ALAN PHELAN NAVIGERER KJENTIDENTITETER PÅ VENEDIG KUNST BIENNALE i 2019.
Biennalen åpnet en uke før Eurovision. Når det gjelder kitschnasjonalisme og tonedøv politikk, kunne det ikke være en bedre analogi. Vanskelig nasjonal politikk kan bli kunstvasket - eller turismeopprykk kan ha et sterkere grep enn kunsten - men i år ble disse oppveid av sterke feministiske stemmer eller, enda bedre, arbeid som hadde motstridende verdier til landet de representerte eller kuratorisk tema de ble plassert i. Det 'store showet' som takler dagens 'store ideer' kan lett tape i en by full av hundrevis av forestillinger, utstillinger, prosjekter og til og med performancekunstnere som søker etter oppmerksomhet - men det genererer mange utgangspunkt.
Da rykter begynte å sirkulere om kostnadene på € 30 millioner for Christoph Büchels oppvokste migrantbåt, Barca Nostra, hadde artisten lykkes med å spille kunstmengden. Sladder erstattet informasjon, etterfulgt av moralsk opprør og indignerte memes. Til slutt fulgte fakta i en rekke artikler (se theartnewspaper.com for en god oversikt), men skuespill var den virkelige vinneren. Dette er en del av bakgrunnshistorien, da den bundet direkte inn i Rugoffs tema, til tross for at ingen ser ut til å få det - dette var kunst falske nyheter i aksjon.
På mange måter er det 89+ individuelle forsøk på museumsstandardutstillinger som konkurrerer med hovedutstillingen med biennale-tema, som til tross for bare å ha 79 kunstnere i denne utgaven, fortsatt er enorm. Det er mye å beskrive, men det er allerede en rekke "topp ti anmeldelser" som gjør den jobben veldig bra. Et enkelt søk vil gi mange slike lister - jeg kan anbefale artsy.net, domusweb.it, news.artnet.com, samt vogue.co.uk (med en profil på kvinnelige artister på biennalen, som inkluderer Eva Rothschild , som representerte Irland).
Det som imidlertid generelt skjer utenfor de faste vinnerne og favorittene, er de tilfeldige mønstrene som dukker opp utenfor den store kuratorplanen, som utbredelsen i år av kjønn / queer-arbeid, science fiction og dansemusikk over hele byen. Jeg må innrømme at disse er en del av subjektiviteten min, informert av mine interesser som kunstner - resultatene av det interne filteret mitt som prøver å motstå pressete mediepakker av uke.
Det føles noen ganger at feiltolking er den eneste måten å navigere på kunstflommen. Folkemengdene er tette i løpet av pressuka, og humør og tålmodighet kan være kort. Men siden dette er kunst, misviser noen kunstnere bevisst - de lager en ting, sier en annen og publiserer deretter et helt annet utvalg av ideer. Noen ganger etter plan, noen ganger ved en feiltakelse, når pressemelding og veggtekst lingo blir forvirret mellom språkoversettelse, kunstteori og hyperbole. Mange tolkningsferdigheter kreves. Korte beskrivelser av alle verk finner du på labiennale.org, men delt mellom de nasjonale representantene og det store showet, pluss sikkerhetsbeløpet for å være der og spesielle prosjekter.
For de nasjonale showene vil mange generelt ha tatt den beste delen av to år for å realisere, og er i mange tilfeller et høydepunkt eller høydepunkt i en kunstners karriere. Mange vil ha et avansert visuelt vokabular eller være på høyden av sin popularitet, noe som har ført til den nasjonale representasjonen og paviljongen. Gode eksempler fra Giardinis 'Empire Avenue' ville være henholdsvis Frankrike, Storbritannia og Tyskland - Laure Prouvost, Cathy Wilkes og Natascha Sadr Haghighian. Disse tre kunstnerne tilbød følelsesmessige og konseptuelle ordninger for fordrivelse og tap, hver av dem viser forskjellige kurs gjennom nasjonale identiteter i deres signaturstiler og alle krever forskjellige varige forpliktelser. Provost gjorde morsomme klimaendringer; Wilkes gjorde trist innenlands og Sadr Haghighian var noen andre.
Mellom skuespill og antispektakel var alle tre ekstremt sofistikerte og nyanserte presentasjoner av velsmurt praksis, og alle tre etterlot meg innhold, men litt kaldt. Jeg ble tiltrukket av dansemusikken i den koreanske paviljongen i stedet, et dunkende hardt techno-lydspor av Siren Eun Young Jung i et bakrom, til en video som viser fire karakterer som utfører kjønn, funksjonshemming og DJ. Det burde vært banalt, men en veldig polert visuell redigering og musikkmiks fikk det til å fungere. En spesialutgave av Harpers Bazaar Korea, som spesialutgaven Monopl magazine i Tyskland, hjalp ikke noen tolkende spørsmål jeg hadde, men fungerte som en god påminnelse om en blander råvarekultur som garanterte så mye av det som er utstilt i Venezia.
De nærliggende paviljongene i Sveits og Spania, som begge hadde samarbeidsgrupper, spilte også ut et kjønn / queer fuckery med en trickster dansetone. Det er vanskelig å 'presentere som' motkultur i en slik borgerlig setting, men begge fungerte for å avdekke den heteronormative skjevheten som ellers dominerer. Så da Østerrike ikke klarte å sette merke til å gjenopplive et feministisk geni, utmerket Brasil i nærheten å presentere det livligste og på en eller annen måte mest autentiske showet. Klart i strid med Bolsonaro-regjeringen presenterte Bárbara Wagner og Benjamin de Burca en stolt transkjønnet ghettokrigsdans, 'horisontalt' opprettet med deltakerne, og tilegnet seg Beyoncé-bevegelser for å presse popkulturen tilbake, til å eie den og 'tjene' den.
Stykket lyktes med 'virkelighet' på en måte som Shu Lea Cheang i Taiwan ikke helt kunne mønstre. Til tross for en enorm, kompleks og superleirproduksjon, føltes verket som en bokstavelig gjengivelse av kurator Paul B. Preciados skrifter, og kanaliserte Foucault med et panoptikon-videovisning i et fengsel med kjønn og seksuelle forbrytelser. Det var kuttet, men morsomt, men for nær tekster som Testo Junkie. En liveversjon av stykket - med mange av utøverne, servert med peniskake - var tilsynelatende mer vellykket, sa en kollega som klarte å delta på den på San Servolo, 'The Mad of the Mad'.
Hvis du bodde mellom London og Berlin de siste årene, ville du ha sett det hele, sa en annen kollega. Da jeg bare bor i Dublin, er Arsenale og Giardini Central Pavilion en fin måte å fange opp verkene til Arthur Jafa, Kahil Joseph, Hito Steyrl, Teresa Margolles, Nicole Eisenman, Lawrence Abu Hamdan, Rosemarie Trokel og mange flere. Disse verkene er altfor eklektiske til å beskrive eller diskutere her, men de som har å gjøre med aspekter av sosial rettferdighet og kjønnspolitikk var sterkest. Lignende temaer skjedde med andre artister rundt roboter, surkåljuice og gråtende CGI, men fungerte ikke like bra.
Science Fiction opererte mellom AI-ambisjonene til hovedshowet, fra den latterlige Halil Altindere-romflukten, eller den kjedelige Mars diorama av Dominique Gonzalez-Foerster, til den sublime Larissa Sansour i Danmark. Og så var det Stan Douglas; hans kvanteidentitetsbyttende karakter klarte seg bedre i en utsøkt laget B-film, som vellykket satte spørsmålstegn ved rase i verdensrommet. Den meksikanske paviljongen kunne sees på som en forvirret tidsreise, bibelske gjenoppføringsepos, men det var ikke meningen med kunstneren, Pablo Vargas Lugo. Larissa Sansours arbeid har lenge handlet om å finne parallelle Sci-Fi-fortellinger for den israelsk-palestinske konflikten, men hennes film for Danmark provoserte en lang online samtale med en venn, som påpekte at miljøkatastrofetemaet faktisk var antisemittisk og ikke den 'radikale alteriteten' foreslått av kuratoren.
En av de siste forestillingene jeg så var Charlotte Prodger, som representerte Skottland. Den 39 minutter lange videoen gikk sakte og motsatt av Laure Prouvost sin 20 minutter lange film som var vanvidd av redigeringer. Begge verk deler en autoritet av selvtillit, den typen offentlig selvtillit som er uronisk full av selvtillit og dagbokstrukturer, sannsynlig ydmykhet og tilsynelatende intimitet. Begge lar kameraene rulle rundt sin storhet og menneskene og steder viktige i deres fortelling. Det minnet meg hvorfor Litauen vant Golden Lion, ettersom det arbeidet hadde en annen og bestemt raushet. De syngende strandgjengerne ble uformelt dirigert, noe som ga inntrykk av at de virkelig gledet seg over dagen, sang om klimaendringer og verdens ende. Kanskje var det stykkets samarbeidende natur, fra produksjon til forestilling, som førte meg tilbake til den iscenesatte autentisiteten som fungerte så bra for Brasil, og ga en ny vri på hva post-sannhet kan bli.
Alan Phelan er en kunstner basert i Dublin. Hans reise til Venezia ble selvfinansiert med presseakkreditering arrangert gjennom VAI.
Utvalgte Bilder
Bárbara Wagner og Benjamin de Burca, Swinguerra, 2019; film fremdeles med tillatelse fra kunstnerne og Fundação Bienal de São Paulo.
