verk som var ukjent og arbeid som allerede har blitt gjennomgått mange ganger.
Han foreslo at kritikk kunne falle i forskjellige kategorier og siterte Elkins syv kategorier. Han erkjente at selv om dette klassifiseringssystemet fremdeles er nyttig, følte han at det lett kunne oppdateres, utvides eller utvides for å imøtekomme de nylig oppstått eller gjenoppblomstrende former for kunstskriving som kobler seg fra beskrivelse, analyse, evaluering og kontekstualisering til fordel for mer roman og eksentriske adressemåter ”. Typer av skriving som (her refererer til Gertrude Stein), "eksisterer sammen med kunstverket på et parallelt plan, i stedet for bare å tjene det".
Panel to - Hvem er kritikk for? (Ledet av Fergal Gaynor)
Declan Long åpnet dette panelet ved å uttale sin egen personlige avhengighet av kritikk, og detaljere de stilistiske egenskapene som trekker ham til visse kritikere og den læringen som kan oppnås ved å lese kritikk.
Han diskuterte hvordan det i spesialpublikasjoner er forventninger, "ikke bare om delt ordforråd, men om delt entusiasme, delt ansvar, kollektive kulturelle preferanser". Han foreslo at forfatterne kunne være sitt eget første publikum: "Kanskje det også kan være for meg når jeg skriver det ... Jeg skriver noe jeg tror jeg vil lese". Long gikk videre mot å svare på spørsmålet om som kritikk er for, å spørre hvem kritikk forfekter på vegne av, snarere det hvem det er mot. Han konkluderte med at "kritikk er mot det allerede bestemte, det dogmatiske".
Rebecca O'Dwyer styrte seg bort fra 'publikum' som et svar på spørsmålet 'hvem er kritikk for?' Hun skrellet bort lag av spørsmålet og argumenterte for at 'hvem' er sentrert på antagelsen om at verdien av kritikk bare bestemmes av 'bruken'. Hun avfeide verdien av kritikk som ble evaluert ved bruk og lesing, og forklarte at disse stammer fra profesjonalisering av feltet og troen på at det skal "gjøre noe".
O'Dwyer understreket verdien av både lesing og skriving for å få en større forståelse av kunst og vurderte hvordan kritikk kunne være forum kritikeren. Hun kom til den konklusjonen at handlingen med å skrive kritikk i stor grad er for henne, som forfatter, mens den også var "for ingen og samtidig alle".
Brian Fay vurderte også ideen om at skriving er en kreativ prosess for forfatteren. Han svarte på spørsmålet om som med "den som trenger det", og foreslår at publikum om kunstkritikk er heterogene, og flyttet spørsmålet til å identifisere hvem disse menneskene kan være og hvorfor de vil ha det.
Ved å identifisere praktiserende kunstnere som en gruppe som konsekvent og aktivt engasjerte seg i kritikk, og ofte informerte om kunstproduksjon, presenterte han en modell på tre trinn, fra produksjon til utstilling, til den siste fasen der verkene påkaller et svar. Han hevdet at denne modellen ikke tok hensyn til at trinn tre kunne informere trinn ett, og refererte til det som en "vridd sylinderløkke", med kritikk, tolkning og evaluering "innebygd, flettet inn i produksjonshandlingen".
Fay diskuterte også gjennomgangen av ferdig arbeid, og la vekt på hvordan kunstnere trenger motstand, og foreslo verdien av kritikk som dialog i stedet for bare som validering.
Panel tre - Framtidens kritikk (Ledet av Chris Clarke)
Åpning av det tredje og siste panelet vurderte Clíodhna Ní Anluain hvordan radio og fjernsyn ofte blir sett på som kortvarig og bemerket fraværet av noen henvisning til enten i den tidligere behandlingen av symposiet. Hun understreket viktigheten av historien på radio og fjernsyn, og kraften som en kringkastet diskusjon kan ha for å endre oppfatningen til både bidragsyterne og publikum. Hun betraktet den betydningsfulle historiske arven til det talte arkivet som RTE har bygget gjennom sine intervjuer og innspillinger.
Sentralt i Gemma Tiptons bidrag var ideen om at kunsten krysser verdener. Hun fortalte på vegne av skriving som førte kunst og kunstneres ideer inn i andre disipliner og samtaler. Mens hun anerkjente linjene innen disipliner og mangfoldet av sammenhenger der skriving kan sitte, hver med forskjellige mandater og publikum, oppfordret hun til å skille ideen til spesialisten og det universelle publikummet.
Tipton understreket viktigheten av inkludering i både språk og diskurs ettersom fremtiden brakte flere tverrfaglige måter å tenke og lage. Mens hun forsto at spesialiteter har sine egne språk, foreslo hun at teknisk sjargong kan brukes til å skjule dårlig skriving, noe som utgjør en stor trussel mot kunstkritikk.
Tipton anser fremtiden for kritikk lys og talte for å "fortsette å presse på for ekspertise på spesialistsiden, for å kutte gjennom støyen og bli kvitt usikkerheten, og huske gleden".
Nathan Hugh O'Donnell beskrev kritikk som en utveksling, mekling mellom kunst og en slags publikum. Fremtiden for kunstkritikk, hevdet han, ligger hos magasiner og uttalte at magasiner (inkludert de på nettet) er viktige på grunn av måten de konstruerer publikum på og har dukket opp, historisk, i hvert øyeblikk når publikum har utvidet seg. Han hevdet at publikum er heterogene, at det ikke er noen endelig offentlighet: "De fleste mennesker krysser disipliner og spesialiteter."
'Verdien av kritikk' symposium bygget på arven fra lignende begivenheter som har forsøkt å bestemme formålet med kunstkritikk når den sprekker og utvikler seg i en tid da tradisjonelle definisjoner, funksjoner og tilnærminger holder mindre valuta. Symposiet hadde en mer optimistisk følelse av andre pulskontrolløkter om emnet. Heldigvis styrte bidragsyterne bort fra den godt innøvde diskusjonen om den evige krisen og mot samtaler om inkludering og verdien av kritikk, og ga en følelse av en lys fremtid, med plass til flere stemmer, publikum og skriving.
Emma Dwan O'Reilly er en forfatter og forsker basert i Tipperary.
[I] Twitter-forhandlinger på # VOC16
Bilde: Keynote av Patricia Bickers; bilde med tillatelse fra Glucksman Gallery.
