JOANNE RETTER INTERVJUER ALISON PILKINGTON OM METODENE OG PÅVIRKNINGENE SOM UNDERLAGER Hennes nåværende arbeidsform.
JL: Maleriene dine ser ut til å kombinere abstrakte, diagrammatiske og figurative tilnærminger. Er du bevisst på å ha en bestemt estetikk i tankene når du går ut på et maleri?
AP: Min estetiske tilnærming eller malestil har utviklet seg mye de siste ti årene, særlig siden jeg begynte på en praksisbasert doktorgrad ved NCAD, som jeg startet i 2009 og fullførte i 2015. I løpet av denne tiden gjorde jeg en ganske bevisst pause fra gestural abstrakt maleri. Jeg tror jeg følte behovet for å frigjøre meg fra en bestemt malestil. Det er ironisk at gestaltabstrakt maleri - som regnes som en så gratis og intuitiv måte å håndtere maling på - ble begrensende og kvelende for meg. Ved å gjøre disse bevisste endringene følte jeg at jeg kunne utforske malingsmediet som en aktiv forskningsprosess som kunne ha en rekke mulige resultater. Jeg ønsket å konsentrere meg mer om personlige fortellinger og utforske hvordan jeg kan uttrykke disse fortellingene gjennom malingsmediet. Jeg ønsket også å utforske figurative muligheter i arbeidet. Dette var da jeg begynte å utforske collage og maquetter som kreative ledere for malerier. Arbeidet til visse kunstnere, som banet vei for mer flytende tilnærminger til maling, har hatt stor innflytelse for meg i denne forbindelse. Disse inkluderer den tyske kunstneren, Martin Kippenberger (1953–1997), og flere samtidskunstnere som New York-baserte abstrakte malere, Charline Von Heyl, og amerikanske malere, Amy Sillman.
JL: Kan du kort skissere din doktorgradsforespørsel og hvordan denne forskningen kan ha endret tilnærmingene dine til maling?
AP: Som alle som har tatt doktorgrad vil fortelle deg, er doktorgradsforskning en varig og kompleks reise. For meg var det mye funn om "hvorfor" mer enn "hvordan" maleriet - en reflekterende prosess som inkluderte en grundig utforskning av mediumets relevans eller validitet som forskningsmetode. Det er andre veier relatert til forskningen som jeg nå vil utforske videre, for eksempel å innramme den kreative prosessen som et radikalt rom for kunstnerisk byrå - noe som er relatert til min nye kropp.
JL: Kanskje du kan skissere noen av forskningsmetodene dine?
AP: Arbeidet mitt har en tendens til å starte med skisser, tegninger og akvarellstudier. Jeg fører notater, tanker og ideer i tidsskriftene mine. Jeg elsker friheten til å tegne i skissebøker og tidsskrifter, og jeg pleier å ha to eller tre på farten til enhver tid. Jeg prøver å knytte sammenhenger mellom det jeg tenker og skriver om i tidsskriftene mine og bildene som dukker opp i notatbøkene. Til syvende og sist er maleriene en utvidelse av denne undersøkelsesprosessen - en tilnærming som hjelper meg å beholde en løshet i maleriene mine. I stedet for å lage direkte malerkopier av maquettene og collasjene mine, bruker jeg dem som referanser som kan transformeres gjennom malingsprosessen.
JL: Kan du skissere noen av dine kunsthistoriske påvirkninger?
AP: Henvisninger til maleri fra forskjellige kunsthistoriske perioder kommer ofte gjennom i arbeidet mitt. Noen ganger blir disse assosiasjonene opprettet ubevisst, og det er først på et senere tidspunkt at jeg kan gjenkjenne deres betydning. Imidlertid er det noen eksplisitte og tilbakevendende referanser til individuelle malerier som jeg konsekvent synes er overbevisende, nysgjerrige eller rare, både når det gjelder kunstnerens tilnærminger til komposisjon, eller til verkets fortellende innhold. Et maleri av Pietro Longhi, med tittelen Nesehornet Clara (1751), har interessert meg i noen tid. Jeg har laget flere malerier som uttrykker min fascinasjon med dets fremmedhet og min opptatthet med å tolke dens betydning. Dette var noe jeg utforsket lenge under doktorgradsforskningen. Magritte er en annen viktig prøvestein for arbeidet mitt, basert på kunstnerens livslange utforskning av maleriet som noe ”iboende mystisk”. Magrittes verk gjengivte hverdagsgjenstander i rare, ukjente eller uhyggelige scener, og dette er noe som ofte har inspirert meg. Jeg elsker også malerier fra begynnelsen av det XNUMX. århundre barokkperioden, inkludert verk av Rembrandt, Velasquez, Rubens og Poussin. Jeg prøver å gjenskape litt av deres drama i maleriene mine, ved bruk av sterke lyskilder, eksperimenter med skala, og gjennom forslaget om underliggende fortellinger.
JL: Mye av arbeidet ditt viser en opptatthet av dybdeskarphet. Kan du diskutere maleriene dine mht trompe l'oeil og din behandling av overflater?
AP: Jeg tror dette vokste ut av min opptatthet med det spesifikke malemediet. Slike henvendelser inkluderte en utforskning av hvordan innføring av lys ofte skaper skygger og høydepunkter. Jeg er også interessert i hvordan skala og komposisjon kan skape visuell spenning i et maleri eller på tvers av en hel arbeidsdel. Dette er de mer formelle elementene i komposisjon, men jeg prøver å vurdere dem sammen med fortellingene som jeg utvikler i maleriene. Å lage papirmaquetter og collager med "flat farge" utfordret meg til å vurdere hvilke typer pensel og maling som gir inntrykk av "flathet". Å skjære gjennom papiret og brette det tilbake for å avsløre et nytt fargelag under fungerer på et formelt nivå, samtidig som det har en symbolsk betydning knyttet til selvet - til å skjule og avsløre deler av selvet. Det er meg som prøver å gi form til disse tankene. Mye av denne utforskningen startet med maquettene og tenkte på det tredimensjonale aspektet av et objekt i rommet. Flapper, hull, tentakler og skygger som forekommer i disse skulpturelle objektene utviklet seg gradvis og ble forvandlet gjennom maleri.
JL: I din nåværende separatutstilling, 'How We Roam', er det en følelse av at karakterene i maleriene dine legger ut på nysgjerrige eller spekulative reiser. Er dette en metafor for den kreative prosessen?
AP: Det er det, ja. Det er referanser til klassisk portrett, landskapsmalerier og det sublime i kunsthistorien. Mange av maleriene mine skildrer figurer i villmarken, kanskje erobrer terrenget, eller når de har nådd toppen av et fjell, som i maleriet Wanderer. For meg er ideen om en figur som vandrer rundt i villmarken utvilsomt en metafor for den kreative prosessen, som kan skyve en kunstner ut av komfortsonen. Det kan få oss til å føle oss sårbare når vi tester ut nye ting, men til slutt belønner og gir energi til menneskelig ånd. Dette enkle motivet er utviklet på tvers av denne nye malerieserien, som jeg håper ber tilskueren om å stille spørsmål om arbeidet og være nysgjerrig.
Alison Pilkington er en kunstner som bor og jobber i Dublin. 'How We Roam' vises for øyeblikket på The Dock, Carrick-on-Shannon frem til 2. juni, og vil deretter bli presentert på Ashford Gallery, RHA i september 2018.
alisonpilkington.com
Bilde studiepoeng:
Visning av Alison Pilkingtons notatbokskisser
Alison Pilkington, Wanderer, 2017, olje på lerret
Alison Pilkington, natur 2017, olje på lerret
